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Documento BOE-A-2015-9452

Orden ECD/1752/2015, de 25 de agosto, por la que se aprueban los temarios que han de regir en los procedimientos de ingreso, acceso y adquisición de nuevas especialidades en el Cuerpo de Catedráticos de Música y Artes Escénicas en las especialidades vinculadas a las enseñanzas de música y de danza.

Publicado en:
«BOE» núm. 206, de 28 de agosto de 2015, páginas 76374 a 76522 (149 págs.)
Sección:
II. Autoridades y personal - B. Oposiciones y concursos
Departamento:
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
Referencia:
BOE-A-2015-9452

TEXTO ORIGINAL

Aparte de las establecidas en la Ley 7/2007, de 12 de abril, del Estatuto Básico del Empleado Público, la disposición adicional sexta de la Ley Orgánica 2/2006, de 3 de mayo, de Educación, establece que, además de las recogidas en la Ley 30/1984, de 2 de agosto, de Medidas para la Reforma de la Función Pública, son bases del régimen estatutario de los funcionarios públicos docentes las reguladas por la propia Ley Orgánica 2/2006, de 3 de mayo, y la normativa que la desarrolla, para el ingreso y la movilidad entre los cuerpos docentes, encomendando al Gobierno su desarrollo reglamentario en aquellos aspectos básicos que sean necesarios para garantizar el marco común básico de la función pública docente.

Las especialidades para impartir las enseñanzas superiores de Música y de Danza por el cuerpo de funcionarios docentes en centros públicos han sido determinadas en el Real Decreto 427/2013, de 14 de junio, por el que se establecen las especialidades docentes del Cuerpo de Catedráticos de Música y Artes Escénicas vinculadas a las enseñanzas de Música y de Danza.

El artículo 19 del Reglamento de ingreso, accesos y adquisición de nuevas especialidades en los cuerpos docentes a que se refiere la Ley Orgánica 2/2006, de 3 de mayo, de Educación, y se regula el régimen transitorio de ingreso a que se refiere la disposición transitoria decimoséptima de la citada ley, aprobado por Real Decreto 276/2007, de 23 de febrero, establece que previa consulta a las Comunidades Autónomas, por vía reglamentaria se aprobarán los temarios definitivos que correspondan para los distintos cuerpos y especialidades en la fase de oposición.

Procede por tanto, dando cumplimiento al citado artículo, aprobar los temarios que han de regir en los procedimientos de ingreso, acceso y adquisición de las especialidades docentes determinadas en el Real Decreto 427/2013, de 14 de junio.

En la elaboración de la presente orden han sido consultados la Conferencia de Educación, el Consejo Superior de Enseñanzas Artísticas, el Consejo Escolar del Estado y la Comisión Superior de Personal.

En su virtud, previa aprobación del Ministro de Hacienda y Administraciones Públicas, dispongo:

Artículo 1. Objeto.

Esta orden tiene por objeto la aprobación de los temarios que han de regir en los procesos de ingreso, acceso y adquisición de nuevas especialidades en el Cuerpo de Catedráticos de Música y Artes Escénicas en las especialidades vinculadas a las enseñanzas de Música y de Danza.

Artículo 2. Aprobación de los temarios que han de regir en los procedimientos de ingreso, acceso y adquisición de nuevas especialidades en el Cuerpo de Catedráticos de Música y Artes Escénicas, en las especialidades vinculadas a las enseñanzas de Música y de Danza.

Los temarios a que se refiere el artículo 19 del Reglamento de ingreso, accesos y adquisición de nuevas especialidades en los cuerpos docentes a que se refiere la Ley Orgánica 2/2006, de 3 de mayo, de Educación, aprobado por Real Decreto 276/2007, de 23 de febrero, para las convocatorias de ingreso, acceso y adquisición de nuevas especialidades en el Cuerpo de Catedráticos de Música y Artes Escénicas en las especialidades vinculadas a las enseñanzas de Música y de Danza, reguladas por el Real Decreto 427/2013, de 14 de junio, por el que se establecen las especialidades docentes del Cuerpo de Catedráticos de Música y Artes Escénicas vinculadas a las enseñanzas de Música y de Danza, son los que se establecen en la presente orden y que figuran en el anexo.

Disposición derogatoria única. Derogación normativa.

Quedan derogadas cuantas disposiciones de igual o inferior rango se opongan a lo dispuesto en esta orden.

Disposición final primera. Título competencial.

La presente orden se dicta al amparo de lo establecido en el artículo 149.1.18.ª y 30.ª de la Constitución, que reserva al Estado la competencia para establecer las condiciones básicas que garanticen la igualdad, las bases del régimen jurídico de las Administraciones Públicas y el régimen estatutario de los funcionarios y las normas básicas para el desarrollo del artículo 27 de la Constitución, y tiene carácter básico.

Disposición final segunda. Aplicación.

Se faculta a la persona titular de la Dirección General de Evaluación y Cooperación Territorial para dictar, en el ámbito de sus competencias, cuantas resoluciones e instrucciones sean necesarias para la aplicación de lo dispuesto en esta orden.

Disposición final tercera. Entrada en vigor.

La presente orden entrará en vigor el día siguiente al de su publicación en el «Boletín Oficial del Estado».

Madrid, 25 de agosto de 2015.–El Ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo y Montojo.

ANEXO
Temarios para el ingreso, acceso y adquisición de nuevas especialidades docentes en el Cuerpo de Catedráticos de Música y Artes Escénicas vinculadas a las enseñanzas de Música y de Danza

A. Temarios de las especialidades docentes vinculadas a las enseñanzas superiores de Música:

Acordeón

Tema 1. Historia general del acordeón: orígenes y predecesores. Evolución de sus elementos constitutivos desde los puntos de vista histórico y geográfico.

Tema 2. El acordeón actual: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Análisis comparado de los distintos tipos de acordeón. Familia de instrumentos de lengüeta libre: clasificación y análisis comparado.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en instrumentos de lengüetas libres y características específicas. Técnica del fuelle y su influencia en la emisión y calidad del sonido.

Tema 4. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones; movimientos y combinaciones de movimientos que de ellos se derivan.

Tema 5. La técnica del acordeón: principios elementales. Adaptación anatómica a los distintos tipos de instrumento según sus tamaños, formas y pesos: manera de sentarse, posición del cuerpo en general. Las diferentes funciones de cada mano y brazo en la técnica acordeonista. Técnica del fuelle: formas de emisión, según la compresión del fuelle; efectos, respiración, dinámica y otros.

Tema 6. La técnica moderna del acordeón en la interpretación de la música contemporánea: conceptos fundamentales. Aproximación a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. La digitación en el acordeón: análisis comparado y metodologías del estudio de la digitación en cada uno de los diversos sistemas manuales.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para acordeón.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de las transcripciones para acordeón del repertorio del Barroco y del Clasicismo. Criterios de transcripción. Rasgos interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de las transcripciones para acordeón del repertorio del siglo XIX. Criterios de transcripción. Rasgos interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de las transcripciones para acordeón del repertorio de la primera mitad del siglo XX. Rasgos interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para acordeón desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características del repertorio para acordeón en el ámbito del folklore musical. El acordeón en las distintas comunidades autónomas: antecedentes, evolución y situación actual. Influencias externas. Fuentes. Aspectos sociológicos.

Tema 14. El acordeón en la música de cámara. Características del repertorio y función en las diferentes formaciones camerísticas. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos y métodos de trabajo.

Tema 15. El acordeón como instrumento acompañante, tanto en las tradiciones populares como en la música culta. Características del repertorio y de su interpretación.

Tema 16. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 17. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 18. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 19. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 20. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 21. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 22. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 23. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 24. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 25. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 27. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 28. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Arpa

Tema 1. Historia y evolución del arpa: orígenes y predecesores. El arpa en las grandes culturas de la antigüedad. Instrumentos angulares y triangulares en la Alta y Baja Edad Media, el Ars Nova y el Renacimiento Ibérico; arpas simples y arpas de dos y tres órdenes en el Barroco español y europeo. Arpas de pedales: el movimiento simple y el doble movimiento. El arpa cromática del siglo XIX.

Tema 2. El arpa actual: descripción de sus características constructivas. Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de cuerda. Peculiaridades derivadas del modo de producción. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Pulsación en las distintas zonas de la cuerda y su relación con el tipo de sonido. Formas convencionales y no convencionales de producir el sonido. Afinación. Encordadura: características y colocación. Resonancias diversas.

Tema 4. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica del arpa. Manera de sentarse, posición del cuerpo en general y de las manos sobre las cuerdas. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones; movimientos y combinaciones de movimientos que de ellos se derivan.

Tema 5. La técnica general del arpa. Principios fundamentales de la técnica arpística: la digitación en el arpa. Criterios para la utilización de las digitaciones de las distintas ediciones. Fórmulas de escritura propias del instrumento: escalas, arpegios, articulaciones, y otras. Diversas fórmulas de apagados. Empleo de la resonancia.

Tema 6. La técnica moderna del arpa: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos. Estudio comparativo de las diferentes concepciones teóricas, estéticas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento desde los primeros maestros del Renacimiento español e italiano, hasta las primeras escuelas oficiales de arpa del siglo XIX. Posiciones de Naderman y evolución hasta nuestros días. Los tratados españoles de arpa. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el arpa.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para arpa del Renacimiento español e italiano. Tablaturas y criterios de transcripción. Rasgos interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para arpa del Barroco y del Clasicismo. Tablaturas y criterios de transcripción. Rasgos interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para arpa del siglo XIX. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para arpa de la música francesa entre dos siglos, los siglos XIX y XX: Debussy, el impresionismo y otros. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para arpa de la primera mitad del siglo XX. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para arpa desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Aproximación a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 15. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 16. El arpa en la música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas (dúo, trío, cuarteto y otras).

Tema 17. El arpa en la orquesta. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Características del repertorio para orquesta y solista del arpa. Funciones sonoras en las diferentes agrupaciones y papeles interpretativos (solista, acompañamiento, melódico y otras) Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal en el aula.

Tema 18. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 19. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica del arpa.

Tema 20. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos.

Tema 21. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 22. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 23. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 24. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 25. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 26. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 27. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 28. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 30. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Bajo eléctrico

Tema 1. Historia y evolución del bajo eléctrico. Aparición de instrumentos eléctricos. Necesidad histórica y estilística.

Tema 2. El bajo eléctrico: descripción de sus características constructivas. Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Pastillas, fonocaptores o transductores. Amplificación. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en el bajo eléctrico. Peculiaridades derivadas del modo de producción del sonido. Afinación. Amplificación eléctrica del sonido. Interacción instrumento-sistemas de amplificación eléctricos. Tipos de sistemas de amplificación. Producción del sonido y sus variedades. Tipos de instrumentos. Tipos de cuerdas. Formas convencionales y no convencionales de producción del sonido.

Tema 4. Aplicación de técnicas de concienciación corporal a la interpretación musical: respiración, relajación, concentración, hábitos posturales, control mental, visualización. El miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica del bajo eléctrico. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones; movimientos y combinaciones de movimientos que de ellos se derivan.

Tema 5. La técnica del bajo eléctrico: principios fundamentales. La función de las distintas partes de cada brazo en la técnica del bajo eléctrico. Técnicas de ejecución: pulsación, uso de la púa, técnicas de mano izquierda y otras.

Tema 6. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el bajo eléctrico. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 7. Estructuras formales del blues y del jazz. Conceptos y características fundamentales. Visión histórico-estilística. Conocimiento de la tradición y de sus intérpretes más importantes. Criterios didácticos de selección de repertorio.

Tema 8. Estructuras formales del pop y del rock. Conceptos y características fundamentales. Visión histórico-estilística. Conocimiento de la tradición y de sus intérpretes más importantes. Criterios didácticos de selección de repertorio.

Tema 9. Estructuras formales del country y del folk. Conceptos y características fundamentales. Visión histórico-estilística. Conocimiento de la tradición y de sus intérpretes más importantes. Criterios didácticos de selección de repertorio.

Tema 10. Estructuras formales del reggae y del funk. Conceptos y características fundamentales. Visión histórico-estilística. Conocimiento de la tradición y de sus intérpretes más importantes. Criterios didácticos de selección de repertorio.

Tema 11. El bajo eléctrico en la música clásica contemporánea. Principales autores y repertorio.

Tema 12. Variedad de formaciones para la clase de conjunto: Big Band, Combos y otros. Importancia del rol dentro del grupo. El bajo como acompañante. El bajo como solista. Repertorio didáctico.

Tema 13. Principios fundamentales de la composición de las líneas del bajo, breaks, riffs y solos. Evolución a lo largo de los diferentes estilos.

Tema 14. El bajo eléctrico como instrumento acompañante. Características del repertorio y de su interpretación.

Tema 15. El estudio de grabación. La mesa de mezclas, filtros, y otras formas de manipulación del sonido. El midi.

Tema 16. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 17. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. Aplicación a la realización de cifrados y al acompañamiento de melodías. La improvisación en la didáctica del bajo eléctrico.

Tema 18. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 19. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 20. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 21. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 22. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 23. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 24. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 25. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 27. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 28. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Batería de jazz

Tema 1. La clasificación de los diferentes tipos de baterías y evolución como instrumento en la historia del jazz.

Tema 2. Recursos técnicos de la caja aplicados a la batería de jazz.

Tema 3. El plato de ride en la batería de jazz: empleo de los diferentes recursos técnicos e interpretativos.

Tema 4. El bombo en el jazz: empleo de los diferentes recursos técnicos e interpretativos.

Tema 5. El charles en el jazz: empleo de los diferentes recursos técnicos e interpretativos.

Tema 6. Las escobillas en el jazz: empleo de los diferentes recursos técnicos e interpretativos.

Tema 7. Aplicación de técnicas de concienciación corporal a la interpretación musical: respiración, relajación, concentración, hábitos posturales, control mental, visualización. El miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de la batería de jazz. Higiene postural y auditiva del alumno de percusión.

Tema 8. Evolución de los sistemas de enseñanza específicos de la batería en el jazz. Estudio comparativo de las diferentes teorías y técnicas de las diferentes escuelas e instituciones.

Tema 9. Literatura didáctica: los diferentes métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la batería en el jazz. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de los distintos aspectos de la técnica. Bibliografía especializada relacionada con la batería en el jazz y su didáctica. Criterios didácticos para la selección de repertorio de batería de jazz del grado superior.

Tema 10. Características referidas a la evolución de la batería como instrumento. Orígenes del swing. Ritmos de marchas interpretados con swing no escrito.

Tema 11. Características referidas a la evolución de los ritmos de batería relacionados con el baile: el claqué.

Tema 12. Características referidas a la evolución de formas de acompañar de los primeros baterías en el jazz, especialmente las contribuciones de Warren «Baby» Dodds.

Tema 13. Características, referidas a la evolución de las técnicas y de los conceptos del acompañamiento y de solos de batería en el estilo del swing.

Tema 14. Características, referidas a la evolución de las técnicas y de los conceptos del acompañamiento, de solos de batería y de interpretación de arreglos, en el estilo del bebop.

Tema 15. Características, referidas a la evolución de las técnicas y conceptos, sobre el acompañamiento en el estilo del neo swing.

Tema 16. La batería en la Big Band. Características, referidas a la evolución de las técnicas y conceptos, sobre interpretación de arreglos en el estilo de neo swing en comparación con los arreglos de la swing era.

Tema 17. La batería y sus rudimentos. Su aplicación a solos de batería con especial referencia a Philly Joe Jones.

Tema 18. Características, referidas a la evolución de las técnicas y conceptos, del acompañamiento en el estilo del jazz modal y el jazz de los años 60 del siglo XX.

Tema 19. Características, referidas a la evolución de las técnicas y conceptos, del acompañamiento en el estilo de open jazz; modulaciones métricas.

Tema 20. Características, referidas a la evolución de las técnicas y conceptos, del acompañamiento en estilos de jazz que utilizan la corchea even.

Tema 21. Características referidas a la evolución de las técnicas y conceptos del acompañamiento en estilos de jazz que utilizan medidas que no son 4/4: 3/4, 6/8, 7/4, 5/4 y otras.

Tema 22. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica de la batería.

Tema 23. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 24. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 25. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 26. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 27. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 28. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 29. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 30. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 31. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 32. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 33. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Cante flamenco

Tema 1. Origen del cante flamenco: etimología. Antecedentes del cante flamenco desde los puntos de vista histórico, geográfico y musical. Primeras referencias escritas.

Tema 2. Evolución histórica del cante flamenco: etapas desde su surgimiento hasta nuestros días. Principales intérpretes. La historia del flamenco con respecto a su distribución geográfica.

Tema 3. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración, visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos en relación con la técnica vocal flamenca. La voz y su fisiología. Respiración, relajación y vocalización tanto en la voz hablada como en la voz cantada. La voz en la adolescencia. Características específicas y su problemática. Cuidado de la voz e influencias de las alteraciones físicas y psíquicas en ella.

Tema 4. Clasificación de las voces del cante flamenco: extensión, tesitura, registros de las voces masculinas y femeninas, sonido, intensidad, timbre. Normas de higiene vocal. Dificultades vocales: audición, afinación, escaso registro, tensiones laríngeas, ataques imprecisos de la voz, sus posibles causas y su corrección.

Tema 5. La técnica del cante flamenco: principios elementales. Tipos de respiraciones. Impostación, ataques sonoros, graduación del sonido, falsete, pasaje de la voz o paso de registro, dicción, articulación, afinación.

Tema 6. Estructura de los diferentes cantes: análisis rítmico. La estética del cante flamenco.

Tema 7. La copla flamenca: métrica, rima, temática. Principales autores.

Tema 8. Las tonás: procedencia, estilos, principales intérpretes, aportaciones personales. Debla, martinetes, carceleras y sus derivados. Las tonás intimistas. Las tonás orientadas hacia lo elocuente. Los remates.

Tema 9. Seguiriyas, livianas, serranas, cabales: estilos, procedencia, principales intérpretes, aportaciones personales.

Tema 10. Soleares, bulerías, cañas, polos: estilos, procedencia, principales intérpretes, aportaciones personales.

Tema 11. Cantiñas, alegrías, mirabrás, romeras, caracoles, rosas: estilos, procedencia, principales intérpretes, aportaciones personales.

Tema 12. Tangos, tientos, tanguillos, marianas: estilos, procedencia, principales intérpretes, aportaciones personales.

Tema 13. Fandangos y derivados del fandango: estilos, procedencia, principales intérpretes, aportaciones personales.

Tema 14. Huelva, Málaga, Levante: cantes y estilos de estas provincias; procedencia, principales intérpretes, aportaciones personales.

Tema 15. Cantes de ida y vuelta: cantes y estilos, procedencia, principales intérpretes, aportaciones personales.

Tema 16. Cantes de procedencia no andaluza: cantes, estilos, procedencia, principales intérpretes, aportaciones personales.

Tema 17. Cante flamenco y otras músicas: influencia de la impronta flamenca en otros estilos musicales y viceversa.

Tema 18. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica del cante flamenco.

Tema 19. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 20. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo de la voz: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 21. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 22. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del cante flamenco. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 23. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 24. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 25. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 27. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del cante flamenco para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 28. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Canto

Tema 1. La clasificación de la voz: tipos vocales y sistemas de clasificación. Consideraciones relativas a la especificidad de cada tipo vocal. Evolución de cada tipo de voz considerando todas las derivaciones según color, extensión y volumen. Higiene vocal del orador y del cantante. Técnica razonada para evitar lesiones y trastornos en el aparato fonador.

Tema 2. Descripción y funcionamiento de los aparatos respiratorio y fonador. Formación de la columna de aire y su control dentro de la técnica general del canto. Principios físicos de la producción del sonido de la voz humana. El apoyo de la voz.

Tema 3. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos en relación con la técnica vocal. La voz y su fisiología. Respiración, relajación y vocalización tanto en la voz hablada como en la voz cantada. La voz en la adolescencia. Características específicas y su problemática. Cuidado de la voz e influencias de las alteraciones físicas y psíquicas en ella.

Tema 4. Tratamiento vocal del texto: evolución a lo largo de la historia de la prosodia musical. Articulación. Dicción. Pronunciación y fonética de los idiomas más empleados en el canto. Relación entre el texto poético y la música en el repertorio vocal.

Tema 5. La técnica del canto: conceptos fundamentales. Sistemas pedagógicos específicos del canto.

Tema 6. Métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la voz. Bibliografía especializada relacionada con la voz. Criterios didácticos para la selección de repertorio en las enseñanzas superiores.

Tema 7. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio de la Edad Media y del Renacimiento: formas corales, solísticas y camerísticas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 8. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio del Barroco: ópera y oratorio. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio del Barroco: formas corales, solísticas y camerísticas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio del Clasicismo: ópera y oratorio. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio del Clasicismo: formas corales, solísticas y camerísticas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio del siglo XIX en Alemania: ópera y oratorio. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio del siglo XIX en Francia: ópera y oratorio. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio del siglo XIX en Italia: ópera y oratorio. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio lírico español. La canción en España e Hispanoamérica. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 16. La canción en Alemania: el Lied. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal del repertorio más representativo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos

Tema 17. La canción en Francia: la mélodie. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal del repertorio más representativo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 18. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días: ópera, oratorio y cantata. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 19. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días: formas corales, solísticas y camerísticas. Aproximación a la música contemporánea y a los nuevos recursos vocales y formas de notación. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 20. La voz en el canto lírico. Características del repertorio básico y progresivo de ópera y zarzuela. Singspiel y opereta. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 21. El canto en la práctica de grupo en las enseñanzas superiores. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, conceptos relativos al lenguaje compositivo, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros aspectos.

Tema 22. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 23. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 24. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 25. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo de la voz: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 26. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 27. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del canto. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 28. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 29. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 30. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 31. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 32. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del canto para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 33. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Canto de jazz

Tema 1. La clasificación de la voz: tipos vocales y sistemas de clasificación. Consideraciones relativas a la especificidad de cada tipo vocal. Evolución de cada tipo de voz considerando todas las derivaciones según color, extensión y volumen. Higiene vocal del orador y del cantante. Técnica razonada para evitar lesiones en el aparato fonador.

Tema 2. Descripción y funcionamiento de los aparatos respiratorio y fonador. Formación de la columna de aire y su control dentro de la técnica general del canto. Principios físicos de la producción del sonido de la voz humana. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos.

Tema 3. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos en relación con la técnica vocal. La voz y su fisiología. Respiración, relajación y vocalización tanto en la voz hablada como en la voz cantada. La voz en la adolescencia. Características específicas y su problemática. Cuidado de la voz e influencias de las alteraciones físicas y psíquicas en ella.

Tema 4. Tratamiento vocal del texto: evolución a lo largo de la historia de la prosodia musical. Articulación. Dicción. Pronunciación y fonética de los idiomas más empleados en el canto.

Tema 5. La técnica del canto de jazz desde finales del siglo XIX: principios fundamentales.

Tema 6. La técnica actual del canto de jazz: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica actual de los grandes cantantes y pedagogos.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del canto de jazz. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos del canto de jazz, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el canto de jazz. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio para canto de jazz de la década de 1890.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio para canto de jazz de los años 1920-30.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio para canto de jazz de la década de 1940.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio para canto de jazz de la década de 1950.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio para canto de jazz de la década de 1960.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio para canto de jazz de la década de 1970.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio para canto de jazz de la década de 1980.

Tema 16. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio para canto de jazz de la década de 1990.

Tema 17. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal, del repertorio para canto de jazz en la actualidad.

Tema 18. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica del canto de jazz.

Tema 19. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 20. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 21. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo de la voz: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 22. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 23. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del canto de jazz. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 24. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 25. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 26. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 28. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del canto de jazz para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 29. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Clarinete

Tema 1. Historia y evolución del clarinete: orígenes y predecesores del clarinete moderno. Sistema de llaves y su aplicación en el clarinete.

Tema 2. El clarinete actual: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Diferentes tipos de clarinete: características constructivas y de sonoridad. Selección y manipulación de lengüetas.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Instrumentos de la familia del clarinete: Descripción de sus características constructivas y sonoras. Criterios didácticos para la selección de repertorio y la técnica en los estudios superiores. Bibliografía especializada.

Tema 5. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 6. La técnica del clarinete: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general del clarinete. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.

Tema 7. La técnica interpretativa del clarinete en la música contemporánea: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos. Fórmulas de escritura propias del instrumento.

Tema 8. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. La escuela española.

Tema 9. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el clarinete. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 10. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio clarinetístico del Barroco y del Clasicismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio clarinetístico del Romanticismo, del Posromanticismo y del Impresionismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio clarinetístico desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. El clarinete en la música de cámara. Función y evolución en las diferentes formaciones camerísticas a lo largo de la historia. Repertorio.

Tema 14. El clarinete en la orquesta y en la banda. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio para orquesta, banda y solista de la familia del clarinete. Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal en el aula.

Tema 15. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 16. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 17. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 18. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 19. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 20. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 21. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 22. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 23. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 24. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 25. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 27. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 28. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Clave

Tema 1. Historia general del clave: orígenes y antecedentes del clave. Evolución, hasta el siglo XVIII, de los instrumentos de teclado con cuerdas. Diferencias entre las diversas escuelas de construcción en Europa.

Tema 2. El clave actual: descripción de sus características constructivas. Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 3. Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en las cuerdas pulsadas. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Afinación. Registración.

Tema 4. Técnicas de concienciación corporal: Relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes, en relación con la técnica del clave. Manera de sentarse, posición del cuerpo en general y de las manos sobre el teclado. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones; movimientos y combinaciones de movimientos que de ellos se derivan.

Tema 5. La técnica del clave. La digitación en el clave. Criterios para la utilización de las digitaciones de las distintas ediciones. La técnica moderna del clave: conceptos fundamentales. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos.

Tema 6. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Tratados y métodos de las distintas épocas. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. Los diferentes métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de los distintos aspectos de la técnica. Bibliografía especializada relacionada con el instrumento y su didáctica.

Tema 7. Historia del movimiento de recuperación de la música antigua. Fuentes teóricas y criterios actuales relativos a la interpretación en las distintas épocas.

Tema 8. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para tecla desde la Edad Media hasta el siglo XVI. Semitonía y música ficta. Proporciones rítmicas. Principales formas. Convenciones rítmicas en el repertorio para tecla. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de los virginalistas ingleses. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio en la península ibérica para tecla. Cabezón, Correa de Arauxo, Cabanilles y otros. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del siglo XVII. Características de las principales formas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del siglo XVIII: Couperin y Rameau. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del siglo XVIII: Domenico Scarlatti y la escuela clavecinista española. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del siglo XVIII: J. S. Bach. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del Preclasicismo y Clasicismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 16. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio desde el inicio del siglo XX hasta la actualidad. Aproximación a la música contemporánea y a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 17. Características del repertorio básico y progresivo para música de cámara. El clave en la música concertante.

Tema 18. Principios fundamentales en la composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 19. El clave como instrumento de continuo. Bajo cifrado: desarrollo histórico. Símbolos empleados y su significado. Improvisación sobre el bajo continuo.

Tema 20. Descripción y estudio comparado de los sistemas metodológicos más importantes del instrumento. Criterios didácticos para la selección del repertorio en los estudios superiores, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 21. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación

Tema 22. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 23. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 24. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 25. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 26. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 27. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 28. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 29. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 30. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 31. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 32. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 33. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Composición

Tema 1. La acústica y sus relaciones con la armonía. Generalidades: movimientos vibratorios; cualidades del sonido. El fenómeno físico-armónico. Escalas: sistemas de afinación, sus consecuencias y sus limitaciones. Intervalos. Consonancia y disonancia. Influencia de los armónicos en la composición.

Tema 2. El tono. Generalidades desde los puntos de vista histórico-cultural y psicológico.

Tema 3. Modos griegos y eclesiásticos. La teoría musical griega y el sistema modal medieval. Puntos de contacto y discrepancia entre ambos. Formación y clasificación de las escalas en los modos eclesiásticos; características de los mismos. Armonización modal: el canto gregoriano y la música basada en el antiguo sistema modal.

Tema 4. Evolución de la metodología de la enseñanza de la composición polifónica: Los tratadistas de «canto de órgano», y los principales tratadistas del contrapunto y de la armonía a partir de Fux y Rameau. El contrapunto severo y el estilo armónico escolástico: Valoración didáctica de la presencia de los mismos en la enseñanza actual. Tratados, materiales, métodos de trabajo (escritos y auditivos). Aspectos vocal e instrumental de la realización.

Tema 5. Evolución de la armonía durante el Renacimiento y el Barroco. La transición del sistema modal al sistema tonal. Importancia de la relación música-palabra e influencia de las nuevas formas instrumentales. Sistematización del nuevo planteamiento.

Tema 6. El coral: historia y evolución. Elaboración contrapuntística del coral. Armonización del coral, al estilo de J. S. Bach: modulaciones, notas extrañas, etc. El preludio coral para órgano.

Tema 7. Los diferentes procedimientos de realización contrapuntística y su aplicación: contrapunto invertible, imitación rigurosa y libre, canon, fugado, trocado, etc. Realización a un número de partes mayor o menor que las habituales. La obra de J. S. Bach, como punto de equilibrio entre los aspectos contrapuntístico y armónico de la composición polifónica. Valoración didáctica comparativa de la metodología germánica (preferentemente vertical) frente a la francesa (predominantemente horizontal).

Tema 8. El bajo cifrado: historia, importancia y valor como medio pedagógico. El cantus firmus y el bajo cifrado: Su historia y evolución. Su papel estructural en la composición musical. Su valor como medio pedagógico. Su aplicación en la enseñanza del Contrapunto y de la Armonía. Distintos sistemas de cifrado: interválico, funcional, etc.

Tema 9. Tonalidad: El acorde como fenómeno físico, armónico y estético. Teoría tradicional sobre la formación de los acordes. Clasificación de los acordes. Estados, posiciones y disposiciones, registros. Acordes consonantes y disonantes. Su utilización funcional. Enlace de los acordes de tres o más sonidos en estado fundamental y en sus inversiones. Duplicaciones.

Tema 10. Tonalidad: Modulación. Procedimientos y función en los distintos estilos a lo largo de la historia. Clasificación de las modulaciones según su importancia y función relativa. Procedimientos modulantes. La secuencia o progresión armónica: tipologías.

Tema 11. Tonalidad: Verticalidad y horizontalidad. La interrelación de ambos aspectos y su evolución a lo largo de la historia. La nota pedal: origen, evolución, tipos y funciones estructurales. Las cadencias. Tipos y su desarrollo histórico y su función en la armonía. Elementos de ornamentación melódica e intensificación expresiva a lo largo de la historia.

Tema 12. Tonalidad: El fraseo. La relación entre armonía y ritmo como factor determinante de las articulaciones fraseológicas. El ritmo armónico. El silencio como elemento expresivo y de articulación. La evolución de la armonía durante los períodos Preclásico y Clásico. Sistematización y desarrollo de las formas clásicas así como sus relaciones con la armonía.

Tema 13. Tonalidad: La evolución de la armonía durante el Romanticismo. Expansión de la tonalidad y su importancia en la evolución del sistema. Elementos y procedimientos. Armonía errante, tonalidad direccional, soluciones cadenciales. Particularidades rítmicas y tímbricas de este periodo.

Tema 14. Consideraciones estilísticas, armónicas, contrapuntísticas y formales para la composición de obras instrumentales, vocales y vocales-instrumentales en los estilos barroco, clásico y romántico.

Tema 15. Tonalidad: Notas no pertenecientes a la armonía: clasificación y valoración horizontal y vertical de las mismas. Elisión, escapada, notas añadidas, notas sustitutivas y otras. Influencia de estas en la evolución de los acordes. La armonía alterada en las distintas épocas. Funciones y resoluciones de los acordes. Preparación y resolución de los intervalos disonantes.

Tema 16. Tonalidad: Armonía cromatizada y armonía alterada. Su origen y evolución. Acordes característicos. Funciones y resoluciones de los mismos. La expresión armónica desde finales del siglo XIX a los primeros años del siglo XX. Procedimientos técnicos característicos de este periodo: impresionismo, escalas modales, movimientos paralelos, tratamiento de las disonancias, nuevas formaciones y disposiciones de acordes y otros. El sistema tonal bimodal: funciones básicas y complementarias. Reminiscencias del modalismo en el sistema tonal bimodal. Neomodalidad.

Tema 17. El lenguaje musical occidental durante la primera mitad del siglo XX: Evolución tonal. Tonalidad ampliada, centralidad, atonalidad. Sistematización de los nuevos lenguajes. Procedimientos técnicos característicos de este periodo: escalas sintéticas, tratamiento libre de las disonancias, utilización tímbrica y percusiva de la armonía, politonalidad y polimodalidad, poliacordes, sistemas específicos.

Tema 18. Nuevas concepciones contrapuntísticas. Estratificación: contrapunto de masas sonoras. Micro cánones. Fractalidad. Heterofonía. Contrapunto severo atonal.

Tema 19. Consideraciones estilísticas, armónicas, contrapuntísticas y formales para la composición de obras instrumentales, vocales y vocales-instrumentales de acuerdo con las tendencias propias de la primera mitad del siglo XX.

Tema 20. El lenguaje musical occidental durante la segunda mitad del siglo XX: últimas tendencias. Nuevas concepciones armónicas, contrapuntísticas, rítmicas, tímbricas y otras. Criterios y concepciones para la organización del material musical.

Tema 21. Consideraciones estilísticas, armónicas, contrapuntísticas y formales para la composición de obras instrumentales, vocales y vocales-instrumentales de acuerdo con las tendencias propias de la segunda mitad del siglo XX y XXI.

Tema 22. El timbre. Su evolución y su influencia en los estilos a través de la historia. Fenómenos tímbricos. Concepto de homogeneidad y heterogeneidad. Su influencia en la orquestación. Grupos instrumentales homogéneos, heterogéneos y mixtos.

Tema 23. La textura musical. Características de la escritura propia de los distintos períodos históricos hasta el siglo XXI.

Tema 24. El ritmo. Definición. Ritmo y compás. Acentos. Contratiempo, síncopa. Parametría. Rítmica contemporánea. Escalas de valores. Valores irregulares, valores irracionales, aumentación y disminución, inversión, yuxtaposición. Otras innovaciones. Modulación rítmica. Ritmos compuestos. Ritmo libre. Polirritmias y multirritmias.

Tema 25. El texto a través de los estilos. Características y tratamiento hasta el siglo XXI. La realización vocal y vocal-instrumental.

Tema 26. Pensamiento objetivo y composición musical. Pensamiento subjetivo y composición musical. Relación entre ambos. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística.

Tema 27. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 28. La instrumentación y la orquestación. Su aplicación en la composición. Metodología de su enseñanza. Recursos pedagógicos y didácticos.

Tema 29. La acústica y sus relaciones con la instrumentación. Fenómenos acústicos y su relación con la acústica arquitectónica. Características acústicas de los instrumentos musicales (cuerda, madera, metal, percusión). Su naturaleza.

Tema 30. Técnicas de ejecución de los instrumentos orquestales y no orquestales. Técnicas extendidas: Nuevos sonidos, nuevos usos. Modificación de las resultantes sonoras de los instrumentos a partir de técnicas alternativas y especiales. Nuevos recursos y modos de ejecución. Resultante sonora múltiple (multifónicos), características y posibilidades de ejecución. Cambios tímbricos.

Tema 31. La síntesis instrumental del timbre. Recursos y estrategias de instrumentación: transformaciones tímbricas. Derivación tímbrica. Diseño tímbrico, melodía de timbres, fragmentación tímbrica. Modulación tímbrica. Concepto de continuidad y discontinuidad tímbrica en la orquestación. El espectro y los timbres complejos. Modificación de la envolvente dinámica y otras variables. Transformación del espectro. Enmascaramientos.

Tema 32. Técnicas complejas en la orquestación. La Orquesta moderna. La Orquesta considerada como un instrumento en oposición a la orquesta considerada como pequeños grupos de cámara. Su tratamiento. El aspecto espacial. El timbre. Fenómenos tímbricos relacionados con la orquestación.

Tema 33. La orquesta. Problemática acústica. La serie de armónicos y los sonidos diferenciales. Ancho de banda crítico. Balance. Texturas, Sonidos reales y refuerzos. Las duplicaciones. Limitaciones de la orquestación en relación con los parámetros del sonido.

Tema 34. Evolución histórica de la orquestación. Técnicas específicas en el barroco, clasicismo y romanticismo.

Tema 35. Evolución histórica de la orquestación. Técnicas específicas en el posromanticismo, en el impresionismo, en la atonalidad, en el espectralismo y en otros.

Tema 36. El análisis. Su importancia dentro de las distintas especialidades de los estudios superiores. Valoración didáctica de los principales métodos y criterios analíticos. Importancia de la interrelación de los mismos para avanzar en una más plena comprensión de la obra musical. Relación de la obra con el contexto histórico, biográfico y estético del autor. Aplicaciones del análisis.

Tema 37. Los diferentes criterios analíticos (armónico, formal, estructural, etc.) aplicables a los diversos elementos del lenguaje musical (forma, melodía, armonía, ritmo, transformación temática, verticalidad y horizontalidad, procesos de tensión y relajación, proporciones, polaridades, criterios de continuidad, coherencia y contraste y otros).

Tema 38. El análisis en la especialidad de composición. Su aplicación. Metodología de su enseñanza. Plan de actuación en la especialidad de composición. Recursos pedagógicos y didácticos.

Tema 39. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y estrategias de capacitación para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Proposición de una metodología. Recursos pedagógicos y didácticos.

Tema 40. Interdisciplinariedad y en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la didáctica de la composición.

Tema 41. La bibliografía como herramienta pedagógica en la enseñanza de la composición. Relación y justificación de la bibliografía específica recomendada. Relación y justificación de la bibliografía complementaria.

Tema 42. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las Enseñanzas Artísticas Superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 43. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las Enseñanzas Artísticas Superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 44. Metodologías y técnicas de investigación en música. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción. Comparativa entre creación e investigación.

Tema 45. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Composición de jazz

Tema 1. Definiciones. Sistema Armónico en el jazz. Composición tonal y modal. Arreglo y composición jazzística. Formas esenciales en jazz. Épocas del jazz, los estilos y la influencia de los mismos en los compositores.

Tema 2. Armonía de jazz, sistema de relación «escala/acorde» y el sistema de «cifrado americano». Estructuras armónicas, sistema de acordes básicos: Tríadas y Cuatríadas. Teoría de las tensiones armónicas. Sistema de análisis armónico mediante el cifrado.

Tema 3. La tonalidad. Modos mayor y menor con sus escalas y acordes relativos. El ciclo de quintas. Armonía diatónica y las funciones tonales. Cadencia «II-V-I» y otras progresiones armónicas. Continuidad armónica y «leading tones lines» (líneas melódicas basadas en las «notas guía» que describen la progresión armónica). La rearmonización diatónica.

Tema 4. Acordes de dominante secundarios por extensión, acorde de dominante por sustitución de intervalo de tritono y los acordes relativos a estos («II relativos», o «subdominantes relativos»). El análisis armónico de las progresiones que contienen estos acordes. Los acordes de 7.ª disminuida, sus funciones tonales y las progresiones típicas con acorde disminuido. Escalas para los acordes disminuidos.

Tema 5. El modo menor, escalas y acordes relativos a los modos más usuales. El sistema de «Intercambio modal» tal como se analiza en la armonía de jazz.

Tema 6. Técnicas de rearmonización. Rearmonización por acordes de dominante y patrones de «II-V». Desplazamiento cadencial. Rearmonización a partir de la línea de bajo. Rearmonización por acordes de intercambio modal. Rearmonización de las áreas cadenciales y no cadenciales por la modificación del ritmo armónico.

Tema 7. Función y estructura de la melodía. Análisis de la «Relación Escala/Acorde» sobre la melodía (análisis armónico/melódico). Formas de repetición melódica y análisis de motivos y frases. Análisis de la forma en la melodía.

Tema 8. La modulación, tipos de modulación y técnicas de armonización por procesos de modulación. Sistemas de secuencias modulantes.

Tema 9. Estructuras armónicas extendidas. Cifrados resultantes y la construcción de voicings en posición close y open (cerrada y abierta). Técnicas para la construcción de voicings. Conducción de voces y enlace de acordes a partir de las progresiones y de los voicings.

Tema 10. Acordes de Superestructura: Slash Chords a partir de tríadas y cuatríadas. Los voicings formados por Upper Structures. Acordes en posición invertida y el Bajo Pedal. Introducción a los poliacordes. Armonía no funcional. Sistema multitónico, simetrías, estructuras constantes y patrones simétricos.

Tema 11. Armonía de jazz Modal. Sistemas modales. El acorde modal. Polimodalidad y el contorno armónico en el sistema modal. Sistema de enlace de acordes por contraste modal y por bajo pedal. Enlace de acordes en el sistema modal. Procedimientos alternativos para la construcción de voicings. Técnicas de armonización y enlace de acordes formados por upper structures.

Tema 12. Formas musicales en el estilo de jazz. Las forma «paradigma» del jazz: El blues. Historia de la forma de blues y su evolución a través de la armonización del blues. Las formas de Song: AABA, AB, y sus variantes. El Rhythm Changes como forma para la composición y la improvisación y sus variantes.

Tema 13. La composición de la melodía en el jazz. Elementos de la melodía. Ritmo melódico. Los modos como la fuente de las melodías. Recursos melódicos. Secuencia y transformación del motivo. Melodías basadas en notas guía.

Tema 14. La frase: antecedente y consecuente. Contorno, rango y punto de «climax» en la melodía. El uso de las extensiones armónicas como característica de las melodías en el jazz. El estilo en las melodías del jazz, el espectro cultural del material melódico. Estilos idiomático, romántico, y melodías modales. Transformación de las melodías ya existentes a partir de la rearmonización armónica. La armonización de la melodía.

Tema 15. Composición de jazz clásico. El Ragtime, el Spiritual y estilos de jazz clásico. Los elementos esenciales del jazz clásico en estilo armónico, técnicas de contrapunto jazzístico. La instrumentación y la orquestación característica del jazz clásico. Análisis y estudio de obras.

Tema 16. El jazz clásico en la Jazz Orchestra o Big Band. Compositores esenciales. Los estilos y la técnica de la armonización y orquestación por secciones característico de Big Band. Los estilos de jazz orquestal a partir de los años 40: The Birth of The Cool y sus continuadores. Análisis y estudio de obras.

Tema 17. La composición en jazz moderno. Compositores esenciales. El estilo Be-Bop como nuevo idioma jazzístico. Análisis y estudio de obras.

Tema 18. El jazz modal contemporáneo. Un nuevo lenguaje armónico. Compositores esenciales. Análisis y estudio de obras.

Tema 19. Técnicas de armonización como proceso de composición. Técnicas de composición modal.

Tema 20. La tutoría de los proyectos de composición. Función tutorial. Dirección de proyectos. Modelos de proyectos de composición.

Tema 21. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo compositivo: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 22. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 23. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios de composición. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 24. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 25. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 26. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 28. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación creativo-performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación creativa para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 29. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Concertación

Tema 1. La práctica con el coro y la concertación del repertorio coral, sinfónico coral y concertante vocal.

Tema 2. La práctica con la orquesta y la concertación del repertorio orquestal, sinfónico y de cámara.

Tema 3. Profundización de las capacidades relacionadas con la comprensión del hecho musical ante la orquesta, coro y/o conjunto vocal e instrumental: equilibrio sonoro, texturas, planos sonoros. Contrapunto, homofonía y acompañamiento a solistas.

Tema 4. Profundización en las capacidades relacionadas con el acompañamiento a solistas instrumentales y respuesta de la orquesta o conjunto instrumental acompañante. Equilibrio del conjunto.

Tema 5. La obra sinfónico-coral, evolución y tratamiento de la voz solista en el sinfonismo orquestal postromántico.

Tema 6. La concertación vocal de solistas en la música escénica: zarzuela, ópera barroca, opereta y bel canto.

Tema 7. El oratorio barroco y la concertación de solistas vocales con el coro y la orquesta.

Tema 8. Los conjuntos instrumentales a través de la historia. Combinaciones instrumentales en la actualidad.

Tema 9. El empaste, la unidad sonora y la uniformidad en respiración, ataque, vibrato, golpes de arco, afinación, articulación y fraseo.

Tema 10. Agógica y dinámica en función de la fidelidad a los textos y la subjetividad del intérprete. Los tempi en los diferentes periodos: renacimiento, barroco, clásico y romántico.

Tema 11. La gestualidad en la dirección de orquesta: La técnica de la batuta y el lenguaje no verbal.

Tema 12. La gestualidad en la dirección de coro: La técnica de la batuta y el lenguaje no verbal.

Tema 13. Desarrollo de capacidades auditivas en el director de coro y de orquesta: afinación melódica y armónica.

Tema 14. El repertorio orquestal dentro de la actividad pedagógica de las enseñanzas superiores de música: características técnicas. Criterios didácticos para la selección de un repertorio representativo.

Tema 15. El repertorio coral dentro de la actividad pedagógica de las enseñanzas superiores de música: características técnicas. Criterios didácticos para la selección de un repertorio representativo.

Tema 16. El repertorio de banda dentro de la actividad pedagógica de las enseñanzas superiores de música: características técnicas. Criterios didácticos para la selección de un repertorio representativo.

Tema 17. El repertorio camerístico dentro de la actividad pedagógica de las enseñanzas superiores de música: características técnicas. Criterios didácticos para la selección de un repertorio representativo.

Tema 18. El repertorio concertante operístico dentro de la actividad pedagógica de las enseñanzas superiores de música: características técnicas. Criterios didácticos para la selección de un repertorio representativo.

Tema 19. La técnica vocal y la técnica coral. Trabajo del sonido, emisión, texto, afinación individual y colectiva. Criterios interpretativos.

Tema 20. Movilidad escénica. Adaptación al espacio sonoro. El coro de ópera.

Tema 21. Música de cámara. Características del repertorio y funciones dentro de las diferentes formaciones camerísticas. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos y métodos de trabajo.

Tema 22. Desarrollo de proyectos interpretativos de composición con lenguajes y estilos diferentes; así como con agrupaciones de diferente formato. La coherencia del programa. La selección del repertorio.

Tema 23. La figura del director de una agrupación musical: su capacidad de conducción y de trasmisión de ideas coherentes con la interpretación.

Tema 24. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 25. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios de concertación. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 26. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 27. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 28. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 29. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 30. Metodologías y técnicas de investigación en música. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación creativa para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 31. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Contrabajo

Tema 1. Historia general del contrabajo: orígenes, antecedentes y evolución histórica desde finales del siglo XVI hasta la actualidad. Escuelas de lutería. El contrabajo moderno: características constructivas. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 2. Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de cuerda. Peculiaridades derivadas del modo de producción. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Armónicos naturales y artificiales. Relación con el punto de contacto y con la velocidad y presión del arco. Formas convencionales y no convencionales de producción del sonido.

Tema 3. La técnica moderna del contrabajo: Colocación del contrabajo y del arco según el sistema de arco utilizado. Posición del cuerpo con respecto al instrumento. Técnicas corporales aplicadas al instrumento. Mecanismo y función de los dedos y de cada articulación de ambos brazos. Descripción de los movimientos básicos del brazo derecho. Coordinación de movimientos de ambos brazos.

Tema 4. Desarrollo de la velocidad y articulación de los dedos de la mano izquierda. Uso de las extensiones, reducciones. Trinos. El vibrato. Relación de estas técnicas con los diferentes estilos. Funciones de la mano izquierda. Los cambios de posición: Su aplicación. Portamentos y glissandi y su relación con los diferentes estilos.

Tema 5. El arco: antecedentes, evolución histórica desde su origen hasta nuestros días. Partes del arco, materiales y otros. Sistema de arco francés y alemán. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del arco.

Tema 6. Mecanismo del arco, golpes de arco a la cuerda y saltados: detaché, martelé, legato, spiccato, saltillo, bariolaje y otros. Variedades de los mismos, desarrollo, pedagogía y su didáctica. Dobles cuerdas; acordes de tres y cuatro sonidos, su técnica, metodología y ejecución, tanto en el arco francés como en el alemán.

Tema 7. La técnica moderna del contrabajo: conceptos fundamentales. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del contrabajo. Estudio comparativo de las concepciones teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. Escuelas rusa, checa, alemana, italiana y francesa. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos a partir del siglo XVIII.

Tema 8. La literatura didáctica del contrabajo y su evolución histórica: principales métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de las distintas técnicas. Bibliografía especializada sobre el instrumento y su didáctica.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para contrabajo del Barroco: obras en las que intervino el contrabajo y los instrumentos antecesores de su familia como solista, música de cámara y orquesta barroca, conciertos. La ornamentación. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para contrabajo del Clasicismo: obras para contrabajo solista, música de cámara y orquesta, repertorio con piano, música concertante. Características estilísticas y técnicas. Aportaciones de Hoffmeister, Vanhal, Dragonetti, Dittersdorf y otros maestros. Utilización y afinaciones del Terzviolon.Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para contrabajo del siglo XIX: Beethoven, Schubert, Rossini, Dvorak, Bottesini. Obras para contrabajo solista, música de cámara, repertorio con piano, orquesta, conciertos. Música y músicos españoles de la época: Influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para contrabajo del siglo XIX y principios del XX. Repertorio romántico de los contrabajistas virtuosos: Bottesini y Koussevitzky. Obras y transcripciones para contrabajo solo, contrabajo solista, repertorio con piano, conciertos. Características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para contrabajo del siglo XX. Contrabajistas españoles de la época: Antonio Torelló y Manuel Verdeguer. Influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características, referidas a la evolución de la escritura instrumental, del repertorio para contrabajo solo: transcripciones de Bach, Fryba, Henze y otros. Ideario y concepción estético-creativa aplicada a la interpretación. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para contrabajo desde el siglo XX hasta nuestros días. E. Nanny, Labro, Simandl y otros. Aproximación a la música contemporánea para contrabajo y a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación. Música y músicos españoles de la época: Influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 16. La práctica de grupo en las enseñanzas superiores: La música de cámara. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros conceptos. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 17. El contrabajo en la orquesta. Características del repertorio. Evolución de los procedimientos empleados para acceder a los registros extremos del instrumento. Evolución de la percepción técnica a lo largo de las diferentes épocas. Diferentes afinaciones y número de cuerdas a lo largo de la historia. Repertorio orquestal.

Tema 18. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación

Tema 19. Las transcripciones y revisiones historicistas: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de las mismas. La transcripción para contrabajo y las corrientes de interpretación histórica. Principios fundamentales de composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 20. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica del contrabajo.

Tema 21. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 22. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 23. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 24. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 25. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 26. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 27. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 28. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 29. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 30. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 31. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Contrabajo de jazz

Tema 1. Antecedentes y evolución histórica del contrabajo, desde el siglo XVI hasta nuestros días. El contrabajo moderno. Descripción de sus características constructivas. El bajo eléctrico (guitarra baja): descripción de sus características constructivas. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento. Mantenimiento y conservación. Toma de contacto con el contrabajo. Descripción de las diferentes partes del contrabajo. Peculiaridades de los diferentes tipos de cuerdas, de fonocaptores o pastillas, así como de amplificadores.

Tema 2. Antecedentes y evolución histórica del arco, desde su origen hasta la actualidad. Partes del arco, materiales y otros aspectos. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del arco, Descripción de las diferentes partes del arco.

Tema 3. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración mental, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes, en relación con la técnica del contrabajo. Principios básicos de la técnica del contrabajo: colocación y posición del cuerpo respecto al instrumento, sujeción del contrabajo (sentado y erguido) y del arco (escuela alemana o francesa). Mecanismo y función de los dedos y de cada articulación de ambos brazos. Descripción de los movimientos básicos del brazo derecho. Coordinación de movimientos de ambos brazos. Relajación. Problemas más comunes. Su corrección.

Tema 4. Producción del sonido (mano derecha, con arco y con pizzicato): control del sonido y dinámicas, aspectos fundamentales en la calidad sonora, peso del brazo derecho, relación del punto de contacto, y la velocidad y presión del arco. Pulsación de las cuerdas con los dedos. Aplicación de diferentes metodologías, colecciones de estudios, transcripciones y otros, para conseguir una asimilación progresiva de los diferentes golpes de arco, a la cuerda y saltado (detaché, legato, staccato…), así como de las diferentes articulaciones y combinaciones de los dedos de la mano derecha (pizzicato) dependiendo de la velocidad, rítmica e impacto sonoro que se pretenda reproducir.

Tema 5. Desarrollo de la técnica de la mano izquierda: aplicación de metodologías posicionales progresivas (con y sin arco). Desplazamiento de la mano izquierda. Estudio progresivo de los cambios de posición. Portamentos y glissandos. El vibrato, pull-on, pull-off, dobles cuerdas. Desarrollo de la velocidad de los dedos de la mano izquierda. Uso de las extensiones. Armónicos naturales y artificiales. Empleo del dedo pulgar. Relación de estas técnicas con los diferentes estilos. Racionalización y búsqueda de la digitación por parte del alumno.

Tema 6. La técnica moderna del contrabajo de jazz: Conceptos fundamentales. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos jazzísticos. Estudio comparativo de las diferentes escuelas.

Tema 7. El blues: Antecedentes y evolución del blues. Estudio de los diferentes tipos de blues mediante su interpretación, transcripción, análisis, rearmonización, composición e improvisación. Estudio e interpretación de líneas de bajo de blues en los 12 tonos.

Tema 8. Rhythm changes. Antecedentes y evolución. Estudio de los diferentes tipos de rhythm changes mediante su interpretación, transcripción, análisis, rearmonización, composición e improvisación. Estudio e interpretación de líneas de bajo de rhythm changes en los 12 tonos.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de la era pre-bebop o early jazz, 1920-40. Características de la interpretación contrabajística de este repertorio y problemas técnicos específicos. Contrabajistas más relevantes.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de la década de los años 1944-55, El bebop. Características de la interpretación contrabajística de este repertorio y problemas técnicos específicos. Figuras relevantes.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de la década de los años 1950-60. El cool jazz. Características de la interpretación contrabajística de este repertorio y problemas técnicos específicos. Figuras relevantes en la corriente cool.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio de contrabajo de la década de 1950-70. El hard bop. Características de la interpretación contrabajística de este repertorio y problemas técnicos específicos. Figuras relevantes.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de contrabajo a partir de la década de 1960-70. El jazz modal, free-jazz, jazz rock (décadas de 1970 y 1980) y el jazz de Vanguardia. Características de la interpretación contrabajística de este repertorio y problemas técnicos específicos. Figuras relevantes.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para contrabajo. Referente a la música de fusión del jazz con ritmos latinos y con el flamenco. Características de la interpretación contrabajística de este repertorio y problemas técnicos específicos. Estudio de Odd Meters. Figuras relevantes.

Tema 15. Características del repertorio básico y progresivo para contrabajo en diversas formaciones instrumentales: cuartetos, quintetos, sextetos, Big Band y otras. Aprendizaje progresivo del repertorio.

Tema 16. Características del repertorio básico y progresivo para formación de trio. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Características del repertorio y de su interpretación.

Tema 17. El contrabajo a dúo y como instrumento acompañante. Dúos con otro instrumento de cuerda, de viento, con voz, con guitarra o con piano y como instrumento solista. Características del repertorio y de su interpretación.

Tema 18. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de jazz y de sus diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 19. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica del contrabajo de jazz.

Tema 20. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 21. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 22. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 23. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 24. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 25. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 26. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 27. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 28. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 30. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Dirección de coro

Tema 1. Proceso histórico de la dirección coral. El director de coro, evolución histórica desde los orígenes hasta nuestros días.

Tema 2. La técnica de dirección de coro: su particular idiosincrasia frente a la dirección orquestal. Contenidos básicos y avanzados. El director de coro y la unidad en la interpretación. El tratamiento del sonido como elemento clave en la interpretación en las diferentes tendencias.

Tema 3. Procesos y hábitos propios del director de coro: control de la respiración, entradas, cortes. Trabajo del texto en el discurso musical. Ensayos y criterios organizativos.

Tema 4. El gesto propio del director de coro como elemento de transmisión y comunicación con los cantantes. Gesto emanado del texto literario. Gesto facial y pronunciación textual.

Tema 5. Desarrollo de habilidades auditivas en el director de coro: uso y control del diapasón, control tonal/modal/no tonal. Afinación de acordes. Afinación de disonancias.

Tema 6. La afinación en el ensayo: la afinación temperada. La entonación armónica y melódica. Uso del piano como elemento de apoyo y trabajo.

Tema 7. La partitura de coro: sus métodos de estudio y memorización. El estudio auditivo. La relación música-texto.

Tema 8. El repertorio coral a capella a través de la historia.

Tema 9. Los géneros en la música coral profana a lo largo de la historia.

Tema 10. El repertorio coral de cámara con acompañamiento de órgano, piano u otros instrumentos/conjuntos.

Tema 11. El repertorio sinfónico-coral. El papel del coro a lo largo de la historia en las obras con acompañamiento orquestal.

Tema 12. El coro en la ópera a lo largo de la historia.

Tema 13. El repertorio coral actual, desde el siglo XX hasta las últimas tendencias y creaciones.

Tema 14. La música coral sacra (I): los diferentes géneros/formas y su uso funcional en la liturgia.

Tema 15. La música coral sacra (II): el Oficio Divino y su musicalización. Los Oficios de Tinieblas. El Oficio de Difuntos. La misa de Réquiem.

Tema 16. La figura del director de coro: su liderazgo en el manejo de grupos y en iniciativas y proyectos corales. La transmisión de ideas coherentes y la interrelación interpretativa. Comunicación verbal y no verbal. Adaptación del director de coro al entorno. Su misión colaboradora con el director de orquesta en el repertorio sinfónico-coral y lírico

Tema 17. Tendencias interpretativas en la música coral: el conocimiento del pasado interpretativo. Las tendencias actuales incluidas otras músicas: coros gospel, coros africanos y otros.

Tema 18. Técnica Vocal en grupo (I): relajación, respiración, apoyo, emisión, resonancia, vocales.

Tema 19. Técnica Vocal en grupo (II): ataques. Articulaciones. Fiato. Dinámicas. Saltos. Agilidad.

Tema 20. Técnica Vocal en grupo (III): empaste. Entrenamiento auditivo/vocal: solución de problemas con la orquesta. Preparación vocal de repertorio contemporáneo.

Tema 21. La vocalización o warm-up como elemento indispensable en la creación del sonido en el coro. Entrenamiento vocal y preparación vocal del repertorio: estrategias y metodología.

Tema 22. Tipos de coros: de voces blancas, graves y mixtos. Formaciones corales desde el cuarteto vocal hasta el gran coro u orfeón. Selección y ubicación de voces. Pruebas de acceso a voces amateurs y profesionales. Metodologías de trabajo con coros amateurs sin conocimientos musicales.

Tema 23. La escena: disposición de las voces. Movilidad escénica. Adaptación del coro al espacio sonoro. El coro de ópera y su puesta en escena.

Tema 24. El texto literario en la partitura coral, como fuente inspirativa e interpretativa: semántica, prosodia, pronunciación, dicción y articulación.

Tema 25. La fonética de los diferentes idiomas aplicada al canto coral.

Tema 26. El proyecto coral: elaboración de proyectos y producciones musicales y corales de interés para el entorno musical, con criterios estéticos, históricos, sociales, y musicales definidos. Criterios a tener en cuenta en la elaboración de un programa coral. La selección del repertorio. Investigación y documentación.

Tema 27. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 28. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales y corales. La transcripción para distintos tipos de coro.

Tema 29. La lectura a primera vista aplicada a la dirección coral. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 30. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 31. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo de la dirección: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 32. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 33. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios de la dirección coral. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 34. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 35. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 36. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 37. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 38. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación creativo-performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 39. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Dirección de orquesta

Tema 1. Proceso histórico de la dirección orquestal: El director, evolución histórica desde los orígenes hasta nuestros días.

Tema 2. Desarrollo histórico de la orquesta: desde sus orígenes hasta la orquesta el periodo clásico.

Tema 3. Desarrollo histórico de la orquesta: desde la orquesta clásica hasta la actualidad.

Tema 4. Los grupos instrumentales en la actualidad, sus múltiples combinaciones, con la inclusión de la música electroacústica.

Tema 5. Los instrumentos de cuerda: características organológicas. Utilización y evolución dentro de la orquesta.

Tema 6. Los instrumentos de viento-madera: características organológicas. Utilización y evolución dentro de la orquesta.

Tema 7. Los instrumentos de viento-metal: características organológicas. Utilización y evolución dentro de la orquesta.

Tema 8. Los instrumentos de percusión: características organológicas. Utilización y evolución dentro de la orquesta.

Tema 9. Características de la voz en el canto coral y lírico.

Tema 10. La obra sinfónico-coral, evolución y tratamiento de la voz en el sinfonismo orquestal.

Tema 11. El tempo en los diferentes periodos (Renacimiento, barroco, clásico, romántico). La afinación en la orquesta, en los diferentes periodos y en la actualidad.

Tema 12. Escuelas y tipos de dirección orquestal.

Tema 13. Escuelas y tipos de dirección coral.

Tema 14. La unidad sonora y de criterio como misión principal del director. Su aplicación en: respiración, ataque, vibrato, golpes de arco, afinación, articulación, fraseo. Agógica y dinámica en función de la fidelidad a los textos y la subjetividad del director.

Tema 15. La técnica de la dirección de orquesta. La gestualidad. La técnica de la batuta y el lenguaje no verbal.

Tema 16. El estudio de la partitura: director-interprete.

Tema 17. El director como acompañante de solistas. Su misión, problemas y soluciones.

Tema 18. La técnica de dirección en el repertorio lírico. Repertorio tradicional. Fases en el montaje musical de una obra lírica (ópera o zarzuela). El correpetidor.

Tema 19. La dirección de orquesta en la música actual: música de cine y otras músicas.

Tema 20. La dirección de banda: aplicaciones técnicas específicas y repertorio. Evolución histórica y musical de las bandas en España y su misión cultural. Criterios didácticos para la selección del repertorio de banda en las enseñanzas superiores de música.

Tema 21. El repertorio orquestal dentro de la actividad pedagógica de las enseñanzas superiores de música: características técnicas. Criterios didácticos para la selección del repertorio de la de dirección de orquesta.

Tema 22. El repertorio coral dentro de la actividad pedagógica de las enseñanzas superiores de música: características técnicas. Criterios didácticos para la selección del repertorio de la dirección de coro.

Tema 23. Desarrollo de proyectos de interpretación de composiciones con lenguajes y estilos diferentes, así como en formaciones de pequeño y gran formato.

Tema 24. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 25. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones.

Tema 26. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 27. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 28. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo de la dirección de orquesta: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 29. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 30. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios de la dirección de orquesta. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 31. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 32. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 33. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 34. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 35. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación creativo-performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 36. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Dulzaina

Tema 1. Historia general de la dulzaina: orígenes, antecedentes de la dulzaina e instrumentos similares en todas las culturas desde la aparición de los instrumentos de doble lengüeta y su evolución. La figura del dulzainero.

Tema 2. La dulzaina actual: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. La familia de la dulzaina: características de las diferentes dulzainas en las comunidades del territorio español.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros. El comportamiento acústico del tudel y la lengüeta. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 5. La técnica de la dulzaina: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de la dulzaina. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.

Tema 6. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la dulzaina. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 7. El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de Galicia, Asturias, Cantabria. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.

Tema 8. El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de País Vasco, La Rioja y Navarra. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.

Tema 9. El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de Aragón, Cataluña, Valencia y Baleares. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.

Tema 10. El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de Madrid, Castilla y León, Castilla la Mancha y Extremadura. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.

Tema 11. El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de Murcia y Andalucía. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.

Tema 12. El repertorio de autor para la dulzaina sola y en otras agrupaciones. Características de la interpretación de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 13. La dulzaina y la danza. Antecedentes históricos. La dulzaina como instrumento acompañante de la danza. Danzas españolas: clasificación y descripción. El papel del dulzainero en la danza.

Tema 14. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 15. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 16. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 17. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 18. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 19. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 20. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 21. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 22. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 23. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 24. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 25. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 26. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 27. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Escena lírica

Tema 1. Relajación versus energía. Técnicas de relajación, energía y concentración. Eliminación de resistencias y obstáculos para la creación de una individualidad creativa. Técnicas de regulación del tono muscular.

Tema 2. Entrenamiento actoral psicofísico. La relación entre cuerpo y mente.

Tema 3. El movimiento rítmico-corporal en el espacio. Referentes espaciales y direccionales. Secuenciación del movimiento. La técnica Alexander como base de la relajación del intérprete en escena.

Tema 4. Los segmentos corporales. Percepción del esquema corporal. Estructura y práctica del trabajo sobre los mismos.

Tema 5. Creación de un esquema corporal en función de la trama. La estructura de la improvisación y su relación con el esquema corporal.

Tema 6. El trabajo con la frase primaria o matriz de movimiento. Variaciones cualitativas y cuantitativas de los referentes. Referentes espaciales, direccionales, de nivel, rítmicos, energéticos y otros.

Tema 7. La estructura de improvisación corporal. Condicionantes desde el planteamiento, el nudo y el desenlace. La improvisación corporal como herramienta vivencial para la creación del personaje. La improvisación como herramienta de creación individual y grupal.

Tema 8. Técnicas para el desarrollo de la escucha, de la acción-reacción y de la no anticipación.

Tema 9. Las diferentes técnicas de improvisación. Los condicionantes corporales. La comedia del arte. La máscara neutra.

Tema 10. Las acciones físicas del personaje en función del objetivo y su finalidad del mismo.

Tema 11. Expresión corporal en las diferentes variantes estilístico-musicales.

Tema 12. La estructura de la improvisación gestual.

Tema 13. La estructura de improvisación analógica a partir de una escena de una ópera de repertorio clásico.

Tema 14. El concepto dramatúrgico de la obra. Textos y diseño de la obra. Características de la obra dramática. Estructura de la representación. Actos, cuadros y escenas.

Tema 15. Análisis dramatúrgico de la obra: situación, personajes y acción. Los elementos de la situación: argumento, tiempo, espacio y conflicto. La función de los personajes. Líneas de acción de la obra.

Tema 16. El personaje: Clasificación, objetivos y condicionantes. Las acciones del personaje. La creación del personaje. El personaje y los códigos interpretativos.

Tema 17. Grandes corrientes de teoría de la interpretación: Stanislavski, Brecht, Grotowsky, Peter Broock, James Lecoq, Mayerhold y otros.

Tema 18. El análisis dramatúrgico-conceptual y su relación con la partitura y el estilo.

Tema 19. La interacción en los proyectos musicales. El trabajo en los ensayos. Características estilísticas y criterios de interpretación.

Tema 20. El componente escénico en la zarzuela. Análisis, características y articulación de las partes. Criterios estilísticos e interpretativos.

Tema 21. El componente escénico en la ópera. Historia y evolución. Análisis, características y articulación de las partes. Criterios estilísticos e interpretativos.

Tema 22. El componente escénico en el oratorio. Análisis, características y articulación de las partes. Criterios estilísticos e interpretativos.

Tema 23. La práctica escénica concertante. El trabajo en los ensayos. Análisis, características estilísticas y criterios interpretativos.

Tema 24. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo la escena lírica: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 25. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 26. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 27. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 28. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación en escena lírica. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 30. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Etnomusicología

Tema 1. Antecedentes históricos de la etnomusicología. Primeros escritos descriptivos anteriores a la sistematización de la musicología.

Tema 2. La musicología comparada y el folclore musical como antecedentes de los estudios etnomusicológicos. La escuela de Berlín.

Tema 3. Los nacionalismos decimonónicos como impulsores del interés por las músicas autóctonas. Rusia. Checoslovaquia. Hungría. Francia. España. Tratamiento técnico de la música autóctona. Béla Bartók, Zoltán Kodály y Constantin Brăiloiu.

Tema 4. Variaciones en el campo de estudio de la etnomusicología. La música primitiva. La música exótica. Las músicas del mundo.

Tema 5. El trabajo de campo. Consideraciones anteriores y posteriores a las décadas centrales del siglo XX. Bronislaw Malinowski y la observación participante.

Tema 6. Primeras aportaciones de la antropología. Franz Boas. George Herzog. La antropología cultural norteamericana. Curt Sachs, Jaap Kunst, Mantle Hood y otros.

Tema 7. La asunción del término etnomusicología y el cambio general de paradigmas. La antropología de la música. Alan P. Merriam y sus propuestas metodológicas.

Tema 8. Los avances de los años 60 y 70. Aportaciones del estructuralismo. Aportaciones de la Semiótica. Estudios sobre la performance. Alan Lomax.

Tema 9. La revalorización definitiva del trabajo de campo.

Tema 10. Comparativa entre los etnomusicólogos europeos John Blacking y Simha Arom en cuanto a concepto y método.

Tema 11. Las múltiples definiciones de la disciplina etnomusicológica.

Tema 12. Diversidad de estudios interdisciplinares durante los años 80 y 90. Steven Feld. Las propuestas metodológicas de Timothy Rice. Hermenéutica. Género y música. El poscolonialismo. Aculturación, hibridación y globalización.

Tema 13. El pensamiento posmoderno en etnomusicología. Redefinición del patrimonio musical. Música y política. Identidades narrativas. La música popular urbana. Los cultural studies.

Tema 14. Etnomusicología versus antropología de la música: las transcripciones musicales como factor de distinción. Aproximaciones relativistas al fenómeno musical. La música como cultura.

Tema 15. Conexiones con otras disciplinas. Las ciencias sociales. Filosofía. Historia. Estudios en música popular. Semiología y semiótica. Sociología. Economía. Psicología. Musicología histórica.

Tema 16. Consideraciones acerca del trabajo de campo y el trabajo de laboratorio. Las perspectivas de estudio emicyetic.

Tema 17. Transcripciones descriptivas y prescriptivas. La transcripción como soporte del análisis. Análisis literarios. Análisis musicales. Etnografías musicales. Análisis paradigmáticos.

Tema 18. Los universales musicales y la transformación del concepto occidental de música. La oposición sonido/ruido. La voz y los instrumentos musicales. El tempo y el ritmo. Escalas y modos. Melodía y polifonía.

Tema 19. Tecnologías aplicadas al análisis de la música en su contexto sociocultural. Grabación de sonido y análisis de audio. Grabación de imágenes y análisis de vídeo.

Tema 20. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional del País Vasco. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 21. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de la Comunidad de Madrid. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 22. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de la Comunidad Foral de Navarra. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 23. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de Castilla y León. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 24. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de Aragón. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 25. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de Cantabria. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 26. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de La Rioja. Elementos autóctonos; la jota riojana. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 27. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de Cataluña. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad

Tema 28. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional del Principado de Asturias. Elementos autóctonos, la gaita asturiana, música celta. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 29. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de Galicia. Elementos autóctonos. La influencia celta. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 30. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de la Comunidad Valenciana. Elementos autóctonos Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 31. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de las Islas Baleares. Elementos autóctonos., Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 32. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de Castilla-La Mancha. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 33. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de Canarias. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 34. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de la Región de Murcia. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 35. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de Andalucía. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad, la copla andaluza.

Tema 36. Géneros musicales, situaciones de uso, instrumentos, utilización de la voz y tipos de baile y danza en la música tradicional de Extremadura. Elementos autóctonos. Músicas populares urbanas hasta la actualidad.

Tema 37. Instrumentos autóctonos del estado español. Oboes populares. Flautas. La guitarra. Instrumentos de doble cuerda pulsada. La zanfona. La gaita. El rabel. El acordeón. Tambores, tamboriles y bombos. Panderos y panderetas. Instrumentos de percusión menor y de percusión doméstica. Otros instrumentos populares y tradicionales. La voz humana.

Tema 38. Conjuntos instrumentales autóctonos del estado español. La rondalla popular. Agrupaciones de instrumentos autóctonos. La banda de música. Agrupaciones híbridas.

Tema 39. Acercamiento a las músicas de las zonas territoriales vecinas. Los países alrededor del Mediterráneo. El resto de Europa.

Tema 40. Culturas musicales de tradición no Occidental.

Tema 41. El jazz: técnica e historia. Su implantación en España. Instrumentos habituales.

Tema 42. El rock y el pop: técnica e historia. Su implantación en España. Instrumentos electrónicos habituales.

Tema 43. La música para los medios audiovisuales: su historia y su utilización en España. Tecnologías para la composición de música asociada a la imagen.

Tema 44. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación etnomusicológica. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 45. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y el aprendizaje musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 46. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 47. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Fagot

Tema 1. Historia y evolución del fagot: orígenes y predecesores del fagot moderno. Mecanización del fagot desde el siglo XVIII.

Tema 2. El fagot actual: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Selección y manipulación de las lengüetas.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Instrumentos de la familia del fagot: Descripción de sus características constructivas y sonoras. Criterios didácticos para la selección de repertorio y la técnica en los estudios superiores. Bibliografía especializada.

Tema 5. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 6. La técnica del fagot: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general del fagot. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.

Tema 7. La técnica interpretativa del fagot en la música contemporánea: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos. Fórmulas de escritura propias del instrumento.

Tema 8. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. La escuela española.

Tema 9. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el fagot. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para fagot del Renacimiento y del Barroco. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para fagot del Clasicismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específico.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para fagot del Romanticismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para fagot desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. El fagot en la música de cámara. Función y evolución en las diferentes formaciones camerísticas a lo largo de la historia. Repertorio.

Tema 15. El fagot en la orquesta y en la banda. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio para orquesta, banda y solista de la familia del fagot. Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal en el aula.

Tema 16. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 17. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 18. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 19. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 20. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 21. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 22. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 23. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 24. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 25. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 26. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 28. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 29. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Flabiol i tamborí

Tema 1. Definición de los instrumentos y su ubicación dentro de la clasificación general de los instrumentos musicales. El instrumento moderno: descripción y nomenclatura de los elementos que lo componen. Terminología académica, popular e histórica de ambos instrumentos. Notación actual. Conservación y mantenimiento de ambos instrumentos.

Tema 2. El binomio «flauta-tambor»: sus orígenes y su evolución geográfica e histórica. Las «flautas de tres orificios»: diferentes modelos y su nomenclatura en los países de Europa occidental. Características específicas del flabiol: concomitancias y diferencias con la «flauta de tres orificios». Posible relación ente el flabiol y el flageolet.

Tema 3. Relación de los más distinguidos intérpretes de flabiol i tamborí (flabiolares) a través de la historia. Sus aportaciones a la evolución del instrumento y su ubicación en sus respectivos contextos musicales, históricos y sociales.

Tema 4. Relación de los más distinguidos fabricantes de flabiols y de tamborins en épocas pretéritas. La fabricación actual de dichos instrumentos.

Tema 5. El flabiol: diversos modelos y sus prestaciones en relación a su fabricación y a su cometido. El tamborí: sus variantes, en tamaño y tipo de fabricación, respecto a sus distintas utilizaciones musicales. El flabiol i tamborí: utilización «a solo» y en grupo. Su papel en la moderna cobla de sardanes.

Tema 6. Principios físicos de producción del sonido en los tubos sonoros de embocadura biselada. Características específicas del flabiol. Sonidos fundamentales y sonidos armónicos: su aplicación a los distintos registros o ámbitos sonoros del flabiol.

Tema 7. El diapasón: diferentes alturas de sonido. Diapasón brillante y diapasón normal: su consideración histórica y contextual. Diferentes valoraciones de la afinación: afinación individual y afinación colectiva; afinación melódica y afinación armónica. Consideraciones diversas y orientaciones prácticas.

Tema 8. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio. La respiración musical: conceptos y ejercicios. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica del flabiol i tamborí.

Tema 9. La técnica del flabiol: principios elementales. La columna de aire y su control en la técnica básico del flabiol. Cuestiones relativas a embocadura y emisión del sonido.

Tema 10. La técnica del tamborí: colocación y sujeción. Manejo de la baqueta: control del golpe, del rebote y del retorno. Tipología del golpe y su notación escrita.

Tema 11. Utilización diatónica del flabiol. El flabiol cromático: utilización de las llaves. Posiciones reales y posiciones auxiliares: nomenclatura y empleo. Diferentes tipos de ataque y articulación. Doble y triple picado. El vibrato y otros recursos técnicos y expresivos. Simultaneidad e independencia en la interpretación.

Tema 12. Evolución de las diferentes escuelas, tendencias y sistemas interpretativos como fundamento de la escuela moderna de flabiol i tamborí. Estudio comparativo de las distintas concepciones teóricas y técnicas.

Tema 13. Los primeros métodos de flabiol. Diferentes colecciones manuscritas de ejercicios y estudios para flabiol. Valoración de su utilidad para el conocimiento de las antiguas tendencias y el aprendizaje de las distintas técnicas.

Tema 14. La metodología moderna para flabiol i tamborí: obras editadas actualmente para tal fin. Adaptación para flabiol de obras didácticas escritas originalmente para otros instrumentos afines (flauta de pico, txistu y otros).

Tema 15. El repertorio tradicional del flabiol i tamborí «a solo»: diversas recopilaciones de canciones y danzas. Características de su interpretación en el ámbito de la tradición oral y su valoración histórica y actual.

Tema 16. El repertorio del flabiol i tamborí en las formaciones tradicionales y arcaicas: la cobla de flabiolaires, la mitja cobla y la cobla de tres quartants. Importancia de dichas formaciones en el contexto popular, social e histórico.

Tema 17. El repertorio del flabiol i tamborí en la actual cobla de sardanes: sardanas para flabiol solita, principales intervenciones solísticas en sardanas, ballets tradicionales y obra de concierto para cobla. Evolución de dicho repertorio desde la creación de la cobla, a fines del siglo XIX, hasta nuestros días.

Tema 18. El repertorio de música de concierto para flabiol i tamborí: obras para flabiol y piano, obras de cámara para formaciones diversas. Presencia del flabiol en el ámbito sinfónico.

Tema 19. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 20. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 21. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 22. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 23. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 24. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 25. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 26. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 27. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 28. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 29. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 30. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 31. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Flamencología

Tema 1. Flamencología. Objeto. Flamencología tradicional y flamencología científica. El flamenco como objeto de la etnografía y de la etnomusicología. La flamencología y su relación con la antropología cultural, con la musicología y con la etnomusicología.

Tema 2. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación en flamencología: métodos y procesos. Elección y justificación de las principales fuentes en la investigación del flamenco. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 3. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la investigación en flamencología. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet. Las nuevas tecnologías aplicadas a la investigación musical: búsqueda digital, bases de datos, publicaciones digitales, programas, Apps y otros recursos. Citación de las fuentes.

Tema 4. Los registros sonoros de la historia del flamenco. Grabaciones históricas como fuente del estudio del flamenco. La importancia de las grabaciones en el aprendizaje del flamenco.

Tema 5. Origen del flamenco: etimología. Antecedentes del flamenco desde los puntos de vista histórico, geográfico y musical. Primeras referencias escritas. La flamencología y sus autores. El flamenco como objeto de estudios culturales.

Tema 6. Evolución histórica del flamenco. Etapas desde su emergencia hasta nuestros días. La historia del flamenco con respecto a su distribución geográfica. La significación cultural del flamenco en las distintas etapas históricas. Principales intérpretes.

Tema 7. Sociología del flamenco. El género flamenco como manifestación musical a partir del análisis de su entorno sociocultural. Modelos de organización de las diversas prácticas de la música flamenca en relación con el contexto social y con los procesos de transformación histórica.

Tema 8. El repertorio flamenco. Características, antecedentes, formación e influencias. Criterios para la determinación del repertorio.

Tema 9. El sistema musical del flamenco. Armonía, sistemas modales y tonales, análisis melódico y rítmico.

Tema 10. Las formas musicales anteriores al género flamenco. Elementos musicales comunes con formas musicales de otros repertorios. Relaciones musicales entre los bailes y danzas y su proyección en el flamenco. Fórmulas armónico-rítmicas.

Tema 11. Clasificación de los palos flamencos. Las diferentes taxonomías: geográficas, modales, rítmicas y otras. Estudio de la métrica (acentos, matices y compás) y del carácter modal, tonal y bimodal, de cada uno de ellos.

Tema 12. El baile flamenco. Origen, evolución y clasificación. Formas y estructuras de los bailes flamencos. Las aportaciones personales de los bailaores más destacados del género.

Tema 13. Estructuras coreográficas en el baile flamenco. Diferentes elementos utilizados en el baile flamenco.

Tema 14. El cante flamenco. Origen y evolución. La temática del cante flamenco. Las aportaciones personales de los cantaores más destacados del género.

Tema 15. Modelos para la descripción y clasificación de los cantes. Léxico flamenco.

Tema 16. Los diferentes cantes: géneros y análisis musical.

Tema 17. Clasificación de las voces del cante flamenco: extensión, tesitura, registros de las voces masculinas y femeninas, sonido, intensidad, timbre. Dificultades vocales: audición, afinación, escaso registro, tensiones laríngeas, ataques imprecisos de la voz, sus posibles causas y su corrección.

Tema 18. La guitarra flamenca como instrumento de acompañamiento al cante. Clasificación formal, rítmica y armónica de los estilos más representativos. Las aportaciones personales de los intérpretes más destacados del género.

Tema 19. La guitarra flamenca como instrumento de acompañamiento al baile. Clasificación formal, rítmica y armónica de los estilos más representativos. Las aportaciones personales de los intérpretes más destacados del género.

Tema 20. El repertorio de la guitarra flamenca. Tipos de notación y criterios de trascripción. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de las diferentes técnicas y estilos.

Tema 21. La guitarra flamenca actual: influencias de otras corrientes estéticas. La fusión en el lenguaje de la guitarra flamenca.

Tema 22. Códigos de comunicación entre el cante, el baile y la guitarra en la docencia del Baile Flamenco: relación e interacción entre el cante, la guitarra y el baile.

Tema 23. La estética del flamenco. La explicación del flamenco según las diferentes teorías del arte.

Tema 24. El flamenco como instrumento ideológico: realidad y mito de la identidad andaluza, del gitanismo artístico, de la España de pandereta, de la explotación folclorista del proyecto cultural franquista, del flamenco como arte y del patrimonio cultural en la era de la globalización.

Tema 25. El flamenco y otras músicas: influencia de la impronta flamenca en otros estilos musicales y viceversa.

Tema 26. La relación del flamenco con las artes. Su presencia en los diferentes campos artísticos de las artes plásticas, del mundo audiovisual, de la literatura o de la tauromaquia. La documentación y la bibliografía histórica. Análisis de la situación actual.

Tema 27. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 28. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 29. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 30. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 31. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Flauta de pico

Tema 1. Historia general de la flauta de pico: orígenes y antecedentes de la flauta de pico. Evolución histórica desde los orígenes hasta nuestros días.

Tema 2. La flauta de pico renacentista. La flauta de pico barroca. Analogías y diferencias entre ambos instrumentos. Miembros de la familia de la flauta de pico y sus singularidades. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 3. Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Afinación. Formas convencionales y no convencionales de producir sonido.

Tema 4. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de la flauta de pico. Colocación del cuerpo y del instrumento en posición sentada y erguida.

Tema 5. La técnica de la flauta de pico: principios elementales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de la flauta de pico. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos. Diferentes tipos de ataque: realización técnica y musical del legato, el staccato y otros. Vibrato y flattement en la técnica en la flauta de pico y su significado en la música barroca. La articulación.

Tema 6. La técnica actual de la flauta de pico: conceptos fundamentales. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Tratados y métodos de los siglos XVI, XVII y XVIII. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 8. La literatura didáctica: los diferentes métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de los distintos aspectos de la técnica. Bibliografía especializada relacionada con el instrumento y su didáctica.

Tema 9. Historia del movimiento de recuperación de la música antigua. Fuentes teóricas y criterios actuales relativos a la interpretación en las distintas épocas.

Tema 10. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para flauta de pico desde la Edad Media hasta el Renacimiento. Obras para flauta sola, conjunto de flautas, música de cámara. El Renacimiento en España.

Tema 11. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para flauta de pico del siglo XVII. Repertorio para flauta: a solo, con acompañamiento, en la música de cámara, en la orquesta y como solista. El siglo XVII en España. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para flauta de pico del siglo XVIII. Repertorio para flauta: a solo, con acompañamiento, en la música de cámara, en la orquesta y como solista. El siglo XVIII en España. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para flauta de pico desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días: obras para flauta sola, conjunto de flautas, música de cámara, orquesta y otras formaciones. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. La flauta de pico en la orquesta. Características del repertorio para flauta de pico en dicha formación. Evolución a lo largo de las diferentes épocas.

Tema 15. La música de cámara en las enseñanzas superiores. Programación de esta materia: repertorio, análisis, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación, lectura a primera vista y otros aspectos. Criterios pedagógicos para su elección.

Tema 16. Principios fundamentales en la composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 17. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 18. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 19. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 20. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 21. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 22. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 23. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 24. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 25. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 26. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 27. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 28. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 30. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Flauta travesera

Tema 1. Historia y evolución de la flauta travesera: orígenes y predecesores de la flauta travesera. Sistema de llaves y su aplicación en la flauta.

Tema 2. La flauta travesera: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Diferentes tipos de flauta: características constructivas y de sonoridad.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Instrumentos de la familia de la flauta travesera: Descripción de sus características constructivas y sonoras. Criterios didácticos para la selección de repertorio y la técnica en los estudios superiores. Bibliografía especializada.

Tema 5. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 6. La técnica de la flauta travesera: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de la flauta. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.

Tema 7. La técnica interpretativa de la flauta travesera en la música contemporánea: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos. Fórmulas de escritura propias del instrumento.

Tema 8. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. La escuela española.

Tema 9. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la flauta travesera. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para flauta travesera del Barroco. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para flauta travesera del Clasicismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para flauta travesera del Romanticismo y del Posromanticismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para flauta travesera del Impresionismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para flauta travesera desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 15. La flauta travesera en la música de cámara. Función y evolución en las diferentes formaciones camerísticas a lo largo de la historia. Repertorio.

Tema 16. La flauta travesera en la orquesta y en la banda. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio para orquesta, banda y solista de la familia de la flauta travesera. Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal en el aula.

Tema 17. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 18. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 19. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 20. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 21. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 22. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 23. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 24. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 25. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 26. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 27. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 28. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 31. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Gaita

Tema 1. Historia general de la gaita: orígenes, antecedentes y evolución histórica.

Tema 2. La gaita actual: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. La familia de la gaita: características de las diferentes gaitas en las comunidades del territorio español.

Tema 3. Características acústicas de la gaita. Principios físicos de producción de sonido en tubos. Peculiaridades derivadas del modo de producción del sonido en este instrumento. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Afinación. La influencia de la digitación. El uso del fol y sus peculiaridades.

Tema 4. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 5. La técnica de la gaita: principios elementales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de la gaita. Emisión del sonido. Tipos de digitación. Ornamentación. La articulación.

Tema 6. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 7. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la gaita. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 8. El repertorio tradicional de gaita en las comunidades de Galicia, Asturias y Cantabria. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos. Criterios didácticos para la elección del repertorio.

Tema 9. El repertorio tradicional de gaita en las comunidades de País Vasco, La Rioja y Navarra. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos. Criterios didácticos para la elección del repertorio.

Tema 10. El repertorio tradicional de gaita en las comunidades de Aragón, Cataluña, Valencia y Baleares. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos. Criterios didácticos para la elección del repertorio.

Tema 11. El repertorio tradicional de gaita en las comunidades de Madrid, Castilla y León, Castilla la Mancha y Extremadura. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos. Criterios didácticos para la elección del repertorio.

Tema 12. El repertorio tradicional de gaita en las comunidades de Murcia y Andalucía. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos. Criterios didácticos para la elección del repertorio.

Tema 13. Clasificación y tipologías de las gaitas en el mundo. La gaita en Europa occidental. Diferencias y similitudes entre ellas.

Tema 14. Instrumentos de la música tradicional y popular de España. Clasificación y organología. Instrumentos que acompañan a la gaita. Ritmos y géneros de la música tradicional en España interpretados tradicionalmente con gaita.

Tema 15. La gaita en el contexto de las músicas de tradición oral. El ciclo anual. Cancioneros y bibliografía relacionada con la gaita.

Tema 16. Fuentes históricas: diferentes formas de notación y de escritura. Interpretación de los distintos tipos de notación empleados en la gaita.

Tema 17. Principales intérpretes a través de la historia. Contextos histórico-sociales.

Tema 18. Características del repertorio para gaita sola, cuarteto tradicional, bandas y otras agrupaciones del instrumento. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. La gaita como acompañante musical de las danzas tradicionales.

Tema 19. Principios y criterios sobre la interpretación desde la perspectiva de las grabaciones y testimonios históricos. Estilos interpretativos.

Tema 20. La transcripción y análisis de las músicas de tradición oral. Transcripción de la música para gaita.

Tema 21. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 22. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 23. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 24. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 25. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 26. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 27. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 28. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 29. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 30. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 31. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 32. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Guitarra

Tema 1. Historia de la guitarra: orígenes, predecesores y evolución. Diferentes escuelas de construcción.

Tema 2. La guitarra moderna: descripción de sus características constructivas. Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de los instrumentos de cuerda. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Afinación. Armónicos naturales y artificiales. Formas convencionales y no convencionales de producción del sonido.

Tema 4. Aplicación de técnicas de concienciación corporal a la interpretación musical: respiración, relajación, concentración, hábitos posturales, control mental, visualización. El miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de la guitarra. Colocación del cuerpo y del instrumento.

Tema 5. La técnica actual de la guitarra: conceptos fundamentales. Función de las distintas partes de cada brazo. Fórmulas de escritura propias del instrumento: escalas, arpegios, articulaciones y otras. Problemas específicos. La digitación en la guitarra.

Tema 6. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Aportaciones de los grandes instrumentistas y pedagogos. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 7. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la guitarra. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 8. El repertorio de vihuela: su estilo y notación. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 9. El repertorio de guitarra renacentista: su estilo y notación. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 10. El repertorio de laúd renacentista: su estilo y notación. Escuelas nacionales. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 11. El repertorio de guitarra barroca: su estilo y notación. Escuelas nacionales. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 12. El repertorio de laúd barroco: su estilo y notación. Escuelas nacionales. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición. La obra para laúd de J. S. Bach.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para guitarra de la segunda mitad del siglo XVIII. Criterios de transcripción y de edición. Rasgos interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio guitarrístico clásico-romántico I. La escuela española. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio guitarrístico clásico-romántico II. Escuelas no españolas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 16. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio guitarrístico de la segunda mitad del siglo XIX. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 17. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio guitarrístico de la primera mitad del siglo XX. La influencia de Andrés Segovia. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 18. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio guitarrístico desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Nuevos recursos compositivos, formales, interpretativos y de notación. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 19. La guitarra como instrumento acompañante, tanto en las tradiciones populares como en la música culta. Características del repertorio y su interpretación.

Tema 20. La guitarra en la música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas (dúo, trío, cuarteto y otras). Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 21. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 22. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 23. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 24. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 25. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 26. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 27. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 28. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 29. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 30. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 31. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 32. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 33. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 34. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Guitarra eléctrica

Tema 1. Historia y evolución de la guitarra eléctrica. Aparición de instrumentos eléctricos. Necesidad histórica y estilística.

Tema 2. La guitarra eléctrica: descripción de sus características constructivas. Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Pastillas, fonocaptores o transductores: configuración. Circuitos activos y pasivos. Amplificación. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de cuerda. Afinación. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Amplificación eléctrica del sonido. Interacción instrumento-sistemas de amplificación eléctricos. Tipos de sistemas de amplificación. Producción del sonido y sus variedades. Tipos de instrumentos. Tipos de cuerdas. Formas convencionales y no convencionales de producción del sonido.

Tema 4. Aplicación de técnicas de concienciación corporal a la interpretación musical: respiración, relajación, concentración, hábitos posturales, control mental, visualización. El miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de la guitarra eléctrica. Colocación del cuerpo y del instrumento. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones.

Tema 5. La técnica de la guitarra eléctrica: principios fundamentales. La función de las distintas partes de cada brazo en la técnica de la guitarra eléctrica. Técnicas de ejecución: pulsación, uso de la púa, técnicas de mano izquierda. Terminología anglosajona: bending, Pull-off (ligado descendente), hammer-on (ligado ascendente), sweep-picking.

Tema 6. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos de la guitarra eléctrica. Aportación al desarrollo de la técnica de los grandes instrumentistas y pedagogos a través de la historia.

Tema 7. Estilos de interpretación de la guitarra eléctrica: conceptos fundamentales. Estudio comparativo de las concepciones teóricas y técnicas de los diferentes estilos.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales didácticos para guitarra eléctrica. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 9. Características del repertorio del blues y el jazz para la guitarra eléctrica. Conocimiento de la tradición y sus intérpretes más importantes. Criterios didácticos de selección de repertorio.

Tema 10. Características del repertorio del rock y pop para la guitarra eléctrica. Conocimiento de la tradición y sus intérpretes más importantes. Criterios didácticos de selección de repertorio.

Tema 11. Características del repertorio del country y el folk para la guitarra eléctrica. Conocimiento de la tradición y sus intérpretes más importantes. Criterios didácticos de selección de repertorio.

Tema 12. Estructuras formales del reggae y el funk. Conceptos y características fundamentales. Visión histórico-estilística. Conocimiento de la tradición y sus intérpretes más importantes. Criterios didácticos de selección de repertorio.

Tema 13. El estudio de grabación. La mesa de mezclas, filtros, y otras formas de manipulación del sonido. El midi.

Tema 14. La práctica de grupo en las enseñanzas de guitarra eléctrica. Programación de las actividades colectivas en los diferentes niveles: repertorio, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros conceptos. Aspectos y criterios pedagógicos.

Tema 15. Variedad de formaciones para la clase de conjunto: Big Band, Combos y otros. Importancia del rol dentro del grupo. La guitarra eléctrica como acompañante y como solista. Repertorio didáctico.

Tema 16. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 17. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica de la guitarra eléctrica.

Tema 18. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 19. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 20. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 21. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 22. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 23. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 24. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 25. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 27. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 28. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Guitarra flamenca

Tema 1. La guitarra flamenca: antecedentes, evolución histórica del toque flamenco. Características fundamentales en la construcción de la guitarra flamenca de acompañamiento y de concierto. Conservación y accesorios.

Tema 2. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de cuerda pulsada. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Peculiaridades derivadas del modo de producción del sonido en la guitarra flamenca. El sonido amplificado en la guitarra flamenca.

Tema 3. Aplicación de técnicas de concienciación corporal a la interpretación musical: respiración, relajación, concentración, hábitos posturales, control mental, visualización. El miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de la guitarra flamenca. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones; movimientos y combinaciones de movimientos que de ellos se derivan.

Tema 4. La técnica de la guitarra flamenca: evolución desde sus orígenes. Características de su ejecución.

Tema 5. Las primeras escuelas, contexto histórico y social. Las principales tendencias y sus exponentes.

Tema 6. La escuela clásica de Ramón Montoya, Manuel Serrapí «Niño Ricardo» y Agustín Castellón «Sabicas». Contexto histórico y social.

Tema 7. Francisco Sánchez «Paco de Lucía». Aportaciones al desarrollo técnico y compositivo de la guitarra moderna.

Tema 8. Manuel Muñoz «Manolo Sanlúcar»: Su magisterio, aportaciones al desarrollo técnico y compositivo de la guitarra moderna.

Tema 9. Guitarristas más representativos posteriores a la generación de Paco de Lucia y Manolo Sanlúcar. Aportaciones estéticas al lenguaje actual de la guitarra flamenca.

Tema 10. Literatura didáctica: los diferentes métodos en la historia de la guitarra flamenca desde Rafael Marín hasta nuestros días. Aportaciones a la didáctica de la guitarra flamenca.

Tema 11. El repertorio de la guitarra flamenca. Tipos de notación y criterios de trascripción. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de las diferentes técnicas y estilos.

Tema 12. Características y criterios de selección del repertorio para dos o más guitarras. Conjunto instrumental flamenco. La escritura instrumental en el flamenco. Aportaciones de los diferentes recursos compositivos, formales y armónicos.

Tema 13. La guitarra flamenca como instrumento de acompañamiento al cante. Clasificación formal, rítmica y armónica de los estilos más representativos.

Tema 14. La guitarra flamenca como instrumento de acompañamiento al baile. Clasificación formal, rítmica y armónica de los estilos más representativos.

Tema 15. La guitarra flamenca actual: influencias de otras corrientes estéticas. La fusión en el lenguaje de la guitarra flamenca.

Tema 16. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la guitarra flamenca. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 17. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 18. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. Uso de nuevos lenguajes y notaciones en la improvisación. La improvisación como sistema pedagógico.

Tema 19. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 20. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 21. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 22. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 23. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 24. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 25. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 26. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 28. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 29. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Historia de la música

Tema 1. La historia de la música como disciplina académica e investigadora. Objeto y enfoques de estudio. Ciencias auxiliares. Periodización. La historiografía musical. Relación de la historia de la música con la historia de las otras artes.

Tema 2. La investigación: concepto y principios generales. Investigación y ciencia: la necesidad del método científico. Método, metodología y proceso de trabajo. Principales métodos científicos. El proceso de investigación. Requisitos y condiciones de la investigación académica.

Tema 3. Las fuentes de la investigación musical. Concepto de fuente: su necesidad. Fuente y documento. Clasificación general. Las fuentes musicales: tipos y clasificación, ubicación y lugares de investigación, usos. Las nuevas tecnologías aplicadas a la investigación musical: búsqueda digital, bases de datos, publicaciones digitales, programas, Apps y otros recursos. Citación de las fuentes.

Tema 4. Métodos de investigación musical. La historiografía musical en el siglo XVIII: Martini, Burney, Hawkins y Forkel. El siglo XIX: Fétis, Ambros y Adler. El nacimiento de la musicología. El siglo XX: etnomusicología, sociología de la música, antropología de la música, las teorías analíticas, el Posmodernismo y la new musicology. Campos actuales de la investigación musical.

Tema 5. La comunicación científica. Sus elementos: autoría, título, índice temático, tablas y gráficos, citas, notas, fuentes, bibliografía. Tipos y géneros de la comunicación científica escrita. La edición musical: edición facsímil, diplomática, práctica y crítica. La comunicación científica oral. Los géneros administrativos.

Tema 6. El trabajo de investigación musical. Elección y delimitación del tema. Tipo de trabajo y planificación. Estado de la cuestión. La obtención de la información: localización, selección y organización de las fuentes. Bibliografía. Análisis e interpretación de datos. Conclusiones. La memoria escrita: partes y estructura. Redacción y presentación.

Tema 7. La música en las primeras culturas históricas de la Antigüedad: las culturas del Próximo Oriente y Egipto. Usos y valores. Fuentes literarias e iconográficas. Instrumentos. Géneros.

Tema 8. La música griega. Problemas para su estudio: fuentes musicales y literarias. Periodización y cronología. El periodo arcaico: música y poesía, Terpandro y los nomoi, el culto a Dioniso y el ditirambo. La escuela pitagórica: las harmoniai. El drama en el siglo V. El nuevo ditirambo y la reforma de Timoteo. El período helenístico: las modificaciones en las formas tradicionales del espectáculo musical. El tragodós.

Tema 9. Pensamiento y teoría musical en Grecia. Su continuidad en Roma. La música en la mitología: los mitos de Orfeo y Dioniso. La música en los poemas homéricos. Música, ética y educación: la mousiké. Los pitagóricos: la música como matemática y como expresión del orden del cosmos. La música en la filosofía de Platón y de Aristóteles. La tratadística helenística y romana. El neoplatonismo plotiniano.

Tema 10. La música en Roma. Primeras formas del canto romano: géneros e instrumentos, los ludi scaenici. La asimilación de la música griega: la tragedia y la comedia. El Imperio: el virtuosismo y el divismo musicales, el mimo y la pantomima.

Tema 11. La música en el primer cristianismo. La cantilación, la salmodia y el jubilus. La himnodia. Las liturgias nacionales. La liturgia greco-bizantina: características y proceso de composición-creación. El canto ambrosiano, el canto galicano, el canto hispánico o mozárabe y el canto romano antiguo.

Tema 12. El pensamiento musical del primer cristianismo. La música como oración y soporte de la palabra de Dios. Los primeros padres de la Iglesia. San Agustín y la cristianización del pensamiento musical pitagoricoplatónico: la música como scientia bene modulandi.

Tema 13. El canto gregoriano. Génesis y formación. Música y liturgia: el repertorio. Tipos de canto. El estilo musical. Tonos y modos. La relación entre texto y música. Ampliación y embellecimiento del repertorio. Los tropos: origen, función y clasificación. Las secuencias: origen y función. El drama litúrgico

Tema 14. El pensamiento y la teoría de la música en la Edad Media. La transmisión de la teoría griega: Boecio. Casiodoro. Los teóricos del renacimiento carolingio. El tratado Musica enchiriadis y su carácter didáctico. Armonía musical y armonía celestial. Guido d’Arezzo.

Tema 15. La música profana medieval. La monodia no litúrgica en latín: entonaciones de poemas de la Antigüedad, el planctus, los goliardos y los carmina. Juglares y ministriles. La monodia en lenguas vulgares. Los trovadores y la canción cortesana: formas poéticas, temática y géneros. La difusión de la poesía trovadoresca: laude, cantigas y goigs. Los troveros: el rondó, la ballada y el virelai. Los Minnesänger y los Meistersinger. Danzas y música instrumental.

Tema 16. El nacimiento de la polifonía. Primeras manifestaciones polifónicas: descripciones teóricas. El organum paralelo. El Micrologus de Guido d’Arezzo. La práctica polifónica en San Marcial de Limoges: el organum melismático. Ars antiqua: la Escuela de Notre-Dame de París. El conductus político. El motetus en francés.

Tema 17. El siglo XIV: Ars nova. El Ars nova francés: Philippe de Vitry y Johannes de Muris. Guillaume de Machaut. El Ars nova en Italia: el madrigal, la ballata y la caccia. La Península Ibérica: el Llibre vermell. La transformación del motete. La misa polifónica. Ars subtilior.

Tema 18. Pensamiento musical y polifonía. La polifonía y los problemas de la teoría musical. Ars antiqua: nuevos conceptos sobre la medida del tiempo musical. Franco de Colonia, Juan de Garlandia y Johannes Grocheo. El decaimiento de la concepción teológica de la música. Ars nova: Philippe de Vitry y Johannes de Muris. La condena del Ars nova: la bula de Juan XXII. La polémica de Johannes de Muris con Jacobo de Lieja.

Tema 19. La música en el siglo XV. Las líneas musicales del siglo XV. La polifonía inglesa: Dunstable. La música franco-flamenca: geografía, historia, artífices y creaciones. La música en Italia en el primer Renacimiento. Los principios de la imprenta musical. España: misterios y autos, el conocimiento de la polifonía franco-flamenca, los primeros cancioneros, Juan del Encina.

Tema 20. El pensamiento y teoría de la música en el primer humanismo. El pensamiento musical: la crisis de la tradición boeciana. Analogías de la música con las otras artes: Leon Battista Alberti. Tinctoris y los efectos de la música. El neoplatonismo de Marsilio Ficino. Bartolomé Ramos de Pareja. Franchino Gaffurio.

Tema 21. La música en la primera mitad del siglo XVI. La continuidad de la escuela franco-flamenca. La canción y las culturas nacionales: la chanson parisiense, el madrigal italiano, el lied alemán, el villancico y el romance en España. La polifonía hispana. La emancipación de la música instrumental: géneros e instrumentos. La vihuela hispana.

Tema 22. La música en la segunda mitad del siglo XVI. La música de la Reforma y de la Contrarreforma. Las grandes escuelas europeas: la escuela romana y Palestrina, la escuela veneciana y los Gabrieli, la música en Inglaterra. La escuela española: géneros, autores y cancioneros. Apogeo y expansión del madrigal italiano. Músicas para el teatro y los espectáculos.

Tema 23. Palabra y música en el siglo XVI: la vuelta a la monodia. Henricus Glareanus y la defensa de la monodia. La justificación natural de la música: Zarlino. Los planteamientos musicales del Concilio de Trento. La Camerata Bardi y Vincenzo Galilei: la música conforme a la naturaleza y la invención de la ópera. Monteverdi y la música moderna: la polémica con Artusi.

Tema 24. El paso del siglo XVI al XVII. Los cambios en la teoría y en la práctica musical. La reforma monódica del madrigal: estilo recitativo y estilo rappresentativo. Moteverdi: prima prattica y seconda prattica. La ejecución en conjunto: el concierto. El bajo continuo y la definición de la tonalidad. La música para voz solista. La música instrumental: procedimientos de composición. La canzona y el ricercare.

Tema 25. La ópera en el siglo XVII. La ópera antes de 1637. Monteverdi y la ópera. Los teatros de ópera en Venecia. La difusión de la ópera en Italia. Ópera seria y ópera buffa: Cavalli. La segunda mitad del siglo: la ópera en Nápoles y Venecia. Tipología de la ópera barroca: convenciones formales y dramatúrgicas. Difusión europea de la ópera: Alemania y el singspiel, Francia y la tragédie lyrique, Inglaterra y la mascarada. España: el teatro musical y la zarzuela.

Tema 26. La música religiosa en el siglo XVII. La música religiosa católica: el oratorio latino culto y el oratorio volgare. El gran concierto y los concerti ecclesiatici. El grand motet francés. El desarrollo del villancico en España. La música religiosa luterana: la misa, la cantata y las pasiones.

Tema 27. La música instrumental en el siglo XVII. Música instrumental de conjunto: la sonata da chiesa y la sonata da camera. El concerto grosso y el concerto con solista. Los inicios del virtuosismo instrumental. El órgano católico. El órgano centroeuropeo: la tocata, la fuga, el coral y la variación de coral. Música para clavecín: el tema con variaciones y la suite. Música instrumental española.

Tema 28. El pensamiento musical del siglo XVII. El racionalismo cartesiano. El nuevo pitagorismo. Leibniz: la música, ciencia racional por su estructura acústica. Las polémicas sobre la ópera: Giustiniani y Doni. Música y poesía: la condena intelectual del melodrama. Raguenet y Lecerf: la polémica entre Italia y Francia. El sentimiento en la música.

Tema 29. El siglo XVIII. La música instrumental hasta la primera mitad del siglo. La consolidación del sistema temperado, la nueva armonía y el ritmo métrico y regular. El afianzamiento de los géneros concertantes: los diferentes tipos de concierto, la sonata, la sinfonía y otros géneros instrumentales de conjunto. La música cembalo-organista italiana: los Scarlatti y Pasquini. La escuela francesa: Couperain y Rameau. Las escuelas cembalo-organísticas alemanas: J. S. Bach. Los conciertos y la música de cámara de Bach. Haendel.

Tema 30. El siglo XVIII. La música escénica hasta el último tercio del siglo. La formulación de la nueva ópera italiana: Pietro Metastasio. El bel canto. La ópera erudita. La ópera seria: la reforma de Gluck. La ópera buffa italiana: Pergolesi. La ópera buffa en el resto de países europeos: la opéra comique francesa, la ballad opera inglesa, Alemania. España: La zarzuela y la tonadilla escénica.

Tema 31. El siglo XVIII. La música religiosa hasta el último tercio del siglo. El oratorio. El oratorium latinum: Scarlatti y Charpentier. La música litúrgica católica: el stylus antiquus y la misa al estilo napolitano. El oratorio protestante, la cantata y la pasión luteranas: J. S. Bach.

Tema 32. Música e Ilustración. Pensamiento y teoría musicales del siglo XVIII. De la especulación pitagórica al interés por la práctica musical: Mattheson. Rameau: la reducción de la música a sus fundamentos racionales. Gusto y estilo: galantería y stile espressivo. El buen gusto, base del juicio estético. La división de las artes y el puesto de la música: la música como bello juego de sensaciones auditivas. La estética sensualista. Los enciclopedistas y la música: el mito de la música italiana.

Tema 33. La transformación de la vida musical a finales del siglo XVIII. El músico en la sociedad. El sistema de patronazgo. El nuevo concepto de compositor. Las clases particulares. La edición musical: el comienzo de una nueva industria. Música y mercado: los conciertos públicos y los inicios del concierto de repertorio. El interés por el pasado: la música como disciplina historiográfica y los conciertos de música antigua.

Tema 34. El clasicismo musical. Concepto historiográfico. La música orquestal: el nacimiento de la sinfonía. Sammartini, la Escuela de Mannheim y el nacimiento de la orquesta moderna. La sonata como género y la sonata como forma. La dialéctica de la forma sonata. La importancia musical de Viena a finales del siglo XVIII. El desarrollo de la música instrumental: el cuarteto de cuerda y la música sinfónica: Haydn. Mozart y el piano. La música de cámara. España: la música instrumental. Domenico Scarlatti, Luigi Boccherini y Gaetano Brunetti. La guitarra.

Tema 35. La ópera en el clasicismo. Italia, de la ópera seria a la semiseria: la influencia de la comédie larmoyante. La ópera buffa: Paisiello y Domenico Cimarosa. París: el dominio de Gluck, Piccini y el auge de la ópera buffa. Mozart: la búsqueda de una ópera nacional alemana. España: la imitación de los modelos italianos. Las compañías operísticas italianas. La zarzuela.

Tema 36. De la Revolución francesa hasta 1830. La transición hacia el Romanticismo. La Revolución francesa y la música. El teatro musical y Rossini. Weber y la ópera alemana. Las nuevas escuelas instrumentales: de la didáctica al concertismo. El piano: nuevas técnicas, nuevo lenguaje y nueva escritura. Beethoven: carácter, ideal artístico, lenguaje, importancia y significación. Franz Schubert: la canción para solista.

Tema 37. El Romanticismo musical. El Sturm und Drang: el paréntesis del Iluminismo y del Clasicismo. Pintura y música como artes románticas. La concepción romántica de la música: la música como lenguaje privilegiado y universal. Música y absoluto. Música como imagen del mundo. El músico romántico frente a la música. Hombres de letras y críticos frente a la música.

Tema 38. La música del Romanticismo: características y tendencias. La nueva generación romántica. La condición del músico. Lenguaje, forma y estilo. El público musical. Las sociedades filarmónicas. La institucionalización de la educación musical.

Tema 39. El sinfonismo romántico. La concepción sinfónica y las transformaciones de la sinfonía. El concierto con solista. Los compositores «clasicistas»: Mendelssohn y Schumann. Los compositores renovadores: Berlioz y Liszt. Música descriptiva y programática: el poema sinfónico. La segunda mitad del siglo XIX: el debate formalista. Brahms.

Tema 40. El piano romántico: los compositores románticos y el piano, las escuelas pianísticas. La transformación de la sonata pianística. Las formas menores. La música de cámara.

Tema 41. La canción: lied alemán y la mélodie francesa. Antecedentes. Características y autores principales. Relación música-texto. Las canciones a voces con y sin acompañamiento instrumental.

Tema 42. La ópera en el siglo XIX. Italia: Donizetti, Bellini y Mercadante; la reforma verdiana. Francia: la edad de oro de la Grand opéra y la influencia de Rossini, la opéra-lyrique, la opéra-comique, Offenbach y la opereta. La ópera alemana y la tradición del singspiel. El drama musical wagneriano: obra de arte total y expresión sinfónica. La ópera en Rusia.

Tema 43. El ballet en el siglo XIX. Antecedentes. Características y sus relaciones con la Ópera. Autores principales.

Tema 44. El nacionalismo musical. Descubrimiento y valoración del folklore: la música como elemento de identidad. Cosmopolitismo y nacionalismo: la música como expresión de la nacionalidad. La canción popular de autor. La música en Centroeuropa y en los países eslavos. Los países nórdicos. España: nacionalismo, regionalismo y casticismo. La zarzuela, el género chico y la ópera. Música instrumental. El inicio de los estudios musicológicos.

Tema 45. La herencia romántica y las búsquedas de nuevos lenguajes. La tradición romántica y el decadentismo. El naturalismo y el verismo, Puccini y la Nuova scuola. Nacionalismo y wagnerianismo en París. El Simbolismo y el Impresionismo. La renovación musical en Inglaterra. La música en América durante el siglo XIX. Los estudios historiográficos y musicológicos.

Tema 46. La música en las primeras décadas del siglo XX. Los ballets rusos y Stravinsky. El renacer de la música francesa: Satie y Les six, el modernismo de Ravel. Hacia la disolución de la tonalidad. Las primeras vanguardias: futurismo, el jazz y el experimentalismo americano, el expresionismo y el atonalismo de Schönberg. Grandes figuras independientes. España y París: Falla.

Tema 47. La música en el período de entreguerras. Stravinsky y el Neoclasicismo. Realismo soviético. Segundo nacionalismo eslavo. La Nueva objetividad, Bauhaus y Gesbrauchsmusik. El dodecafonismo y la segunda escuela de Viena. Los años treinta en Francia: neorromanticismo y Jeune France. La ampliación del concepto sonoro: el ruidismo. España: Nacionalismos y regionalismos. La Generación del 27. El postfallismo y la homologación internacional de la música española.

Tema 48. La música posterior a 1945, la postmodernidad y la música de hoy. Percepción social de la música actual. Serialismo integral. Aleatoriedad. Músicas concreta, electrónica y electroacústica. Música textural. La vuelta hacia la simplicidad: minimalismo y Nueva Consonancia. Música espectral. Nueva complejidad. La música de hoy. La revolución informática y el estándar MIDI. España: nuevos lenguajes y Generación del 51. La música española en nuestros días.

Tema 49. La estética musical del siglo XX. La estética crociana y la crítica musical. El formalismo en el siglo XX: Stravinsky, Gisèle Brelet Boris, Schloezer y Susanne Langer. Estética y psicología. Estética y sociología de la música. Sociología de la música y marxismo. Adorno y la sociología dialéctica. El debate sobre la cultura de masas en la música. Las poéticas de vanguardia: lenguaje y estructura. Indeterminación y negación del lenguaje musical, indeterminación y estructura en la vanguardia. Últimas tendencias del pensamiento musical contemporáneo: la semiología de la música, las teorías analíticas.

Tema 50. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 51. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 52. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y el aprendizaje de la historia de la música. Utilización del software musical. La selección de los recursos de Internet.

Tema 53. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Improvisación y acompañamiento

Tema 1. Repentización. Concepto y técnicas de realización. Análisis formal, armónico, rítmico y melódico aplicado a la repentización. Pedagogía y aplicaciones prácticas de la repentización. Bibliografía especializada.

Tema 2. Transposición. Concepto y técnicas de realización. Técnica y mecánica tradicional del transporte. Instrumentos transpositores. Lectura de claves. Transporte armónico y su aplicación a instrumentos polifónicos. Bibliografía especializada.

Tema 3. Reducción de partituras. Concepto y técnicas de realización. Problemas tímbricos y técnicos del teclado en la reducción de partituras. Pedagogía y aplicaciones prácticas de la reducción. Bibliografía especializada.

Tema 4. Función acompañante de los instrumentos de teclado a través de la historia. El piano como instrumento acompañante.

Tema 5. Función acompañante de los instrumentos de cuerda pulsada a través de la historia. La guitarra como instrumento acompañante.

Tema 6. El acompañamiento de melodías. Concepto. Análisis melódico. Principios básicos del acompañamiento de melodías. Características de los patrones de acompañamiento en los distintos estilos históricos. Improvisación de acompañamientos en melodías dadas. Bibliografía especializada.

Tema 7. Bajo cifrado barroco. Desarrollo histórico, concepto y técnicas de realización. Símbolos empleados y su significado. Uso para la improvisación. Bibliografía especializada.

Tema 8. Cifrado funcional. Desarrollo histórico, concepto y técnicas de realización. Símbolos empleados y su significado. Uso para la improvisación. Bibliografía especializada.

Tema 9. Cifrado americano. Desarrollo histórico, concepto y técnicas de realización. Símbolos empleados y su significado. Uso para la improvisación. Bibliografía especializada.

Tema 10. Desarrollo del oído, de la concentración en la escucha, de la memoria y de la inteligencia musical.

Tema 11. Improvisación musical: concepto e importancia pedagógica. Historia de la improvisación musical. Bibliografía especializada.

Tema 12. Pedagogía de la improvisación musical. Historia de los diferentes métodos para la enseñanza de la improvisación musical. Metodologías actuales. Bibliografía especializada.

Tema 13. Improvisación de estructuras armónicas. Metodología de desarrollo de estructuras armónicas mediante diferentes técnicas. Creación de estructuras armónicas en base a células armónicas en progresión. Acordes de enfatización, intercambio moda y modulación.

Tema 14. Improvisación de melodías. Metodología de desarrollo de estructuras melódicas mediante diferentes técnicas.

Tema 15. Improvisación de texturas. Características de texturas utilizadas a lo largo de las diferentes épocas y estilos. Metodología de desarrollo de estructuras rítmicas mediante diferentes técnicas.

Tema 16. Variaciones sobre un tema. La improvisación de variaciones rítmicas, armónicas y/o melódicas sobre una melodía dada. Estándares del Renacimiento.

Tema 17. Improvisación en estilo barroco. Características formales, rítmicas, armónicas y melódicas para la improvisación musical en estilo barroco. Improvisación de la ornamentación barroca.

Tema 18. Improvisación en estilo clásico. Características formales, rítmicas, armónicas y melódicas para la improvisación musical en estilo clásico. Improvisación de cadencias para conciertos de estilo clásico.

Tema 19. Improvisación en estilo romántico. Características formales, rítmicas, armónicas y melódicas para la improvisación musical en estilo romántico.

Tema 20. Improvisación en estilo impresionista. Características formales, rítmicas, armónicas y melódicas para la improvisación musical en estilo impresionista.

Tema 21. Improvisación en el flamenco. Conceptos básicos. Elementos formales. Ritmos y compases flamencos. La melodía: el modo frigio mayorizado. Cadencia andaluza.

Tema 22. La improvisación en el jazz. Historia: evolución y desarrollo de los diferentes estilos. Figuras destacadas.

Tema 23. Jazz. Conceptos básicos: El compás y el fraseo en el swing. Ejercicios rítmicos. Acordes y cifrados. Células armónicas características. Voicings. Acordes alterados. Dominante sustituta. Rearmonizaciones. Escalas. Patrones sobre escalas y arpegios. Patrones de acompañamiento: walking bass y patrones rítmicos.

Tema 24. El blues. Historia y evolución. Forma básica y rearmonizaciones. Voicings, patrones y escalas para improvisar.

Tema 25. La improvisación de música para la imagen. Cine mudo. Características musicales para la improvisación estilística imitativa de bandas sonoras según los diferentes géneros cinematográficos: western, acción, drama-romántico, épico, histórico, aventuras, drama social y otros.

Tema 26. Criterios didácticos para la selección del material en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 27. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 28. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 29. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 30. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 31. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 32. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 33. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 34. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 35. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y el Barroco

Tema 1. Historia general de la guitarra renacentista y la vihuela: orígenes, antecedentes y evolución histórica. Descripción organológica. Diferentes escuelas de construcción. Mantenimiento, conservación y accesorios. Afinación. Formas de producción del sonido. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 2. Historia general del laúd renacentista, el laúd barroco, y la tiorba: orígenes, antecedentes y evolución histórica. Descripción organológica. Diferentes escuelas de construcción. Mantenimiento, conservación y accesorios. Afinación. Formas de producción del sonido. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 3. Características sonoras de los instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y del Barroco. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de cuerda pulsada. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Peculiaridades derivadas del modo de producción del sonido. Pulsación en las distintas zonas de la cuerda y su relación con el timbre.

Tema 4. Aplicación de técnicas de concienciación corporal a la interpretación musical: respiración, relajación, concentración, hábitos posturales, control mental, visualización. El miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica los instrumentos de cuerda pulsada.

Tema 5. La técnica de los instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y el Barroco: principios fundamentales. El papel de las distintas partes del brazo en la técnica de los instrumentos de cuerda pulsada. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos.

Tema 6. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos de los instrumentos de cuerda pulsada. Tratados y métodos de las distintas épocas. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 7. Los diferentes métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de los distintos aspectos de la técnica. Bibliografía especializada relacionada con los instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y el Barroco y su didáctica.

Tema 8. Historia del movimiento de recuperación de la música antigua. Fuentes teóricas y criterios actuales relativos a la interpretación en las distintas épocas.

Tema 9. El repertorio de vihuela: características de estilo y de notación. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 10. El repertorio de guitarra renacentista: características de estilo y de notación. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 11. El repertorio de laúd renacentista: características de estilo y de notación. Escuelas nacionales. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 12. El repertorio de laúd durante el barroco en Francia: características de estilo y de notación. Influencia en la música barroca europea. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 13. El repertorio de laúd en los países de influencia germánica en los siglos XVII y XVIII: características de estilo y de notación. El estilo galante de los últimos laudistas alemanes y austríacos. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 14. El repertorio de guitarra barroca: características de estilo y de notación. Escuelas nacionales. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 15. El repertorio de tiorba y de archilaúd: características de estilo y de notación. Fuentes, tablaturas, criterios de transcripción y de edición.

Tema 16. Los instrumentos de cuerda pulsada como instrumentos acompañantes: España. Francia. Italia e Inglaterra. Diferentes escuelas del bajo cifrado: desarrollo histórico. Símbolos empleados y su significado. Realización del bajo cifrado. La improvisación en el continuo.

Tema 17. La práctica de grupo en las enseñanzas de instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y el Barroco. Programación de las actividades colectivas en los diferentes niveles: repertorio, conceptos relativos al lenguaje musical, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros aspectos.

Tema 18. Los instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y el Barroco en la música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas (dúo, trío, cuarteto y otras). Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 19. Principios fundamentales en la composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 20. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 21. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 22. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes de su tiempo. La improvisación en la didáctica de los instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y del Barroco.

Tema 23. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 24. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 25. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 26. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 27. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 28. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 29. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 30. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 31. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 32. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 33. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Instrumentos de púa

Tema 1. Historia general de la cítola: orígenes, antecedentes y evolución histórica. Encordadura, afinación y características constructivas. Mantenimiento y conservación. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de su repertorio.

Tema 2. Historia general de las mandolinas: orígenes, antecedentes y evolución histórica. Principales tipos: mandolino, mandolina napolitana y otros. Encordadura, afinación y características constructivas. Mantenimiento y conservación. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de su repertorio.

Tema 3. Historia general de la bandurria: orígenes, antecedentes y evolución histórica. Encordadura, afinación y características constructivas. Mantenimiento y conservación. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de su repertorio.

Tema 4. Características sonoras de los instrumentos de púa. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de púa. Peculiaridades derivadas del modo de producción. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Pulsación en las distintas zonas de la cuerda y su relación con el tipo de sonido.

Tema 5. Aplicación de técnicas de concienciación corporal a la interpretación musical: respiración, relajación, concentración, hábitos posturales, control mental, visualización. El miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de los instrumentos de púa. Colocación del cuerpo y del instrumento.

Tema 6. La técnica de los instrumentos de púa: principios fundamentales. Descripción de las funciones correspondientes a las distintas partes del brazo.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos de los instrumento de púa. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos para los instrumentos de púa, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 9. Fuentes históricas de la interpretación en los instrumentos de púa. Diferentes formas de notación. Interpretación de los distintos tipos de notación empleados en los instrumentos de púa.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para los diferentes tipos de mandolina. Escuelas nacionales.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para bandurrias de 4-5 órdenes.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para bandurrias de 6 órdenes.

Tema 13. La familia de los laúdes españoles. Encordadura, afinación y características constructivas. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de su repertorio.

Tema 14. La práctica de grupo en las enseñanzas de los instrumentos de púa: programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, conceptos relativos al lenguaje musical, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros aspectos.

Tema 15. Los instrumentos de púa en la música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas (dúo, trío, cuarteto y otras.). Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 16. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 17. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica de los instrumentos de púa.

Tema 18. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 19. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 20. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 21. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 22. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 23. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 24. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 25. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 27. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 28. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Instrumentos de viento de jazz

Tema 1. Antecedentes de los diferentes instrumentos de viento en el jazz: Evolución histórica desde sus inicios hasta nuestros días. Los instrumentos de viento en el jazz moderno: descripción de sus características constructivas; Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento. Toma de contacto con el instrumento. Descripción de sus partes.

Tema 2. Características sonoras; maneras de producción del sonido y diferentes timbres asociados a las diferentes épocas del jazz.

Tema 3. Diferentes tipos de instrumentos de viento de jazz, utilización de los mismos en diversas épocas. Antecedentes de los mismos. Descripción de cada uno de ellos. Características sonoras.

Tema 4. Técnicas de concienciación corporal: Relajación física y mental, concentración mental, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes, en relación con la técnica del instrumento.

Tema 5. La técnica de los instrumentos de viento de jazz: Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos de los distintos instrumentos. Problemas prácticos de la técnica del instrumento: Realización técnica de los diversos tipos de articulación (legato, staccato, subtone y otros).

Tema 6. La técnica moderna de los instrumentos de viento en el jazz: Conceptos fundamentales. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos jazzísticos. Estudio comparativo de las diferentes escuelas.

Tema 7. Diferentes sistemas de enseñanza específicos de los instrumentos de viento en el jazz. Estudio comparativo de las diferentes teorías y técnicas de las diferentes escuelas e instituciones.

Tema 8. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de los instrumentos de viento en los años 1920-1930. Características de la interpretación de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 9. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio de los instrumentos de viento en la década de 1940. El Bebop. Características de la interpretación instrumental de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de los instrumentos de viento en la década de 1950. El cool. Jazz «de la Costa Oeste». Características de la interpretación instrumental de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de los instrumentos de viento en la década de 1950. El hard-bop. El viento de jazz en España: Primeros antecedentes y la generación de verdaderos jazzmens de la década de 1980. Características de la interpretación instrumental de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de los instrumentos de viento en la década de 1960. El jazz modal, el free jazz y el jazz de vanguardia. Características de la interpretación instrumental de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para instrumentos de viento digitalizados de la década de 1970. Fusiones con otros estilos y transición hacia nuevos instrumentos de sonido. Características de la interpretación instrumental de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para instrumentos de viento digitalizados de 1980. Jazz Rock. Características de la interpretación instrumental de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para instrumentos de viento de 1990. Nueva generación de instrumentistas y jazz moderno. Características de la interpretación instrumental de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 16. Características del repertorio básico y progresivo para vientos de jazz en diversas formaciones instrumentales: cuartetos, quintetos, sextetos, Big Band y otras. Aprendizaje progresivo del repertorio.

Tema 17. Los instrumentos de viento de jazz en la Big Band. Características, referidas a la evolución de las técnicas y conceptos sobre interpretación de arreglos en el estilo de neo swing en comparación con los arreglos de la época del swing.

Tema 18. Formaciones de carácter especial, diversos tipos de ensemble.

Tema 19. Principios de improvisación en los instrumentos de viento en el jazz: recursos, materiales y procedimientos. Aplicación a la realización de cifrados, utilización de elementos periféricos como riffs y backgrounds a manera de acompañamiento de melodías. La improvisación dirigida o libre. Uso de nuevos lenguajes y notaciones en la improvisación.

Tema 20. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 21. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 22. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 23. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 24. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 25. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 26. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 27. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 28. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 30. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Instrumentos históricos de cuerda frotada

Tema 1. Historia y evolución de los Instrumentos históricos de cuerda frotada: orígenes y predecesores de los Instrumentos históricos de cuerda frotada. La familia de los Instrumentos históricos de cuerda frotada.

Tema 2. Los Instrumentos históricos de cuerda frotada: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Diferentes tipos de Instrumentos históricos de cuerda frotada: características constructivas y de sonoridad.

Tema 3. Características acústicas de los instrumentos de cuerda frotada. Principios físicos de la producción del sonido y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Instrumentos de la familia de la cuerda frotada: Descripción de sus características constructivas y sonoras. Criterios didácticos para la selección de repertorio y la técnica en los estudios superiores. Bibliografía especializada.

Tema 5. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de los instrumentos de cuerda frotada.

Tema 6. La técnica de los Instrumentos históricos de cuerda frotada: principios fundamentales. El arco y la mano izquierda. Formación del agarre del arco. Emisión del sonido: utilización de los dedos y otros medios.

Tema 7. La técnica interpretativa de los Instrumentos históricos de cuerda frotada: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica de los grandes instrumentistas y pedagogos. Fórmulas de escritura propias del instrumento: escalas, arpegios, articulaciones, otras figuraciones.

Tema 8. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos de los instrumentos históricos de cuerda frotada. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 9. La literatura didáctica: principales métodos de los Instrumentos históricos de cuerda frotada, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de los Instrumentos históricos de cuerda frotada en el Barroco.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de los Instrumentos históricos de cuerda frotada en el Clasicismo.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de la ornamentación y los adornos en la música para Instrumentos históricos de cuerda frotada.

Tema 13. Los Instrumentos históricos de cuerda frotada en la música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas (dúo, trío, cuarteto y otras).

Tema 14. Los Instrumentos históricos de cuerda frotada en la orquesta y en los ensembles. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio para orquesta, ensemble y solista de la familia de los Instrumentos históricos de cuerda frotada. Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal en el aula.

Tema 15. Los Instrumentos históricos de cuerda frotada en las grabaciones discográficas. Características peculiares de los Instrumentos históricos de cuerda frotada, del repertorio y su interpretación.

Tema 16. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 17. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 18. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 19. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica de los instrumentos antiguos de cuerda frotada.

Tema 20. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 21. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 22. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 23. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 24. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 25. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 26. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 27. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 28. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 30. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Instrumentos históricos de tecla

Tema 1. Historia general de los instrumentos históricos de teclado: orígenes y antecedentes de éstos. Evolución, hasta el siglo XVIII, de los instrumentos de teclado con cuerdas. Diferencias entre las diversas escuelas de construcción en Europa.

Tema 2. El clave moderno: descripción de sus características constructivas. Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 3. Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en las cuerdas pulsadas. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Afinación. Registración.

Tema 4. Técnicas de concienciación corporal: Relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes, en relación con la técnica del clave. Manera de sentarse, posición del cuerpo en general y de las manos sobre el teclado. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones; movimientos y combinaciones de movimientos que de ellos se derivan.

Tema 5. La técnica del clave, el clavicordio y el órgano: principios elementales. La digitación en el clave. Criterios para la utilización de las digitaciones de las distintas ediciones. La técnica moderna del clave: conceptos fundamentales. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos.

Tema 6. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Tratados y métodos de las distintas épocas. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. Los diferentes métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de los distintos aspectos de la técnica. Bibliografía especializada relacionada con el instrumento y su didáctica.

Tema 7. Historia del movimiento de recuperación de la música antigua. Fuentes teóricas y criterios actuales relativos a la interpretación en las distintas épocas.

Tema 8. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para tecla desde la Edad Media hasta el siglo XVI. Semitonía y música ficta. Proporciones rítmicas. Principales formas. Convenciones rítmicas en el repertorio para tecla.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de los virginalistas ingleses.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio ibérico para tecla. Cabezón, Correa de Arauxo, Cabanilles y otros.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del siglo XVII. Características de las principales formas.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del siglo XVIII: Couperin y Rameau.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del siglo XVIII: D. Scarlatti y la escuela clavecinista española.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del siglo XVIII: J. S. Bach.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para clave del Preclasicismo y Clasicismo.

Tema 16. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Aproximación a la música contemporánea y a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación.

Tema 17. Características del repertorio básico y progresivo para música de cámara. El clave en la música concertante.

Tema 18. Principios fundamentales en la composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 19. El clave y el órgano como instrumentos de continuo. Bajo cifrado: desarrollo histórico. Símbolos empleados y su significado. Improvisación sobre el bajo continuo.

Tema 20. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 21. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 22. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 23. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 24. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 25. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 26. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 27. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 28. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 29. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 30. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 31. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Instrumentos históricos de viento

Tema 1. Historia y evolución de los instrumentos históricos de viento. Principales desarrollos organológicos.

Tema 2. Los instrumentos históricos de viento: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Diferentes tipos de instrumentos: características constructivas y de sonoridad.

Tema 3. Características acústicas de los instrumentos. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Instrumentos afines: Descripción de sus características constructivas y sonoras. Criterios didácticos para la selección de repertorio y la técnica en los estudios superiores. Bibliografía especializada.

Tema 5. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 6. La técnica de los instrumentos históricos de viento: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de los instrumentos históricos de viento. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.

Tema 7. La interpretación en los instrumentos históricos de viento conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos. Fórmulas de escritura propias del instrumento: escalas, arpegios, articulaciones, y otras.

Tema 8. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos de los diferentes instrumentos históricos de viento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 9. La literatura didáctica: principales métodos de los instrumentos, colecciones de estudios, ejercicios y otros. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 10. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio de la Edad Media y el Renacimiento.

Tema 11. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio del Barroco.

Tema 12. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio del Clasicismo.

Tema 13. Los instrumentos históricos de viento en la música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas (dúo, trío, cuarteto y otras.).

Tema 14. Los instrumentos históricos de viento en la orquesta, en los ensembles y como solistas. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Criterios didácticos para la selección y aplicación del repertorio en el aula.

Tema 15. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 16. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 17. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 18. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 19. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 20. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 21. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 22. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 23. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 24. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 25. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 26. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 28. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 29. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Lengua alemana

Tema 1. Fonética y fonología alemanas: fonemas y alófonos de la lengua alemana. El alfabeto alemán. La transcripción fonética: el alfabeto fonético internacional (IPA). Vocales y consonantes. Fenómenos fonológicos: articulación, emisión, reconocimiento y diferenciación auditiva, pronunciación aplicada a la lengua alemana cantada y otros.

Tema 2. El acento, el ritmo y la entonación. Su aplicación al canto. La importancia de algunos fonemas en cuanto a su específica sonoridad para provocar ciertos efectos musicales y su relevancia en la expresión e interpretación.

Tema 3. La transcripción fonética. Signos internacionales para la transcripción fonética. Modelo fonético fijado por la tradición del canto. La fonética hablada y cantada.

Tema 4. Fonemas consonánticos y combinaciones que presentan dificultades para los hispanohablantes.

Tema 5. Comparación de los sistemas vocálico y consonántico alemán y español. Particularidades de pronunciación respecto a la lengua española.

Tema 6. La adquisición del léxico y sus implicaciones didácticas en el texto musical. Léxico poético-literario y perteneciente a las obras clásicas de la música alemana. La traducción de textos líricos. Criterios de selección de textos para su utilización.

Tema 7. La situación lingüística alemana. La lengua alemana y sus variedades: diversidad dialectal. Variedad dialectal en el lied alemán.

Tema 8. La retórica y el lenguaje figurado. Su uso y frecuencia en el repertorio vocal de lengua alemana.

Tema 9. La métrica. El texto poético-literario en su contexto histórico, cultural y artístico.

Tema 10. Arte y literatura alemana. Criterios de selección de textos para trabajar en clase de fonética aplicada al canto.

Tema 11. Concepto y enseñanza de la gramática. Reflexión sobre la lengua y su aprendizaje. De la gramática normativa a la gramática en función del uso de la lengua y de la comunicación.

Tema 12. La lengua oral. Situaciones de comunicación oral. Elementos y normas que rigen el discurso oral. Rutinas y fórmulas habituales. Estrategias propias de la comunicación oral.

Tema 13. La lengua escrita. Situaciones de comunicación escrita. Estructura y elementos formales. Normas que rigen el texto escrito. Rutinas y fórmulas.

Tema 14. Estructura de la oración en alemán: Afirmaciones, preguntas, negaciones y exclamaciones.

Tema 15. Textos poético-literarios y contextualización histórica, cultural y artística del repertorio vocal. Análisis sociolingüístico del repertorio vocal. La literatura musical. La poética del texto.

Tema 16. Relación entre música y texto literario a través de sus elementos comunes: tímbricos, rítmicos, fraseológicos. Comprensión del texto cantado, contenido lírico y dramático.

Tema 17. Texto y contexto. Tipos de texto. Criterios para la clasificación textual. El registro. Criterios de selección de textos para su utilización en clase. Estrategias de análisis de textos. Traducción y análisis lingüístico de libretos.

Tema 18. El repertorio culto compuesto en lengua alemana y sus grandes autores. Los grandes maestros del melodrama. La canción popular.

Tema 19. La ópera en lengua alemana y su desarrollo.

Tema 20. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas. Capacidad del alumno a aplicar de forma autónoma los conocimientos fonéticos en la interpretación musical.

Tema 21. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y el aprendizaje. Importancia de la utilización del software de idiomas y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 22. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 23. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 24. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 25. Metodologías de investigación en lengua alemana. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación para el desarrollo de un criterio autónomo. Técnicas de investigación de idiomas. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 26. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Lengua francesa

Tema 1. La fonética y fonología francesas: sonidos y fonemas de la lengua francesa. El alfabeto francés. La transcripción fonética: el alfabeto fonético internacional (API). Vocales y consonantes. Particularidades de pronunciación respecto a la lengua española.

Tema 2. El acento, el ritmo y la entonación. La importancia de algunos fonemas en cuanto a su específica sonoridad para provocar ciertos efectos musicales y su relevancia en la expresión e interpretación. Fenómenos fonológicos: articulación, emisión, reconocimiento y diferenciación auditiva, pronunciación aplicada a la lengua francesa cantada.

Tema 3. La transcripción fonética. Signos internacionales para la transcripción fonética. Modelo fonético fijado por la tradición del canto. La fonética hablada y cantada.

Tema 4. Fonemas consonánticos y combinaciones que presentan dificultades para los hispanohablantes.

Tema 5. Comparación de los sistemas vocálico y consonántico francés y español. Fonética española versus fonética francesa en el repertorio vocal.

Tema 6. La adquisición del léxico y sus implicaciones didácticas en el texto musical. Léxico poético-literario y perteneciente a las obras clásicas de la música francesa. La traducción de textos líricos. Criterios de selección de textos para su utilización. La mélodie, la ópera y el oratorio.

Tema 7. La situación lingüística francesa. Registros lingüísticos y su reflejo en el repertorio lírico en francés. Variedad dialectal en la canción francesa.

Tema 8. La retórica y el lenguaje figurado. Su uso y frecuencia en las arias de óperas francesas.

Tema 9. La métrica. El texto poético-literario en su contexto histórico, cultural y artístico.

Tema 10. Arte y literatura francesa. Criterios de selección de textos para trabajar en clase de fonética aplicada al canto.

Tema 11. Concepto y enseñanza de la gramática. Reflexión sobre la lengua y su aprendizaje. De la gramática normativa a la gramática en función del uso de la lengua y de la comunicación.

Tema 12. La lengua oral. Situaciones de comunicación oral. Elementos y normas que rigen el discurso oral. Rutinas y fórmulas habituales. Estrategias propias de la comunicación oral.

Tema 13. La lengua escrita. Situaciones de comunicación escrita. Estructura y elementos formales. Normas que rigen el texto escrito. Rutinas y fórmulas.

Tema 14. Estructura de la oración en francés: Afirmaciones, preguntas, negaciones y exclamaciones.

Tema 15. Textos poético-literarios y contextualización histórica, cultural y artística del repertorio vocal. Análisis sociolingüístico del repertorio vocal. La literatura musical. La poética del texto en la mélodie y en la ópera en lengua francesa.

Tema 16. Relación entre música y texto literario a través de sus elementos comunes: tímbricos, rítmicos, fraseológicos. Comprensión del texto cantado, contenido lírico y dramático.

Tema 17. Texto y contexto. Tipos de texto. Criterios para la clasificación textual. El registro. Criterios de selección de textos para su utilización en clase. Estrategias de análisis de textos. Traducción y análisis lingüístico de libretos.

Tema 18. Francia y la música clásica. Historia del repertorio cantado en francés. cantada en francés Los grandes maestros del melodrama, de la mélodie y de la canción popular francesa.

Tema 19. La ópera en lengua francesa. Desarrollo de la ópera en Francia.

Tema 20. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 21. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y el aprendizaje. Importancia de la utilización del software de idiomas y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 22. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 23. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 24. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 25. Metodologías de investigación en lengua francesa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación para el desarrollo de un criterio autónomo. Técnicas de investigación de idiomas. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 26. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Lengua inglesa

Tema 1. La fonética y fonología inglesas: sonidos y fonemas de la lengua inglesa. El alfabeto inglés. La transcripción fonética: el alfabeto fonético internacional (IPA). Vocales y consonantes. Particularidades de pronunciación respecto a la lengua española.

Tema 2. El acento, el ritmo y la entonación. La importancia de algunos fonemas en cuanto a su específica sonoridad para provocar ciertos efectos musicales y su relevancia en la expresión e interpretación. Fenómenos fonológicos: articulación, emisión, reconocimiento y diferenciación auditiva, pronunciación aplicada a la lengua inglesa cantada y otros.

Tema 3. La transcripción fonética. Signos internacionales para la transcripción fonética. Modelo fonético fijado por la tradición del canto. La fonética hablada y cantada.

Tema 4. Fonemas consonánticos y combinaciones que presentan dificultades para los hispanohablantes.

Tema 5. Comparación de los sistemas vocálico y consonántico inglés y español. Fonética española versus fonética inglesa en el repertorio vocal.

Tema 6. La adquisición del léxico y sus implicaciones didácticas en el texto musical. Léxico poético-literario y perteneciente a las obras clásicas de la música inglesa. La traducción de textos líricos. Criterios de selección de textos para su utilización. La canción culta, la ópera y el oratorio.

Tema 7. La situación lingüística inglesa. Épocas y fuentes literarias de la canción culta inglesa. Variedad dialectal en la canción inglesa.

Tema 8. La retórica y el lenguaje figurado. Su uso y frecuencia en el repertorio inglés.

Tema 9. El Oratorio en inglés. Épocas y fuentes literarias. El texto poético-literario en su contexto histórico, cultural y artístico.

Tema 10. Arte y literatura inglesa. Criterios de selección de textos para trabajar en clase de fonética aplicada al canto.

Tema 11. Concepto y enseñanza de la gramática. Reflexión sobre la lengua y su aprendizaje. De la gramática normativa a la gramática en función del uso de la lengua y de la comunicación.

Tema 12. La lengua oral. Situaciones de comunicación oral. Elementos y normas que rigen el discurso oral. Rutinas y fórmulas habituales. Estrategias propias de la comunicación oral.

Tema 13. La lengua escrita. Situaciones de comunicación escrita. Estructura y elementos formales. Normas que rigen el texto escrito. Rutinas y fórmulas.

Tema 14. Estructura de la oración en inglés: Afirmaciones, preguntas, negaciones y exclamaciones.

Tema 15. Textos poético-literarios y contextualización histórica, cultural y artística del repertorio vocal. Análisis sociolingüístico del repertorio vocal. La literatura musical. La poética del texto en la canción culta, ópera y oratorio en lengua inglesa

Tema 16. Relación entre música y texto literario a través de sus elementos comunes: tímbricos, rítmicos, fraseológicos. Comprensión del texto cantado, contenido lírico y dramático.

Tema 17. Texto y contexto. Tipos de texto. Criterios para la clasificación textual. El registro. Criterios de selección de textos para su utilización en clase. Estrategias de análisis de textos. Traducción y análisis lingüístico de libretos.

Tema 18. El Reino Unido y la música culta. Historia del repertorio en inglés. Los grandes maestros. La canción popular.

Tema 19. La ópera en lengua inglesa. Desarrollo de la ópera en el Reino Unido.

Tema 20. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 21. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y el aprendizaje. Importancia de la utilización del software de idiomas y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 22. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 23. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 24. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 25. Metodologías de investigación en lengua inglesa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación para el desarrollo de un criterio autónomo. Técnicas de investigación de idiomas. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 26. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Lengua italiana

Tema 1. La fonética y fonología italianas: sonidos y fonemas de la lengua italiana. El alfabeto italiano. La transcripción fonética: el alfabeto fonético internacional (IPA). Vocales y consonantes. Particularidades de pronunciación respecto a la lengua española.

Tema 2. El acento, el ritmo y la entonación. La importancia de algunos fonemas en cuanto a su específica sonoridad para provocar ciertos efectos musicales y su relevancia en la expresión e interpretación. Fenómenos fonéticos: el apócope y la elisión.

Tema 3. La transcripción fonética. Signos internacionales para la transcripción fonética. Modelo fonético fijado por la tradición del canto. La fonética hablada y cantada.

Tema 4. Fonemas consonánticos y combinaciones que presentan dificultades para los hispanohablantes.

Tema 5. Comparación de los sistemas vocálico y consonántico italiano y español. Fonética española versus fonética italiana en el repertorio vocal.

Tema 6. La adquisición del léxico y sus implicaciones didácticas en el texto musical. Léxico poético-literario y perteneciente a las obras clásicas de la música italiana. La traducción de textos líricos. Criterios de selección de textos para su utilización.

Tema 7. La situación lingüística italiana. La lengua italiana y sus variedades: diversidad dialectal. Variedad dialectal en las canciones clásicas italianas.

Tema 8. La retórica y el lenguaje figurado. Su uso y frecuencia en el repertorio italiano.

Tema 9. La métrica. El texto poético-literario en su contexto histórico, cultural y artístico.

Tema 10. Arte y literatura italiana. Criterios de selección de textos para trabajar en clase de fonética aplicada al canto.

Tema 11. Concepto y enseñanza de la gramática. Reflexión sobre la lengua y su aprendizaje. De la gramática normativa a la gramática en función del uso de la lengua y de la comunicación.

Tema 12. La lengua oral. Situaciones de comunicación oral. Elementos y normas que rigen el discurso oral. Rutinas y fórmulas habituales. Estrategias propias de la comunicación oral.

Tema 13. La lengua escrita. Situaciones de comunicación escrita. Estructura y elementos formales. Normas que rigen el texto escrito. Rutinas y fórmulas.

Tema 14. Estructura de la oración en italiano: afirmaciones, preguntas, negaciones y exclamaciones.

Tema 15. Textos poético-literarios y contextualización histórica, cultural y artística del repertorio vocal. Análisis sociolingüístico del repertorio vocal. La literatura musical. La poética del texto.

Tema 16. Relación entre música y texto literario a través de sus elementos comunes: tímbricos, rítmicos, fraseológicos. Comprensión del texto cantado, contenido lírico y dramático.

Tema 17. Texto y contexto. Tipos de texto. Criterios para la clasificación textual. El registro. Criterios de selección de textos para su utilización en clase. Estrategias de análisis de textos. Traducción y análisis lingüístico de libretos.

Tema 18. Italia y la música clásica. Historia del repertorio en italiano. Los grandes maestros del melodrama. La canción napolitana. La canción popular italiana.

Tema 19. La ópera en lengua italiana. Desarrollo de la ópera en Italia.

Tema 20. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 21. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y el aprendizaje. Importancia de la utilización del software de idiomas y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 22. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 23. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 24. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 25. Metodologías de investigación en lengua italiana. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación para el desarrollo de un criterio autónomo. Técnicas de investigación de idiomas. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 26. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Música de cámara

Tema 1. Concepto general sobre Música de Cámara. Definición, características y evolución.

Tema 2. Los instrumentos polifónicos: aspectos básicos de organología, morfología, características acústicas, principios físicos de la producción del sonido. Principales dificultades técnicas. Resolución de los problemas de equilibrio derivados de las diferencias acústicas con el resto de los instrumentos en el repertorio de música de cámara.

Tema 3. Los instrumentos de cuerda: aspectos básicos de organología, morfología, características acústicas, principios físicos de la producción del sonido. Principales dificultades técnicas. Resolución de los problemas de equilibrio derivados de las diferencias acústicas con el resto de los instrumentos en el repertorio de música de cámara.

Tema 4. Los instrumentos de viento: aspectos básicos de organología, morfología, características acústicas, principios físicos de la producción del sonido. Principales dificultades técnicas. Resolución de los problemas de equilibrio derivados de las diferencias acústicas con el resto de los instrumentos en el repertorio de música de cámara.

Tema 5. Los instrumentos de percusión: aspectos básicos de organología, morfología, características acústicas, principios físicos de la producción del sonido. Principales dificultades técnicas. Resolución de los problemas de equilibrio derivados de las diferencias acústicas con el resto de los instrumentos en el repertorio de música de cámara.

Tema 6. Música de cámara en el Barroco. Orígenes, y entorno social y musical. Relación entre el desarrollo del lenguaje específico instrumental y la aparición de la música de cámara. Influencias de otros géneros también en desarrollo durante esta época. Principales formaciones camerísticas, evolución y repertorio destacado.

Tema 7. Música de cámara en el Clasicismo I. Fijación de los principales formatos camerísticos tradicionales. Aportaciones de los compositores del estilo galante. Influencia del movimiento Sturm und Drang. Música en la corte y en el ámbito doméstico. Música de cámara de Haydn y Mozart: estilo, influencias, repertorio destacado.

Tema 8. Música de cámara en el Clasicismo II. Beethoven y Schubert, estilo, influencias, repertorio destacado. Transición hacia el Romanticismo.

Tema 9. Música de cámara en el Romanticismo I. Romanticismo alemán. Mendelssohn, Schumann y Brahms: estilo, influencias, repertorio destacado.

Tema 10. Música de cámara en el Romanticismo II. Romanticismo francés. Principales características, evolución e influencias. Repertorio destacado.

Tema 11. Música de cámara en el Romanticismo III. Evolución de los nacionalismos y su aportación a la música de cámara.

Tema 12. Música de cámara en el Impresionismo. Estilo, principios estéticos, nuevas formaciones, repertorio destacado.

Tema 13. Música de cámara en el siglo XX I. Segunda escuela de Viena. Compositores rusos.

Tema 14. Música de cámara en el siglo XX II. Francia: Grupo de Les Six, Olivier Messiaen. Béla Bartók. Paul Hindemith.

Tema 15. Música de cámara en el siglo XX III. Compositores ingleses y norteamericanos. Compositores españoles.

Tema 16. Música de cámara en el siglo XX IV: Música de cámara después de 1950. Principales tendencias y compositores.

Tema 17. Música de cámara en el siglo XX V: Música de cámara después de 1950 en España.

Tema 18. Aproximación a la música contemporánea y a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación. Características de la interpretación camerística de este repertorio y problemas específicos.

Tema 19. Evolución de la grafía musical. La importancia del análisis en la interpretación del repertorio camerístico: criterios aplicables (estilísticos, armónicos, formales, estructurales y otros). Análisis y planificación del montaje de una obra camerística.

Tema 20. Criterios interpretativos. La autoaudición y la audición del conjunto. La unidad sonora: respiración, ataque, vibrato, golpes de arco, afinación, timbre, ritmo, fraseo y articulación. Agógica y dinámica. La consecución de la unidad sonora a través del gesto. Comunicación gestual y su didáctica. Principios y criterios sobre la interpretación histórica.

Tema 21. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 22. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 23. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 24. Planteamiento pedagógico de la enseñanza de la música de cámara. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 25. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 26. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 27. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios de música de cámara. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 28. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 29. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias,el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 30. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 31. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 32. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 33. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Musicología

Tema 1. La Musicología como disciplina académica e investigadora. Objeto y enfoques de estudio. Ciencias auxiliares.

Tema 2. La investigación: concepto y principios generales. Investigación y ciencia: la necesidad del método científico. Método, metodología y proceso de trabajo. Principales métodos científicos. El proceso de investigación. Requisitos y condiciones de la investigación académica.

Tema 3. Las fuentes de la investigación musical. Concepto de fuente: su necesidad. Fuente y documento. Clasificación general. Las fuentes musicales: tipos y clasificación, ubicación y lugares de investigación, usos. Las nuevas tecnologías aplicadas a la investigación musical: búsqueda digital, bases de datos, publicaciones digitales, programas, Apps y otros recursos. Citación de las fuentes.

Tema 4. Métodos de investigación musical. La historiografía musical en el siglo XVIII: Martini, Burney, Hawkins y Forkel. El siglo XIX: Fétis, Ambros y Adler. El nacimiento de la musicología. El siglo XX: etnomusicología, sociología de la música, antropología de la música, las teorías analíticas, el posmodernismo y la new musicology. Campos actuales de la investigación musicológica.

Tema 5. La comunicación científica. Sus elementos: autoría, título, índice temático, tablas y gráficos, citas, notas, fuentes, bibliografía. Tipos y géneros de la comunicación científica escrita. La edición musical: edición facsímil, diplomática, práctica y crítica. La comunicación científica oral. Los géneros administrativos.

Tema 6. El trabajo de investigación musical. Elección y delimitación del tema. Tipo de trabajo y planificación. Estado de la cuestión. La obtención de la información: localización, selección y organización de las fuentes. Bibliografía. Análisis e interpretación de datos. Conclusiones. La memoria escrita: partes y estructura. Redacción y presentación.

Tema 7. Metodologías de investigación en musicológica. Las fuentes de la investigación en musicología. Técnicas y métodos de investigación en musicología.

Tema 8. Reglas de catalogación para monografías: ISBD (M). Área de título y mención de responsabilidad. Área de edición. Área de datos específicos de la clase de documento. Área de publicación, distribución y otras. Área de descripción física. Área de serie. Área de notas. Área del número normalizado y de las condiciones de adquisición.

Tema 9. Reglas de catalogación para música impresa: ISBD (PM). Área de título y mención de responsabilidad. Área de edición. Área de datos específicos de la clase de documento. Área de publicación, distribución y otros. Área de descripción física. Área de serie. Área de notas. Área del número normalizado y de las condiciones de adquisición. Normas internacionales para la catalogación de fuentes musicales históricas: Normas RISM.

Tema 10. Paleografía: definición y objeto. El método paleográfico. La escritura en la Península Ibérica antes de la invasión árabe: escrituras prerromanas. Escritura romana. La escritura visigótico-mozárabe: problemas generales; signos especiales; abreviaturas. La escritura carolina en la Península Ibérica. Problemas generales. La escritura gótica en la Península Ibérica: códices. Las cursivas góticas en Castilla, Aragón y Navarra. La escritura humanística.

Tema 11. La música en Grecia: principios de composición y géneros musicales. La teoría musical. Fundamentos básicos de las armonías o escalas modales. El sistema perfecto. Géneros. El ethos y el pathos musical. Los instrumentos. El pensamiento musical griego: Pitágoras, Platón, Arquitas de Tarento, Aristóteles, Aristoxeno, Ptolomeo y Arístides Quintiliano.

Tema 12. Los tratadistas de transición. Principales teorías expuestas por San Agustín, Marciano Capella, Boecio, Casiodoro, San Isidoro de Sevilla y otros autores.

Tema 13. El canto de la liturgia cristiana primitiva. Desarrollo de las diversas liturgias orientales y occidentales. El rito ambrosiano. El canto visigótico-mozárabe. El rito celta. El rito galicano. El rito romano y gregoriano. Características del canto gregoriano. Esquema litúrgico del canto gregoriano: misa y oficio divino. Formas musicales. Modos eclesiásticos gregorianos. Teorías rítmicas del canto gregoriano. Contenido y estructura del Liber Usualis.

Tema 14. Semiología y paleografía gregoriana. El corte neumático. Notación adiastemática, notación diastemática, notaciones rítmicas, notaciones italianas, notaciones francesas, notaciones alemanas, notaciones alfabéticas y notaciones visigóticas.

Tema 15. La teoría musical en la Edad Media: Alcuino, Aureliano de Reomé, Regino Prumiense, Hucbaldo, Alia Musica, Musica Enchiriadis, Scholia Enchiriadis de Arte Musica, Aribón, Cotton, Guido de Chalis y otros autores.

Tema 16. El Ars antiqua: la polifonía. La escuela de Notre Dame. Formas polifónicas. Los modos rítmicos. La notación prefranconiana. La notación franconiana.

Tema 17. La polifonía en la Península Ibérica. El teatro medieval profano y el teatro sacro: el drama litúrgico, los misterios, los juegos, el Misterio de Elche y la Visitatio Sepulchri de Gandía.

Tema 18. La teoría musical del Ars antiqua: Discantus Positio Vulgaris, Juan de Garlandia, Lamberto, Franco de Colonia, Jerónimo de Moravia, Walter Odington, Anónimo IV, Pedro de la Cruz y otros autores.

Tema 19. El Ars Nova en Francia. La mensuración francesa. Las ligaduras. La imperfección. Notación coloreada y notación negra.

Tema 20. El Ars Nova en Italia. El sistema de notación italiano. Las formas: madrigal, caccia y ballata. La notación mixta. El Ars Subtilior.

Tema 21. La teoría musical del Ars Nova: Marchettus de Padua, Roberto de Handlo, Felipe de Vitry, Juan de Muris, Tunstede, Juan Verulo de Anagnia, Enrique de Zelandia, Felipe Andrea, Teodorico del Campo, Felipe de Caserta, Gil de Murino, Prosdocimo de Beldemandis y otros autores.

Tema 22. La música en la época renacentista. Características generales de la música del Renacimiento. Formas musicales renacentistas. Formas instrumentales. La escuela franco-flamenca. El inicio del Renacimiento francés. La chanson francesa en el siglo XVI. Renacimiento temprano en Italia. El madrigal italiano en el siglo XVI.

Tema 23. La música española en el Renacimiento (religiosa y profana). Las capillas musicales en España. El Renacimiento temprano en Alemania. El lied. La Reforma protestante. El luteranismo y la música. La música de la Contrarreforma.

Tema 24. La notación y la semitonía subintelecta en la música vocal del Renacimiento.

Tema 25. La música instrumental en el Renacimiento. Tablaturas. Interpretación, ornamentación, manuales y tratados teóricos. Instrumentos de tecla. El laúd. Compositores, ediciones e intérpretes de laúd (Italia, Francia, Alemania e Inglaterra). La vihuela en España. Las violas. Instrumentos de viento. Problemas para la interpretación de la música renacentista.

Tema 26. La teoría de la música en el Renacimiento: Ramos de Pareja, Guillermo de Podio, Domingo Marcos Durán, Diego del Puerto, Gonzalo Martínez de Bizcargui, Francisco Tovar, Fray Juan Bermudo, Francisco de Montanos, Francisco Salinas, Tomás de Santa María, Cerone, Zarlino, Glareano y otros autores.

Tema 27. Barroco musical. Aspectos formales y de estilo de la música barroca. La ópera: antecedentes y nacimiento. Las formas vocales barrocas: el oratorio y la pasión; la cantata; el gran motete en Francia; Inglaterra: el anthem.

Tema 28. La notación de la música vocal del Barroco. Ornamentación. Fuentes.

Tema 29. Las formas instrumentales barrocas: la suite, la fuga, la sonata, el concerto grosso y la sinfonía. El Barroco alemán. Tablaturas instrumentales en el Barroco. Los instrumentos, las partituras y la orquestación. El concierto solista. La sonata preclásica y la sinfonía.

Tema 30. El teatro musical español del Barroco. El Auto sacramental. El villancico. La zarzuela. Intentos de ópera. La escuela italiana en la Península Ibérica.

Tema 31. La teoría musical del Barroco español en relación a la teoría europea: Andrés Lorente, Pablo Nassarre, Pere Rabassa, Francesc Valls y otros autores.

Tema 32. La construcción histórica del Preclasicismo y del Clasicismo. Delimitaciones temporales y estilísticas. El Preclasicismo y sus estilos: El estilo galante, el Empfindsamkeit y el Sturm und Drang.

Tema 33. La evolución técnica y material de los instrumentos en el Clasicismo. El surgimiento del pianoforte y la música para el teclado. Los instrumentos y su distribución en la nueva orquesta clásica. El concepto de concierto público.

Tema 34. El Preclasicismo y el Clasicismo en España. Domenico Scarlatti, Antonio Soler, Luigi Boccherini, Manuel Canales, Juan Crisóstomo Arriaga. La influencia de Haydn y la circulación de música europea en España.

Tema 35. Las nuevas formas y géneros musicales del Clasicismo. La forma sonata y su evolución. La sonata a solo y a trío. El cuarteto de cuerda. El contexto, forma y movimientos de la sinfonía. Consideraciones de notación y de edición en el s. XVIII.

Tema 36. Los tratados musicales en el s. XVIII y las primeras historias de la música. Mattheson, Quantz, C.P.E. Bach, L. Mozart, Rousseau, Eximeno, Antonio Soler.

Tema 37. El Clasicismo musical. Particularidades de la notación musical. La ópera en el Clasicismo. La forma sonata. La sinfonía clásica. El concierto para solista en el Clasicismo. La orquesta clásica. La música de cámara.

Tema 38. La ópera en el siglo XIX: La ópera alemana. La ópera italiana. La ópera francesa. El verismo. El Gesamtkunstwerk de Wagner y nuevas cuestiones formales. La idee fixe y el Leitmotiv. Los géneros líricos en España. La tonadilla escénica, el sainete y la zarzuela. La ópera nacional.

Tema 39. Técnicas orquestales del Romanticismo. La música del porvenir –Berlioz, Liszt y Wagner. Los primeros tratados de orquestación. Nuevos recursos orquestales y formales. Nuevos instrumentos y mejoras técnicas. La nueva música programática y el poema sinfónico. El Nacionalismo en los géneros sinfónicos.

Tema 40. Nuevos géneros musicales en el Romanticismo. El Lied y la importancia de la literatura. El declive de la forma sonata y los nuevos géneros instrumentales: baladas, nocturnos y otros. Nuevos instrumentos y el impacto del virtuosismo.

Tema 41. El Romanticismo en España. Las desamortizaciones y la desaparición de las capillas musicales. La aparición del Real Conservatorio. Los músicos exiliados. Recursos para el estudio de la música española del s. XIX. La música de cámara y el sinfonismo del s. XIX en España.

Tema 42. El Nacionalismo musical en España.

Tema 43. Impresionismo y Expresionismo. Cromatismo y ampliación de la tonalidad en el s. XX. La búsqueda de nuevos recursos armónicos. Modalidad y escalas sintéticas. Polimodalidad. Atonalidad. Bartók y los nuevos recursos tomados del folklore.

Tema 44. Neoclasicismo frente a Dodecafonismo. La polémica Stravinsky-Schönberg. Serialismo y serialismo integral. Nuevas aportaciones rítmicas. Messiaen.

Tema 45. Música aleatoria e indeterminada. Cage, Boulez. Música concreta y música electrónica. Stockhausen, Xenakis. Músicas texturales. Ligeti. El minimalismo y la cultura pop.

Tema 46. Las nuevas tecnologías. El tone cluster, el ruido, y la música textural. Nuevas técnicas de instrumentación e interpretación. Música espectral. Música gestual. Paisajes sonoros y biomúsica. Nuevas tendencias del s. XXI.

Tema 47. La notación musical en el s. XX. El problema de la «partitura». Nuevas notaciones gráficas para técnicas extendidas, música electrónica y conceptos aleatorios.

Tema 48. España en el s. XX. Nacionalismos, neoclasicismos y nuevas direcciones a partir de Falla. El Grupo de los ocho. Los compositores de la segunda mitad del siglo: Serialismo, música experimental y nuevas tendencias. El siglo XXI y las nuevas generaciones.

Tema 49. La estética musical de la antigua Grecia: el periodo arcaico, el periodo Clásico, el periodo helenístico. La estética medieval: alta Edad media, baja Edad media. La estética del Ars nova. La estética del Renacimiento. La estética del Barroco.

Tema 50. La estética musical del siglo XVIII: Racionalismo, Ilustración e idealismo musical. Aproximación kantiana. La estética del Romanticismo: sublimación, metafísica, formalismo. La estética de los siglos XX-XXI: teorías de deshumanización, fenomenología, estética sociológica, deconstrucción, semiología, nuevo humanismo, ciencias cognitivas.

Tema 51. La Etnomusicología. Metodología de la investigación etnomusicológica. Etapas de la investigación. Fases. Planteamiento. Preparación. Documentación. Manejo de fuentes. Transcripciones. Grabaciones. La música tradicional. Principales formas musicales en la canción tradicional española. Ciclo de Navidad, ciclo de Carnaval y Cuaresma, canciones de Cuaresma y Semana Santa, canciones de mayo y otras. Bailes y danzas. El flamenco.

Tema 52. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y el aprendizaje de la musicología. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 53. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 54. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 55. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 56. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas

Tema 57. Coordinación e interrelación de las enseñanzas superiores de música con las enseñanzas profesionales de música.

Oboe

Tema 1. Historia y evolución del oboe: orígenes y predecesores del oboe moderno. Mecanización del oboe desde el siglo XVIII.

Tema 2. El oboe moderno: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Elaboración, selección y retoque de las cañas.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Instrumentos de la familia del oboe: Descripción de sus características constructivas y sonoras. Criterios didácticos para la selección de repertorio y la técnica en los estudios superiores. Bibliografía especializada.

Tema 5. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 6. La técnica del oboe: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general del oboe. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.

Tema 7. La técnica interpretativa del oboe en la música contemporánea: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos. Fórmulas de escritura propias del instrumento.

Tema 8. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. La escuela española.

Tema 9. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el oboe. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para oboe del Barroco. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para oboe del Clasicismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para oboe del Romanticismo, Posromanticismo, Nacionalismo e Impresionismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para oboe desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. El oboe en la música de cámara. Función y evolución en las diferentes formaciones camerísticas a lo largo de la historia. Repertorio.

Tema 15. El oboe en la orquesta y en la banda. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio para orquesta, banda y solista de la familia del oboe. Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal en el aula.

Tema 16. La música de cámara en las superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 17. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 18. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 19. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 20. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 21. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 22. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 23. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 24. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 25. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 26. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 28. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 29. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Órgano

Tema 1. Historia y evolución del órgano: orígenes y predecesores del órgano. Diferencias entre las diversas escuelas de construcción organística en Europa.

Tema 2. El órgano actual: descripción de sus características constructivas. Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Mantenimiento y conservación. Configuración del teclado y el pedalero. Uso de los acoplamientos. Nuevas tecnologías aplicadas al instrumento.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido de los tubos sonoros y características específicas: Características tímbricas de los diferentes registros y elementos constitutivos de su factura. Diversas mecánicas de registros.

Tema 4. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica del órgano. Manera de sentarse, posición del cuerpo en general y de las manos sobre el teclado.

Tema 5. La técnica del órgano: principios fundamentales. Principios fundamentales del toque organístico. Diferentes sistemas de transmisión de los teclados y problemas derivados de los mismos. La articulación como medio de expresión.

Tema 6. La técnica del órgano: conceptos básicos. La digitación en el órgano. Criterios para la utilización de las digitaciones y pedalizaciones según el repertorio. Estudio comparativo de las diferentes concepciones teóricas, estéticas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y tratados de contenido pedagógico específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el órgano. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 9. Historia del movimiento de recuperación de la música antigua. Fuentes teóricas y criterios actuales relativos a la interpretación en las distintas épocas. Principios y criterios de la interpretación histórica.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para tecla desde la Edad Media hasta el siglo XVI. Semitonía y música ficta. Proporciones rítmicas Formas musicales características de la Edad Media y el Renacimiento. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para órgano del siglo XVII y XVIII. La registración en las diferentes formas organísticas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para órgano del siglo XIX y XX. La registración en las diferentes formas organísticas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. El órgano como instrumento de continuo. Bajo continuo: tratados y documentos alusivos a su práctica. La relación entre el bajo continuo y la improvisación.

Tema 14. El órgano en la música de cámara. Características del repertorio para música de cámara con órgano. El órgano como instrumento integrante de la orquesta Repertorio organístico en la música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas (dúo, trío, cuarteto y otras).

Tema 15. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 16. La improvisación organística: orígenes, historia y evolución. Principios, procedimientos y recursos. La improvisación en las diferentes diferentes épocas en relación a su estética y estilos históricos; y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación organística en la enseñanza superior.

Tema 17. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 18. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 19. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 20. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 21. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 22. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 23. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 24. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 25. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 26. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Pedagogía

Tema 1. El desarrollo en la infancia (0-7 años): desarrollo físico, lingüístico, mental, afectivo, social y musical. Implicaciones educativas.

Tema 2. El desarrollo en la niñez (7-12 años): desarrollo físico, lingüístico, cognitivo, psicológico, afectivo, social y musical. Implicaciones educativas.

Tema 3. El desarrollo en la adolescencia (12-18 años): desarrollo físico, cognitivo, psicológico, afectivo, social y musical. Implicaciones educativas.

Tema 4. El desarrollo en la juventud y edad adulta (18 años en adelante): desarrollo físico, cognitivo, psicológico, afectivo, social y musical. Implicaciones educativas.

Tema 5. La enseñanza y aprendizaje de la música: procesos pedagógicos de las teorías de la enseñanza y del aprendizaje. Principios psicopedagógicos de intervención educativa. La personalización de los procesos de enseñanza-aprendizaje musical.

Tema 6. Factores intrapersonales del aprendizaje musical: inteligencia-talento. Estrategias de aprendizaje y gestión del propio conocimiento. Autonomía y eficiencia en el estudio. Motivación y actitudes del alumno.

Tema 7. El proceso de enseñanza y aprendizaje musical como proceso de interacción y construcción social. La construcción de la inteligencia y de la personalidad en la integración social. La influencia de los contextos. El papel mediador del profesor.

Tema 8. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios de pedagogía. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 9. La creatividad: naturaleza y fases. Historia de los estudios sobre creatividad. Creatividad y currículo. La creatividad musical. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo musical: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Actividades para fomentar la creatividad en el aula

Tema 10. La música en la enseñanza general. Fines. Currículo: objetivos y competencias, contenidos, estrategias metodológicas y evaluación. Recursos didácticos. Estructura y organización de estas enseñanzas.

Tema 11. Las enseñanzas elementales de música. Fines. Currículo: objetivos y competencias, contenidos, estrategias metodológicas y evaluación. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. Didáctica de los estudios de música en las enseñanzas elementales. Didáctica del Lenguaje musical.

Tema 12. Las enseñanzas profesionales de música. Fines. Currículo: objetivos y competencias, contenidos, estrategias metodológicas y evaluación. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. Didáctica de los estudios de música en las enseñanzas profesionales.

Tema 13. Las enseñanzas superiores de música. Fines, estructura, currículo y organización. Didáctica de los estudios de música en las enseñanzas superiores.

Tema 14. Enseñanza no reglada: Escuelas de Música: fines, organización y currículo. Ámbitos no formal e informal de educación musical e implicaciones educativas.

Tema 15. Diseño del currículo como herramienta de planificación, desarrollo y evaluación del proceso educativo en la enseñanza especializada de la música. La Programación. Elaboración, aplicación y evaluación de unidades didácticas. Planificación del proceso didáctico.

Tema 16. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 17. Principios y modelos generales de evaluación en educación. Fines y tipos de evaluación. Metodología e instrumentos de evaluación. Criterios de evaluación. Evaluación del aprendizaje musical: evaluación de los procesos y de los resultados de aprendizaje en los alumnos. Evaluación de las competencias adquiridas por el alumno de música.

Tema 18. La práctica educativa como relación personal y como práctica técnica y científica. La persona del educador, la tecnología educativa y los medios didácticos en la enseñanza de la música.

Tema 19. Organización de los centros educativos. Autonomía de los centros. Funciones de los órganos de gobierno y órganos de coordinación docente. Mejora, calidad y evaluación.

Tema 20. La función tutorial en las enseñanzas de música. Recursos psicopedagógicos para el desarrollo de esta función. El Plan de acción tutorial.

Tema 21. La orientación del alumno de música. La adaptación al medio educativo. Organización y modos de trabajo en el aula. Dinámicas de grupo. El alumno con necesidades educativas especiales: organización, funcionamiento, adaptaciones curriculares. El conflicto, conflictividad escolar, análisis e intervención.

Tema 22. Experimentación e innovación educativa. Estrategias y dificultades en la introducción y la difusión de innovaciones educativas en la enseñanza de la música.

Tema 23. La investigación musical: Teorías, modelos y métodos. Autores relevantes y principales aportaciones. Aplicación al aula.

Tema 24. La investigación educativa. El profesor de música como investigador de su propia práctica. Principios y métodos de la investigación cuantitativa y cualitativa.

Tema 25. Metodologías y técnicas de investigación en música. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación en música para el desarrollo de un criterio autónomo, artístico y pedagógico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 26. La enseñanza musical en la historia: principales aportaciones desde Guido D’Arezzo hasta 1800. Fuentes históricas y tratados

Tema 27. La enseñanza musical en los siglos XIX-XXI. Aportaciones de los principales pedagogos. Principios fundamentales de las distintas metodologías y corrientes pedagógicas en educación musical. Instituciones de enseñanza musical.

Tema 28. Creación y desarrollo de los conservatorios de música en España. Legislación referida a la educación musical en España desde el siglo XIX.

Tema 29. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 30. La práctica pedagógica. Fines. Organización. Funciones de los elementos personales implicados. Fundamentos generales de la pedagogía instrumental, vocal y del lenguaje musical.

Tema 31. Principales teorías sobre la organización de la música. Conocimiento de los fundamentos y la estructura del lenguaje musical. Análisis. Aplicación a la práctica pedagógica.

Tema 32. La educación auditiva. Diseño de estrategias específicas para su enseñanza-aprendizaje. Recursos y materiales didácticos.

Tema 33. La educación vocal. Diseño de estrategias específicas para su enseñanza-aprendizaje. Recursos y materiales didácticos.

Tema 34. La formación rítmica. Diseño de estrategias específicas para la enseñanza-aprendizaje. Recursos y materiales didácticos.

Tema 35. Profesionalización del Pedagogo en Música. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 36. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y aprendizaje musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 37. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 38. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Percusión

Tema 1. Historia y evolución de los instrumentos de percusión: orígenes y predecesores de la percusión moderna.

Tema 2. Los timbales: descripción de sus características constructivas. Diversos procedimientos para su afinación. Principios físicos de la producción del sonido en las membranas.

Tema 3. La caja: descripción de las características constructivas de los distintos tipos. Principios físicos de la producción del sonido en las membranas.

Tema 4. Instrumentos de láminas: descripción de sus características constructivas. Especificidad de los diversos instrumentos de esta familia. Principios físicos de la producción del sonido en las láminas.

Tema 5. Bombo, gongs, campanas, diversas modalidades de platos. Instrumentos de pequeña percusión. Instrumentos latinoamericanos.

Tema 6. La batería: elementos constitutivos. Evolución.

Tema 7. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes, en relación con la técnica de los instrumentos de percusión. Técnicas corporales aplicadas a los instrumentos de percusión. Control de la tensión muscular a través de una buena postura.

Tema 8. La técnica de los instrumentos de percusión. La técnica básica de timbales. Las diferentes técnicas de caja, redoble y mordentes. Técnica básica de láminas, utilización de dos, tres y cuatro baquetas. Técnica básica del bombo, del gong, de las campanas, de los platos y de la pequeña percusión. Técnicas específicas de los instrumentos latinoamericanos. Técnica específica de la batería.

Tema 9. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos de los instrumentos de percusión. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. La escuela española.

Tema 10. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la percusión. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 11. Los instrumentos de percusión en las diferentes culturas del mundo. Instrumentos de percusión de las principales tradiciones musicales del mundo. Conocimiento de las técnicas de estos instrumentos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio occidental para percusión del Renacimiento, el Barroco y el Clasicismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para percusión del Romanticismo, Posromanticismo e Impresionismo. Aparición de instrumentos autóctonos en las escuelas nacionalistas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para percusión de la primera mitad del siglo XX. Escuela de Viena, Bartók, Stravinsky, Varèse y otros maestros. Aportación de los compositores iberoamericanos. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para percusión desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Nuevos recursos compositivos formales y de notación. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 16. La percusión en la música de cámara. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas.

Tema 17. La percusión en la orquesta y en la banda. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio para orquesta, banda y solista de la familia de percusión. Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal en el aula.

Tema 18. La percusión en el jazz. Influencia del jazz dentro del repertorio clásico de percusión de la primera y segunda mitad del siglo XX. Características del repertorio y su interpretación.

Tema 19. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 20. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica de los instrumentos de percusión.

Tema 21. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 22. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 23. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 24. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 25. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios de los instrumentos de percusión. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 26. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 27. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias,el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 28. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 29. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 30. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 31. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Piano

Tema 1. Historia general del piano: orígenes y antecedentes del piano. Evolución histórica desde comienzos del siglo XVIII.

Tema 2. El piano actual: descripción de sus características constructivas y de sonoridad. Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Mantenimiento y conservación.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en las cuerdas percutidas: fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. La influencia de los pedales en la sonoridad pianística.

Tema 4. Técnicas de concienciación corporal aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones; movimientos y combinaciones de movimientos que de ellos se derivan.

Tema 5. La digitación en el piano. Criterios sobre digitación a través de las diferentes épocas y estilos.

Tema 6. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos de los instrumentos de teclado, desde el clavicémbalo y el clavicordio hasta el fortepiano y el piano del siglo XIX. Estudio comparativo de las concepciones teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. Aportación al desarrollo de la técnica de los grandes instrumentistas y pedagogos a través de la historia.

Tema 7. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para piano.

Tema 8. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio del clavicémbalo, el clavicordio y el fortepiano a lo largo del siglo XVIII. Maestros de transición al Clasicismo. Los clavecinistas españoles. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para teclado del Clasicismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio pianístico de los maestros de la transición al Romanticismo: Beethoven, Schubert y otros. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio pianístico en el siglo XIX. Los grandes compositores románticos: Chopin y Liszt. Características de interpretación de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio pianístico en el siglo XIX. Los grandes compositores románticos: Mendelssohn, Schumann y Brahms. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio pianístico del Posromanticismo: las escuelas nacionales y su aportación a la literatura pianística a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX y comienzos del XX. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio pianístico de la música rusa entre dos siglos: Rachmaninov y Scriabin. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio pianístico de la música francesa entre dos siglos: Fauré, Debussy, el Impresionismo, Ravel y otros. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 16. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio pianístico de la música española entre dos siglos: Albéniz, Granados, Falla, Turina y otros. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 17. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio pianístico de los clásicos del piano moderno: Stravinsky, Bartók, Prokofieff, Hindemith, Shostakovich y otros. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 18. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio pianístico de la música iberoamericana: Villa-lobos, Chávez, Ginastera, Lecuona y otros.

Tema 19. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio pianístico de la moderna escuela de Viena y su influencia en el piano contemporáneo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 20. Características, referidas a la evolución del estilo y la escritura instrumental, del repertorio pianístico después de 1950. Principales tendencias y compositores. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 21. Características, referidas a la evolución del estilo y la escritura instrumental, del repertorio pianístico español después de 1950. Principales tendencias, compositores y repertorio. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 22. Características, referidas a la evolución del estilo y la escritura instrumental del repertorio pianístico para dos pianos y piano a cuatro manos.

Tema 23. El piano en la música de cámara. Características del repertorio para música de cámara con piano. Función y evolución en las diferentes formaciones camerísticas a lo largo de la historia y su repertorio. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos y métodos de trabajo.

Tema 24. Principios fundamentales en la composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 25. El piano como solista en la orquesta. El piano como instrumento orquestal. Repertorio adecuado a las enseñanzas superiores.

Tema 26. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 27. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales. Transcripción y corrientes de interpretación histórica.

Tema 28. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 29. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 30. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 31. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 32. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 33. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 34. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 35. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 36. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 37. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 38. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Repertorio con piano para instrumentos

Tema 1. El piano: Características acústicas. Principios físicos de la producción del sonido en las cuerdas percutidas: fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. La influencia de los pedales en la sonoridad pianística y de conjunto.

Tema 2. Los instrumentos de cuerda: organología, morfología, características acústicas, principios físicos de la producción del sonido. Principales dificultades técnicas. Resolución de los problemas de equilibrio derivados de las diferencias acústicas con el piano.

Tema 3. Los instrumentos de viento: organología, morfología, características acústicas, principios físicos de la producción del sonido. Principales dificultades técnicas. Resolución de los problemas de equilibrio derivados de las diferencias acústicas con el piano.

Tema 4. Los instrumentos de percusión: organología, morfología, características acústicas, principios físicos de la producción del sonido. Principales dificultades técnicas. Resolución de los problemas de equilibrio derivados de las diferencias acústicas con el piano.

Tema 5. Técnicas de concienciación corporal aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones; movimientos y combinaciones de movimientos que de ellos se derivan.

Tema 6. Planteamiento pedagógico y metodológico de la asignatura de repertorio con piano para instrumentos en las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 7. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. La transcripción de obras para solista y orquesta.

Tema 8. El repertorio con piano para los instrumentos de cuerda en el Barroco y en el Clasicismo. Características y función del piano dentro de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 9. El repertorio con piano para los instrumentos de cuerda en el Romanticismo. Características y función del piano dentro de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 10. El repertorio con piano para los instrumentos de cuerda en los Siglos XX y XXI. Características y función del piano dentro de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 11. El repertorio con piano para los instrumentos de viento madera en el Barroco y en el Clasicismo. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 12. El repertorio con piano para los instrumentos de viento madera en el Romanticismo. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 13. El repertorio con piano para los instrumentos de viento madera en los siglos XX y XXI. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 14. El repertorio con piano para los instrumentos de viento metal en el Barroco y en el Clasicismo. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 15. El repertorio con piano para los instrumentos de viento metal en el Romanticismo. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 16. El repertorio con piano para los instrumentos de viento metal en el siglo XX y el XXI. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 17. El repertorio con piano para los instrumentos de percusión. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, de este repertorio. Criterios interpretativos.

Tema 18. La unidad sonora: respiración, ataque, vibrato, golpes de arco, afinación, timbre, ritmo, fraseo y articulación.

Tema 19. Agógica y dinámica. La consecución de la unidad sonora a través del gesto. Comunicación gestual y su didáctica.

Tema 20. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 21. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 22. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 23. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 24. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 25. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 26. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 28. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 29. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Repertorio con piano para voz

Tema 1. El piano: Características acústicas. Principios físicos de la producción del sonido en las cuerdas percutidas: fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. La influencia de los pedales en la sonoridad pianística y de conjunto.

Tema 2. La voz. Características generales, criterios de clasificación. Clasificación de cada tipo de voz considerando todas las derivaciones según color, extensión y volumen. Repertorio específico de cada tipo vocal.

Tema 3. La fonética aplicada al canto. Características de los idiomas aplicados al canto. Pronunciación y fonética de los idiomas más empleados: alemán, francés, inglés e italiano. Articulación y dicción.

Tema 4. Relación entre el texto poético y la música en el repertorio vocal. Articulación y dicción. Tratamiento vocal del texto: evolución a lo largo de la historia de la prosodia musical.

Tema 5. La canción en Alemania: el Lied. Características del repertorio para voz en la canción alemana referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Historia y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 6. La canción en Francia: la mélodie. Características del repertorio para voz en la canción francesa referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Historia y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 7. La canción española. Características, del repertorio para voz en la canción de España e Hispanoamérica, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Historia y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 8. La canción en otros idiomas diferentes al alemán, el francés y el español. Características del repertorio para voz en la canción en los diferentes idiomas referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Historia y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 9. El primer barroco. Características del repertorio para voz en el primer barroco referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. El melodrama. El nacimiento de la ópera. Criterios interpretativos.

Tema 10. La ópera en el barroco medio y tardío. Características, del repertorio para voz en el barroco medio y tardío, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 11. La ópera en el periodo clásico. Características, del repertorio para voz en el periodo clásico, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 12. El nacimiento de la ópera romántica en Alemana y su desarrollo posterior. Características del repertorio para voz en la ópera romántica en Alemania referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 13. El belcantismo italiano. Características del repertorio para voz en el bel canto italiano referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 14. La ópera italiana posterior al bel canto. Características del repertorio para voz en la ópera italiana posterior al bel canto referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 15. La ópera francesa y de otros países. Características del repertorio para voz en la ópera francesa y de otros países, referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 16. La ópera en el siglo XX. Características del repertorio para voz en la ópera del siglo XX referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 17. El recitativo. Características del repertorio para voz en el recitativo referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y criterios interpretativos.

Tema 18. El repertorio lírico español. Características del repertorio para voz en la tonadilla, la zarzuela y la ópera referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y repertorio más representativo. Criterios interpretativos.

Tema 19. El oratorio barroco. Características del repertorio para voz en el oratorio barroco referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y criterios interpretativos.

Tema 20. El oratorio a partir del periodo clásico. Características del repertorio para voz en el oratorio desde el clasicismo hasta la actualidad referidas a la evolución del estilo y de la escritura vocal. Características estilísticas y criterios interpretativos.

Tema 21. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 22. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 23. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 24. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 25. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 26. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 28. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 29. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Saxofón

Tema 1. Historia y evolución del saxofón: perfil biográfico de Adolphe Sax como constructor de instrumentos e inventor del saxofón. La familia del saxofón.

Tema 2. El saxofón moderno: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Diferentes tipos de saxofón: características constructivas y de sonoridad.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 5. La técnica del saxofón: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general del saxofón. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, la lengua, los labios y de otros elementos.

Tema 6. La técnica interpretativa del saxofón en la música contemporánea: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos. Fórmulas de escritura propias del instrumento.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el saxofón. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio del saxofón del Posromanticismo y el Impresionismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio del saxofón de la primera mitad del siglo XX. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio del saxofón desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. El saxofón en la música de cámara. Función y evolución en las diferentes formaciones camerísticas a lo largo de la historia. Repertorio.

Tema 13. El saxofón en la orquesta y en la banda. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio para orquesta, banda y solista de la familia del saxofón. Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal y de banda en el aula.

Tema 14. El saxofón en el jazz. Características del repertorio y su interpretación.

Tema 15. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 16. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 17. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 18. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 19. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 20. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 21. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 22. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 23. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 24. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 25. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 27. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 28. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Teclados/piano jazz

Tema 1. Antecedentes del piano: evolución histórica desde sus inicios hasta nuestros días. El piano actual: descripción de sus características constructivas: Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento. Toma de contacto con el instrumento. Descripción de sus partes.

Tema 2. Principales instrumentos de teclado: órgano Hammond, Fender Rhodes, sintetizadores y piano digital. Antecedentes y evolución histórica. Descripción de sus características constructivas. Funcionamiento de los elementos constitutivos de su mecánica/electrónica. Descripción de sus partes. Características sonoras.

Tema 3. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración mental, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes, en relación con la técnica pianística. Principios elementales de la técnica pianística. Descripción de las funciones básicas correspondientes a los distintos segmentos del brazo y sus articulaciones, movimientos y combinaciones de movimientos que de ellos se derivan.

Tema 4. La técnica del piano jazz: Conceptos fundamentales. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes pianistas y pedagogos jazzísticos. Evolución y estudio comparativo de las diferentes escuelas.

Tema 5. La literatura didáctica: los diferentes métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el piano/teclados en el jazz. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de los distintos aspectos de la técnica. Bibliografía especializada relacionada con el piano/teclados en el jazz y su didáctica. Criterios didácticos para la selección de repertorio de piano/teclado jazz en los estudios musicales superiores.

Tema 6. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para piano de los años 1920-30. El stride. Características de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 7. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para piano de la década de 1940. El bebop. Características de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 8. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para piano de la década de 1950. El cool. Rearmonización e improvisación interactiva. Poliacordes. Block chords. Características de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para piano de la década de 1950. El hard-bop. El piano jazz en España. Características de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para piano de la década de 1960. El jazz modal, el free jazz y el jazz de vanguardia. Características de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para piano/teclados de la década de 1970. Fusiones con otros estilos y transición hacia nuevos instrumentos de teclado. Características de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para piano/teclados de la década de 1980. Jazz Rock. Características de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para piano/teclados de la década de 1990. Nueva generación de pianistas/teclistas y jazz moderno. Características de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos.

Tema 14. Características del repertorio para piano en diversas formaciones instrumentales: cuartetos, quintetos, sextetos, Big Band y otras.

Tema 15. Características del repertorio para trío con piano. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Características del repertorio y de su interpretación.

Tema 16. El piano como instrumento acompañante. Dúos con voz. Líneas de bajo. Características del repertorio y de su interpretación.

Tema 17. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de piano y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 18. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 19. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 20. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 21. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, improvisación, composición, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 22. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 23. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 24. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 25. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 26. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos didácticos. Planificación, evaluación, orientación, y otros elementos relevantes.

Tema 28. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 29. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tecnología musical

Tema 1. Introducción a la Acústica. El sonido: el fenómeno físico-acústico. Las cualidades del sonido. El fenómeno físico-armónico y la serie armónica. Movimiento vibratorio complejo: Teorema de Fourier. Espectro sonoro. Pulsaciones.

Tema 2. Resonancia y resonadores. La resonancia: definición, características, tipos y propiedades. Tipos de resonadores. Onda estacionaria y armónicos. Resonancia en cuerdas. Resonancia en placas, membranas y tubos. Funcionamiento y propiedades. Modos resonantes.

Tema 3. La frecuencia y el tono. Sonido y ruido. Gama de frecuencias. Filtros de frecuencia. La intensidad sonora. Potencia y presión acústica. El sonómetro.

Tema 4. Psicoacústica. El decibelio. Percepción sonora. El sistema auditivo. El sentido del oído. Los mecanismos de audición. Estructura y funcionamiento del oído. Sensación sonora. Sensibilidad del oído. Efecto Doppler. Umbrales de audición. Bandas críticas. Superposición sonora. Interferencias. Puntos negros. Enmascaramiento. Escucha binaural.

Tema 5. Acústica de salas. Fundamentos para la sonorización: Reflexión, refracción y difracción. Acústica de entornos: dispersión y absorción. Campos acústicos. Niveles acústicos. Eco y reverberación. Tiempo de reverberación. Cualidades acústicas de una sala. Simulación y diseño acústico de salas.

Tema 6. Los sistemas de afinación y temperamentos. Clasificación. Breve historia de los sistemas de afinación y temperamentos. Sistemas de notación. Teorías de la consonancia y disonancia. Construcción de escalas. Cálculo de intervalos: razones y cents. Comparación de intervalos.

Tema 7. Los instrumentos de cuerda. Características. Desarrollo histórico. Rangos de frecuencia. Grabación de instrumentos.

Tema 8. Los instrumentos de viento. Características. Desarrollo histórico. Rangos de frecuencia. Grabación de instrumentos.

Tema 9. Los instrumentos de percusión. Características. Desarrollo histórico. Rangos de frecuencia. Grabación de instrumentos.

Tema 10. La voz hablada y cantada. Anatomía y fisiología del aparato fonador. Sistema acústico. Dinámica fonatoria. Categorías de la voz. La grabación de la voz.

Tema 11. Microfonía. Tipos y funciones. Conexiones analógicas y digitales. Tipos de protocolos de grabación. Tipos de conectores. Tomas de sonido. Grabación analógica y digital.

Tema 12. Mesas de mezclas. Filtros y Ecualizadores. Tipos y utilización.

Tema 13. Dispositivos de procesamiento de sonido: compresores, limitadores, puertas de ruido, etapas de potencia, procesadores de efectos, altavoces. Montaje de equipos.

Tema 14. Características y propiedades del audio analógico y digital. Formatos de audio. Sistema binario. Profundidad en bits. Frecuencia de Muestreo. Formatos típicos.

Tema 15. Software de grabación digital: DAW. Instrumentos virtuales. Su implementación en la cadena de grabación digital. Librerías y bancos de sonidos.

Tema 16. El sistema MIDI. Protocolo de comunicación. Tipos de eventos. GM. Controladores MIDI, tipos y funciones.

Tema 17. Introducción a los sintetizadores. Las fuentes de modulación en los sintetizadores: LFOs y envolventes. Otros sistemas de síntesis: aditiva, sustractiva, FM, granular y otras. Los samplers.

Tema 18. El ordenador. Orígenes e historia. Su evolución. El ordenador personal. El ordenador como instrumento musical.

Tema 19. Informática musical: editores de partituras y otro software dirigido a la edición musical. Técnicas informáticas de notación de música antigua, de música tradicional, de música moderna (jazz) y de música contemporánea.

Tema 20. Análisis espectral del sonido: espectro acústico. El análisis del sonido grabado. Representaciones gráficas. Paradojas sonoras. Parámetros. Fases del sonido. Otras cualidades sonoras. Análisis espectrográfico de obras musicales. Evolución y características morfológicas de la altura, de la intensidad y del tempo.

Tema 21. Historia de la música electroacústica: orígenes y escuelas. Principales autores. Música Concreta, Electrónica, Estocástica, Paisajes Sonoros, Arte Sonoro y otras manifestaciones artísticas.

Tema 22. Música electroacústica: música electroacústica pura, electroacústica mixta, electroacústica con transformación en tiempo real (Real Time).

Tema 23. Software multipista como herramienta de composición, utilización de librerías y plug-ins. Tarjetas de sonido y sus posibilidades según tipología. Mezcla y mastering final de la obra.

Tema 24. Lenguajes orientados al objeto para la programación musical. MAX-MSP. Objetos de MAX. Implementación de Audio y MIDI. Implementación de video, Jitter. Otros lenguajes.

Tema 25. Parámetros de construcción de la obra electroacústica: el timbre, macroforma y microforma, la intensidad, el tempo, la estructura, la espacialidad y el movimiento del sonido. Síntesis versus sampling.

Tema 26. Composición con instrumentos acústicos: electroacústica mixta. Composición electroacústica con transformación en tiempo real (Real Time). Sistemas de control para interpretación de la música electrónica en vivo.

Tema 27. Composición para medios audiovisuales: cine, video, videojuegos. Música y géneros audiovisuales. Comunicación audiovisual: aspectos generales. Breve historia de la música de cine.

Tema 28. Parámetros de análisis de la imagen y significado de la imagen aplicados a la creación musical. Formatos de la imagen. Composición. Tipos de plano. La iluminación. El movimiento de la cámara. Montaje. Implicaciones narrativas de estos elementos en relación con la música.

Tema 29. Sincronización música e imagen. Conceptos generales. Tipos de sincronía. Códigos de tiempo. Sistemas clásicos de sincronización música-imagen. Técnicas actuales de sincronización mediante herramientas informáticas. La grabación, mezcla, masterización y posterior sincronización de la música para imagen.

Tema 30. Parámetros de análisis del sonido, de la música y de su significado aplicados a la creación musical. Elementos de la banda sonora. Aspectos técnicos: sistemas multicanal. La voz en el cine: los diálogos. La banda de ruidos. Interacción de la música con diálogos y ruidos. La música audiovisual: funciones básicas.

Tema 31. Sistemas de espacialización multicanal: historia de su evolución relacionada con el desarrollo cinematográfico. Formatos típicos de espacialización. Técnicas de movimiento espacial.

Tema 32. La Multimedia. Organización, gestión y creación de eventos y espectáculos. Los instrumentos, la creación musical y otras artes. Contextos interdisciplinares.

Tema 33. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 34. Interdisciplinariedad en los estudios superiores del instrumento. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 35. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las Enseñanzas Artísticas Superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 36. Metodologías y técnicas de investigación en música. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 37. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tenora i tible

Tema 1. Definición de los instrumentos y su ubicación dentro de la clasificación general de los instrumentos musicales. El instrumento moderno: descripción y nomenclatura de los elementos que lo componen. Terminología académica, popular e histórica de ambos instrumentos. Notación actual. Propagación geográfica. Historia de la extensión de la amplitud de tesitura. Madera principal de fabricación del instrumento. Conservación y mantenimiento.

Tema 2. Las chirimías predecesoras de la tenora y el tible, sus orígenes y su evolución geográfica e histórica. Características específicas de la tenora y el tible: concomitancias y diferencias con el oboe. Evolución de la mecánica.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en el tubo cónico de la tenora y el tible. El comportamiento acústico del tudel y la lengüeta. Sonidos fundamentales y sonidos armónicos: su aplicación a los distintos registros o ámbitos sonoros de la tenora y el tible. Interrelación entre dinámica, afinación y vibrato. Descripción de los diversos tipos de vibrato y su influencia en el sonido y en la afinación. El sonido llano y la afinación en sección orquestal. Características específicas de la tenora y características específicas del tible.

Tema 4. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de la tenora y el tible. La respiración musical: tipos, conceptos y ejercicios.

Tema 5. La técnica de la tenora y el tible: principios elementales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de la tenora y el tible. Cuestiones relativas a la embocadura y la emisión del sonido.

Tema 6. Posiciones reales y posiciones auxiliares: nomenclatura y empleo. Diferentes tipos de ataque y de articulación. Utilización de la lengua y de la apertura del cuello. Otros recursos técnicos y expresivos. Conocimiento del proceso de construcción, selección y manipulación de las lengüetas.

Tema 7. Evolución y estudio comparativo de las diferentes escuelas a nivel teórico y técnico de la pedagogía y la interpretación aplicada a la tenora y el tible como fundamento de la escuela moderna. Aportación al desarrollo de la técnica moderna y al fraseo musical de los grandes intérpretes y pedagogos a lo largo de la historia.

Tema 8. Los primeros métodos y colecciones de estudios y ejercicios para la tenora y el tible. Valoración de su utilidad para el conocimiento y el aprendizaje de las distintas técnicas. Los métodos editados en el siglo XX para tenora y tible, su importancia y trascendencia. La metodología y la didáctica moderna para la tenora y el tible: obras editadas actualmente para tal fin. Adaptación para la tenora y el tible de material didáctico proveniente de otros instrumentos.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, en el repertorio de música para cobla en el siglo XIX y principios del siglo XX. Los solos de tenora y tible en dicha época.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, en las sardanas y obras de concierto para cobla en la primera mitad del siglo XX. La tenora como instrumento sinfónico, su nacimiento y evolución en estas décadas. Compositores y obras de referencia.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, en las sardanas y obras de concierto para cobla en la segunda mitad del siglo XX y en la actualidad. Compositores y obras de referencia.

Tema 12. Características de los solos en las sardanas de autores populares a lo largo de la historia hasta hoy.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, en las sardanas obligades –sardana para la tenora o el tible solistas–. Compositores destacados.

Tema 14. El repertorio de música de concierto para tenora: obras para tenora y piano, obras para tenora y órgano, obras para tenora y carrillón, obras de cámara para formaciones diversas. Presencia de la tenora en el ámbito sinfónico de la banda y la orquesta. Los conciertos para tenora y orquesta sinfónica y para tenora y banda.

Tema 15. Técnicas y efectos sonoros en el repertorio contemporáneo. Obras a solo y con acompañamiento electroacústico. Nuevos recursos, formas instrumentales y notación.

Tema 16. El repertorio de música de concierto para tible: obras para tible y piano, obras de cámara para formaciones diversas. Presencia del tible en el ámbito sinfónico de la banda y la orquesta.

Tema 17. Características rítmicas, técnicas y de interpretación en el ámbito de las músicas del mundo con presencia de la tenora y el tible.

Tema 18. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 19. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 20. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 21. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 22. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 23. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 24. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 25. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 26. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 27. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 28. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 30. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Trombón

Tema 1. Historia y evolución del trombón: orígenes y predecesores del trombón. Sistema de válvulas y pistones y su aplicación en el trombón. La familia del trombón.

Tema 2. El trombón: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Diferentes tipos de trombón: características constructivas y de sonoridad.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 5. La técnica del trombón: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general del trombón. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.

Tema 6. La técnica interpretativa del trombón en la música contemporánea: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos. Fórmulas de escritura propias del instrumento: escalas, arpegios, articulaciones y otras.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para el trombón. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 9. Instrumentos de la familia del trombón: Descripción de sus características constructivas y sonoras. Criterios didácticos para la selección de repertorio y la técnica en los estudios superiores. Bibliografía especializada.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para trombón del Barroco y el Clasicismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para trombón del Romanticismo, Posromanticismo e Impresionismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para trombón desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. El trombón en la música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas (dúo, trío, cuarteto y otras.).

Tema 14. El trombón en la orquesta y en la banda. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio para orquesta, banda y solista de la familia del trombón. Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal en el aula.

Tema 15. El trombón en el jazz. Influencia del jazz dentro del repertorio clásico de trombón de la primera y segunda mitad del siglo XX. Características del repertorio y su interpretación.

Tema 16. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 17. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 18. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 19. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 20. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 21. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 22. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 23. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 24. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 25. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 27. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 28. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Trompa

Tema 1. Historia general de los instrumentos de viento metal. Evolución histórica de la trompa: orígenes y predecesores medievales de la trompa de caza. La trompa barroca. La trompa natural o de mano. La trompa alpina. Sistema de válvulas y pistones y su aplicación en la trompa.

Tema 2. La trompa moderna: descripción de sus características constructivas. Diferentes tipos de trompa: elección de la boquilla y del instrumento según el repertorio. Trompas sencillas, dobles y triples. La trompa vienesa. La tuba wagneriana.

Tema 3. Clasificación acústica y características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Afinación.

Tema 4. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes, en relación con la técnica de la trompa. Colocación del cuerpo y del instrumento en posición sentada y erguida.

Tema 5. La técnica de la trompa: principios elementales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de la trompa. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos. Diferentes tipos de ataque. La articulación. La técnica de la trompa alpina, la trompa natural y la tuba wagneriana.

Tema 6. La técnica moderna de la trompa: conceptos fundamentales. Aportaciones innovadoras de los grandes instrumentistas y pedagogos a la literatura del instrumento y al desarrollo de las nuevas técnicas. La técnica microtonal y otras técnicas avanzadas. Nuevas grafías y sistemas de notación.

Tema 7. Descripción de las diferentes escuelas y de la evolución de los distintos sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. La enseñanza de la trompa en España.

Tema 8. La literatura del instrumento. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de los distintos aspectos históricos, técnicos y de interpretación. Bibliografía especializada relacionada con el instrumento y su didáctica. Criterios pedagógicos para la selección del repertorio del grado superior.

Tema 9. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental en el repertorio para trompa del Renacimiento, de Barroco y del Clasicismo. Particularidades de la interpretación y problemas técnicos específicos de las obras para trompa solista, música de cámara y orquesta. Repertorio para trompa de caza, barroca y natural o de mano.

Tema 10. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental en el repertorio para trompa del Romanticismo, Posromanticismo, Nacionalismo e Impresionismo. Particularidades de la interpretación y problemas técnicos específicos de las obras para trompa solista, música de cámara y orquesta. Repertorio para trompa de caza, trompa natural y para trompa de válvulas. Repertorio para tuba wagneriana y trompa alpina.

Tema 11. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental en el repertorio para trompa desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Aproximación a la música contemporánea y a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación. Características del repertorio y problemas técnicos específicos en la interpretación del repertorio de la música de los siglos XX y XXI. Repertorio más representativo de las diversas tendencias compositivas.

Tema 12. La trompa en la orquesta y en la banda. Evolución a lo largo de las distintas épocas. Características del repertorio para orquesta, banda y solista de la familia de las trompas. Funciones sonoras en las diferentes agrupaciones y papeles interpretativos (solista, acompañamiento, melódico y otras). El repertorio más representativo y sus características. Repertorio para trompa solista con estas agrupaciones.

Tema 13. La trompa en la práctica de grupo en las enseñanzas superiores. Programación de las actividades colectivas en este nivel; repertorio, conceptos relativos al lenguaje compositivo, análisis, técnica de interpretación como solista y en grupo, lectura a primera vista, audición y otros aspectos.

Tema 14. La música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas (dúo, trío, cuarteto y otras). Programación de esta materia: repertorio, análisis, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación, lectura a primera vista y otros aspectos. Criterios pedagógicos para la elección del repertorio.

Tema 15. Principios fundamentales en la composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 16. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 17. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 18. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 19. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 20. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 21. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 22. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 23. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 24. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 25. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 26. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 27. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Trompeta

Tema 1. Historia y evolución de la trompeta: orígenes y predecesores de la trompeta moderna. Sistema de válvulas y pistones su aplicación los instrumentos de metal.

Tema 2. La trompeta moderna: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Diferentes tipos de trompetas y boquillas: características constructivas y de sonoridad.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámica, y afinación.

Tema 4. Instrumentos de la familia de la trompeta: Descripción de sus características constructivas y sonoras. Criterios didácticos para la selección de repertorio y la técnica en los estudios superiores. Bibliografía especializada.

Tema 5. La respiración. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de la trompeta. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, control y visualización mental, miedo escénico.

Tema 6. La técnica moderna de la trompeta: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de la trompeta. Formación y desarrollo de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.

Tema 7. La técnica interpretativa de la trompeta en la música contemporánea: conceptos básicos. Aportación de la música contemporánea al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas, pedagogos y compositores. Fórmulas de escritura propias de la trompeta.

Tema 8. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos de trompeta. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas

Tema 9. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la trompeta. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para trompeta del Renacimiento y el Barroco. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para trompeta del Clasicismo y el Romanticismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para trompeta del Romanticismo, Posromanticismo e Impresionismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para trompeta desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 14. El repertorio orquestal en las enseñanzas superiores. La clase de repertorio orquestal. Repertorio para orquesta, banda y solista de los instrumentos afines a la trompeta. Criterios didácticos para la selección de repertorio y su aplicación en el aula

Tema 15. La trompeta en el jazz. Influencia del jazz dentro del repertorio clásico de trompeta de la primera y segunda mitad del siglo XX. Características del repertorio y su interpretación

Tema 16. La música de cámara en las enseñanzas superiores de música. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 17. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 18. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 19. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 20. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 21. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 22. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 23. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 24. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 25. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 27. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 28. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tuba

Tema 1. Historia y evolución de la tuba: orígenes y predecesores de la tuba moderna. Sistema de válvulas y pistones y su aplicación en la tuba.

Tema 2. La tuba: descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Diferentes tipos de tuba: características constructivas y de sonoridad.

Tema 3. Características acústicas del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros y características específicas. La calidad tonal: timbre, dinámicas y afinación.

Tema 4. Instrumentos de la familia de la tuba: Descripción de sus características constructivas y sonoras. Criterios didácticos para la selección de repertorio y la técnica en los estudios superiores. Bibliografía especializada.

Tema 5. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 6. La técnica de la tuba: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de la tuba. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.

Tema 7. La técnica interpretativa de la tuba en la música contemporánea: conceptos básicos. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos. Fórmulas de escritura propias del instrumento: escalas, arpegios, articulaciones y otras.

Tema 8. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.

Tema 9. La literatura didáctica: principales métodos del instrumento, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos para la tuba. Criterios didácticos para la selección de repertorio en los estudios superiores.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio adaptado para tuba del Barroco y el Clasicismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio de la tuba en el Romanticismo, Posromanticismo e Impresionismo. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio de la tuba desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 13. La tuba en la música de cámara en las enseñanzas superiores. Funciones en las diferentes formaciones camerísticas. Aspectos y criterios pedagógicos en la selección de grupos, repertorio y métodos de trabajo.

Tema 14. La tuba en la orquesta y en la banda. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio para orquesta, banda y solista de la familia de la tuba. Criterios didácticos para la selección y aplicación de repertorio orquestal en el aula.

Tema 15. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 16. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 17. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 18. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 19. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 20. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 21. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 22. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 23. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 24. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 25. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 26. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Txistu

Tema 1. Antecedentes del instrumento. El origen de las flautas óseas: pitos, silbatos y demás tubos sonoros y su posterior evolución hacia los tres orificios. Hallazgos arqueológicos prehistóricos. Características comunes. Iconografía general: flautas tres orificios y particular: txistu. El binomio flauta tambor. Evolución desde puntos de vista histórico-geográfico respecto de sus elementos constructivos. Procesos de fabricación comunes a las flautas de tres orificios.

Tema 2. El instrumento moderno: descripción de sus características constructivas y de los elementos que lo componen. Mantenimiento y conservación. Muestra de otras culturas. La familia del txistu e instrumentos afines.

Tema 3. Características acústicas del txistu. Principios físicos de producción de sonido en tubos. Peculiaridades derivadas del modo de producción del sonido en este instrumento. Los diferentes impulsos. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. La influencia de la digitación. Tesitura estándar y notas especiales.

Tema 4. Técnicas corporales aplicadas al instrumento, relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio.

Tema 5. La técnica del txistu: principios elementales. La columna de aire y su control en la técnica general del txistu. La embocadura: colocación y emisión del sonido. Utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos. Segundas posiciones: normas de uso, numeración y empleo. Diferentes tipos de ataque. La articulación.

Tema 6. La técnica del tamboril: colocación, sujeción, batida y rebote. Rítmicas para la danza. Binomio txistu/percusión: nuevas posibilidades. Tipología del golpe y su representación escrita.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. Sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Aportación al desarrollo de la técnica de los grandes instrumentistas y pedagogos a través de la historia.

Tema 8. Los primeros métodos de txistu. Las colecciones manuscritas de los txistularis. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de los distintos aspectos de la técnica. Colecciones de estudios y otros.

Tema 9. El repertorio tradicional del txistu. Los cancioneros populares vascos como fuente de conocimiento folclórico.

Tema 10. Principales txistularis a través de la historia. Contextos históricos sociales.

Tema 11. El txistu como acompañante musical de las danzas tradicionales: Guipúzcoa, Vizcaya, Álava, Navarra y País Vasco francés. Características del repertorio y de su interpretación.

Tema 12. La música de cámara en las enseñanzas superiores. Programación de la materia: repertorio, análisis, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación, lectura a primera vista y otros aspectos Criterios pedagógicos para la elección del repertorio.

Tema 13. Características del repertorio para dúos, parejas, tríos y otras agrupaciones del instrumento. Evolución a lo largo de las diferentes épocas.

Tema 14. La transcripción: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.

Tema 15. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes musicales contemporáneos. La improvisación en la didáctica del instrumento.

Tema 16. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 17. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 18. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 19. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 20. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 21. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 22. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 23. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 24. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 25. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 26. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Viola

Tema 1. Historia general de la viola: orígenes, antecedentes y evolución histórica desde finales del siglo XVI hasta la actualidad. Escuelas de lutería. La viola moderna: características constructivas. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 2. Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de cuerda. Peculiaridades derivadas del modo de producción. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Armónicos naturales y artificiales. Relación con el punto de contacto y con la velocidad y presión del arco. Formas convencionales y no convencionales de producción del sonido.

Tema 3. La técnica de la viola: colocación de la viola y del arco; posición del cuerpo con respecto al instrumento. Técnicas corporales aplicadas al instrumento. Mecanismo y función de los dedos y de cada articulación de ambos brazos. Descripción de los movimientos del brazo derecho. Coordinación de movimientos de ambos brazos.

Tema 4. Desarrollo de la velocidad de los dedos de la mano izquierda. Uso de las extensiones, reducciones. Octavas digitadas, novenas, décimas y otras. Trinos. El vibrato. Relación de estas técnicas con los diferentes estilos. Funciones de la mano izquierda del arco. Los cambios de posición: Su aplicación. Portamentos y glissandi y su relación con los diferentes estilos.

Tema 5. El arco: antecedentes, evolución histórica desde su origen hasta nuestros días. Partes del arco, materiales y otros. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del arco.

Tema 6. Mecanismo del arco, golpes de arco a la cuerda y saltados: detaché, martelé, legato, spiccato, saltillo, bariolaje. Variedades de los mismos, desarrollo, pedagogía y su didáctica. Dobles cuerdas; acordes de tres y cuatro sonidos, su técnica, metodología y ejecución.

Tema 7. La técnica moderna de la viola: conceptos fundamentales. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos de la viola. Estudio comparativo de las concepciones teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos del siglo XIX y siglo XX.

Tema 8. La literatura didáctica: Bibliografía especializada sobre la viola y su didáctica en la enseñanza superior. Valoración de su utilidad para el aprendizaje y desarrollo de las distintas técnicas.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para viola del Barroco: obras para viola solista, música de cámara y orquesta barroca. La ornamentación.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para viola del Clasicismo: obras para viola solista, música de cámara y orquesta, repertorio con piano, música concertante. Música y músicos españoles de la época: influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para viola del siglo XIX: Beethoven, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms y otros. Obras para viola solista, música de cámara, repertorio con piano, orquesta, conciertos. Música y músicos españoles de la época: influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para viola de la primera mitad del siglo XX. Influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 13. Características, análisis, estudio e interpretación, referidos a la evolución de la escritura instrumental, del repertorio para viola sola (incluidas las transcripciones): Bach, Paganini, Reger, Hindemith y otras figuras relevantes.

Tema 14. Características referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para viola desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Aproximación a la música contemporánea para viola y a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación. Influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 15. La práctica de grupo en las enseñanzas superiores: La música de cámara. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación, y otros conceptos. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 16. La viola en la orquesta. Características de su repertorio orquestal. Evolución de la percepción técnica a lo largo de las diferentes épocas.

Tema 17. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 18. Las transcripciones y revisiones historicistas: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de las mismas. La transcripción para viola. Principios fundamentales de composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 19. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica de la viola.

Tema 20. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 21. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 22. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 23. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 24. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 25. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 26. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 27. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 28. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 30. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Viola da gamba

Tema 1. Historia de la viola da gamba: orígenes, antecedentes, evolución histórica y características diferenciales en su construcción. La familia de las violas da gamba. El instrumento: aspectos fundamentales en la elección. Su mantenimiento y conservación. Descripción de las diferentes partes del instrumento y del arco.

Tema 2. El arco: antecedentes, evolución histórica. Partes del arco, materiales y otros. Su mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del arco.

Tema 3. Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de cuerda. Peculiaridades derivadas del modo de producción del sonido y relevancia del control del punto de contacto. La velocidad y la presión del arco. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos.

Tema 4. Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de la viola da gamba.

Tema 5. La técnica de la viola da gamba: principios elementales. Colocación y posición del instrumento. Sujeción de la viola da gamba y del arco. Mecanismo y función de los dedos de ambas manos y de las articulaciones de ambos brazos. Descripción de la posición supina de la mano y de los movimientos básicos del brazo derecho. Mecanismo del arco y golpes de arco. Dobles cuerdas, acordes y bariolajes. Movimientos de la mano izquierda: cambios de posición, contracciones, extensiones y digitaciones en paralelo; la permanencia de los dedos en la cuerda como recurso para prolongar la sonoridad y uso de la cejilla. Los adornos según las escuelas inglesa y francesa del Barroco.

Tema 6. La técnica de la viola da gamba desde la perspectiva actual: conceptos fundamentales. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos.

Tema 7. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos de la viola da gamba. Valoración de los tratados y métodos y de su utilidad para el aprendizaje. Estudio comparativo de las diversas concepciones teóricas. Bibliografía especializada sobre la viola da gamba.

Tema 8. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para viola da gamba del siglo XVI. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para viola da gamba del siglo XVII: obras para viola da gamba solista, música de cámara y como instrumento de bajo continuo, en conjunción con otros o sola (realización de bajos cifrados). Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para viola da gamba del siglo XVIII: obras para viola da gamba solista, música de cámara, conciertos y arias con viola da gamba obligada. Criterios interpretativos de este repertorio en el nivel superior y problemas técnicos específicos.

Tema 11. La viola da gamba en agrupaciones instrumentales. Características del repertorio para las diversas formaciones. Evolución a lo largo de las diferentes épocas.

Tema 12. La música de cámara en las enseñanzas superiores. Programación de esta materia: repertorio, análisis, técnica de interpretación en grupo, capacidad auditiva, improvisación, lectura a primera vista y otros. Criterios pedagógicos en la elección del repertorio.

Tema 13. Principios fundamentales en la composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 14. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 15. Las transcripciones y revisiones: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de las mismas.

Tema 16. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica de la viola da gamba.

Tema 17. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 18. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 19. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 20. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 21. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 22. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 23. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 24. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 25. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 26. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 27. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Violín

Tema 1. Historia general del violín: orígenes, antecedentes y evolución histórica desde finales del siglo XVI hasta la actualidad. Escuelas de lutería. El violín moderno: características constructivas. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 2. Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de cuerda. Peculiaridades derivadas del modo de producción. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Armónicos naturales y artificiales. Relación con el punto de contacto y con la velocidad y presión del arco. Formas convencionales y no convencionales de producción del sonido.

Tema 3. La técnica del violín: colocación del violín y del arco; posición del cuerpo con respecto al instrumento. Técnicas corporales aplicadas al instrumento. Mecanismo y función de los dedos y de cada articulación de ambos brazos. Descripción de los movimientos básicos del brazo derecho. Coordinación de movimientos de ambos brazos.

Tema 4. Desarrollo de la velocidad de los dedos de la mano izquierda. Uso de las extensiones, reducciones. Octavas digitadas, novenas, décimas y otras. Trinos. El vibrato. Relación de estas técnicas con los diferentes estilos. Funciones de la mano izquierda del arco. Los cambios de posición: Su aplicación. Portamentos y glissandi y su relación con los diferentes estilos.

Tema 5. El arco: antecedentes, evolución histórica desde su origen hasta nuestros días. Partes del arco, materiales y otros. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del arco.

Tema 6. Mecanismo del arco, golpes de arco a la cuerda y saltados: detaché, martelé, legato, spiccato, saltillo, bariolaje y otros recursos. Variedades de los mismos, desarrollo, pedagogía y su didáctica. Dobles cuerdas; acordes de tres y cuatro sonidos, su técnica, metodología y ejecución.

Tema 7. La técnica moderna del violín: conceptos fundamentales. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del violín. Estudio comparativo de las concepciones teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos del S. XIX y XXI.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de las distintas técnicas. Bibliografía especializada sobre el instrumento y su didáctica.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violín del Barroco: obras para violín solista, música de cámara y orquesta barroca, conciertos. La ornamentación.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violín del Clasicismo: obras para violín solista, música de cámara y orquesta, repertorio con piano, música concertante. Música y músicos españoles de la época: Influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violín del siglo XIX: Beethoven, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms y otros. Obras para violín solista, música de cámara, repertorio con piano, orquesta, conciertos. Música y músicos españoles de la época: influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violín del siglo XIX. Repertorio romántico de los violinistas virtuosos: Paganini, Spohr, Wieniawski, Vieuxtemps, Sarasate y otros. Obras para violín solo, violín solista, repertorio con piano, conciertos. Características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para violín, de la primera mitad del siglo XX. Música y músicos españoles de la época: influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 14. Características, referidas a la evolución de la escritura instrumental, del repertorio para violín solo: Bach, Paganini, Ysaÿe, Hindemith, Bartók y otros. Ideario y concepción estético-creativa aplicada a la interpretación. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 15. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio violinístico desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Aproximación a la música contemporánea para violín y a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación. Música y músicos españoles de la época: influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 16. La práctica de grupo en las enseñanzas superiores: La música de cámara. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros conceptos. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 17. El violín en la orquesta. Características del repertorio. Evolución de la percepción técnica a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio orquestal.

Tema 18. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 19. Las transcripciones y revisiones historicistas: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de las mismas. La transcripción para violín frente a las corrientes de interpretación histórica. Principios fundamentales de composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 20. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica del violín.

Tema 21. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 22. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 23. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 24. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 25. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 26. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 27. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 28. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 29. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 30. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 31. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Violonchelo

Tema 1. Historia general del violonchelo: orígenes, antecedentes y evolución histórica desde finales del siglo XVI hasta la actualidad. Escuelas de lutería. El violonchelo moderno: características constructivas. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento.

Tema 2. Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los instrumentos de cuerda. Peculiaridades derivadas del modo de producción. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Armónicos naturales y artificiales. Relación entre: punto de contacto, velocidad y presión del arco. Formas convencionales y no convencionales de producción del sonido.

Tema 3. La técnica del violonchelo: colocación del violonchelo y del arco; posición del cuerpo con respecto al instrumento. Técnicas corporales aplicadas al instrumento. Mecanismo y función de los dedos y de cada articulación de ambos brazos. Descripción de los movimientos básicos del brazo derecho. Coordinación de movimientos de ambos brazos.

Tema 4. Desarrollo de la velocidad de los dedos de la mano izquierda. Uso de las extensiones. Trinos. El vibrato. Relación de estas técnicas con los diferentes estilos. Los cambios de posición: Su aplicación. Portamentos y glissandi y su relación con los diferentes estilos.

Tema 5. El arco: antecedentes, evolución histórica desde su origen hasta nuestros días. Partes del arco, materiales y otros. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del arco.

Tema 6. Mecanismo del arco, golpes de arco a la cuerda y saltados: detaché, martelé, legato, spiccato, saltillo y otras técnicas. Variedades de las mismas, desarrollo, pedagogía y su didáctica. Dobles cuerdas; acordes de tres y cuatro sonidos, su técnica, metodología y ejecución.

Tema 7. La técnica moderna del violonchelo: conceptos fundamentales. Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del violonchelo. Estudio comparativo de las concepciones teóricas y técnicas de las diferentes escuelas. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos de los siglos XIX, XX y XXI.

Tema 8. La literatura didáctica: principales métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de las distintas técnicas. Bibliografía especializada sobre el instrumento y su didáctica.

Tema 9. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violonchelo del Barroco: obras para violonchelo solista, música de cámara y orquesta barroca. La ornamentación.

Tema 10. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violonchelo del Clasicismo: obras para violonchelo solista, música de cámara y orquesta, repertorio con piano, música concertante. Música y músicos españoles de la época: influencias, características estilísticas y técnicas, criterios interpretativos.

Tema 11. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violonchelo del siglo XIX: Beethoven, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms y otros. Obras para violonchelo solista, música de cámara, repertorio con piano, orquesta, conciertos. Música y músicos españoles de la época: influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 12. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violonchelo del siglo XIX. Obras para violonchelo solista, música de cámara, repertorio con piano, orquesta, conciertos. Características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 13. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violonchelo de la primera mitad del siglo XX. Música y músicos españoles de la época: influencias, características estilísticas y técnicas Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 14. Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para violonchelo desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Aproximación a la música contemporánea para violonchelo y a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación. Música y músicos españoles de la época: influencias, características estilísticas y técnicas. Criterios interpretativos de este repertorio a nivel superior.

Tema 15. Características, referidas a la evolución de la escritura instrumental, del repertorio para violonchelo solo: Bach, Reger, Ysaÿe, Hindemith, Kodaly, Bartók, Cassadó, Ligeti y otros. Concepción estético-creativa aplicada a la interpretación.

Tema 16. La práctica de grupo en las enseñanzas superiores: La música de cámara. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros conceptos. Aspectos y criterios pedagógicos en cuanto a la selección de grupos, repertorio básico y métodos de trabajo.

Tema 17. El violonchelo en la orquesta. Características del repertorio. Evolución de la percepción técnica a lo largo de las diferentes épocas. Repertorio orquestal.

Tema 18. La interpretación histórica: principios y criterios de actuación.

Tema 19. Las transcripciones y revisiones historicistas: conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de las mismas. La transcripción para violonchelo. Principios fundamentales de composición de las cadencias. Evolución a lo largo de las diferentes épocas. Nociones para la improvisación y para la creación de las propias cadencias.

Tema 20. La improvisación musical: principios, procedimientos y recursos. La improvisación dirigida o libre. La improvisación en los diferentes estilos históricos y en los lenguajes contemporáneos. La improvisación en la didáctica del violonchelo.

Tema 21. La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura.

Tema 22. Criterios didácticos para la selección del repertorio en el nivel superior, su secuenciación y rúbrica de seguimiento y evaluación.

Tema 23. La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, comprensión musical y personalidad artística. Competencias emprendedoras, empleabilidad y gestión de proyectos en el ámbito musical.

Tema 24. El trabajo autónomo del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias de las dificultades que plantea una obra o texto musical. Estrategias adecuadas.

Tema 25. La memoria. Su desarrollo como base para la formación del oído interno. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman los estudios del instrumento. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. Técnicas de memorización.

Tema 26. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la interpretación, a la enseñanza y a la producción digital musical. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

Tema 27. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de Transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

Tema 28. Interdisciplinariedad en los estudios superiores de música. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 29. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 30. Metodologías y técnicas de investigación en música. La investigación performativa. Elección y justificación de las principales fuentes primarias de investigación interpretativa del instrumento para el desarrollo de un criterio autónomo y artístico. Evaluación y otras informaciones de interés. El trabajo de investigación musical: características, estructura y criterios de redacción.

Tema 31. La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

B. Temarios de las especialidades docentes vinculadas a las enseñanzas superiores de Danza:

Análisis y práctica de repertorio de baile flamenco

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo y performativo. Características y estructura del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Metodología del análisis coreográfico: características, fases y herramientas de análisis. Elementos de la obra coreográfica. Elementos de la representación escénica en danza.

Tema 8. Didáctica del análisis coreográfico y del repertorio de baile flamenco en las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 9. Didáctica de la práctica coreográfica y del repertorio de baile flamenco en las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 10. La evolución del hecho escénico a lo largo de la historia. Espacios y escenarios para la danza.

Tema 11. Principales escuelas de baile flamenco. Tratamiento teórico de las mismas y su aplicación en el análisis y en la práctica del repertorio del baile flamenco.

Tema 12. Análisis musical del repertorio del baile flamenco. Códigos de comunicación entre cante, baile y guitarra.

Tema 13. Análisis coreográfico del repertorio del baile flamenco. Análisis histórico, estilístico, contextual y su ejecución interpretativa.

Tema 14. Origen del baile flamenco y su evolución desde finales siglo XVIII hasta mitad del siglo XIX.

Tema 15. Historia del baile flamenco desde la segunda mitad del siglo XIX hasta el fin de los cafés cantantes. Evolución técnica y estética del baile flamenco; principales intérpretes. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 16. Historia del baile flamenco desde final de los años 20 hasta mitad del siglo XX. Etapas del flamenco: la ópera flamenca. Principales intérpretes, coreógrafos y maestros. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 17. Historia del baile flamenco desde los años 1950 hasta el año 1975. Etapas del flamenco: renacimiento. Principales intérpretes, coreógrafos y maestros. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 18. Historia del baile flamenco contemporáneo. Nuevas tendencias y creaciones del baile flamenco. Nuevas generaciones de intérpretes y de coreógrafos y su difusión internacional. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 19. Concepción escénica teatral del baile flamenco; concepciones estilísticas, históricas e interpretativas de la evolución de las principales obras coreográficas. Coreógrafos, maestros e intérpretes. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 20. Origen y evolución de los estilos de cante en el baile flamenco. Clasificación de los estilos flamencos de los cantes para baile. Principales maestros del cante.

Tema 21. El cambio de paradigma del flamenco hoy en día. Mestizaje en el flamenco. Internacionalización del flamenco.

Tema 22. Bases psicopedagógicas en el proceso de enseñanza-aprendizaje del análisis y práctica del repertorio del baile flamenco.

Tema 23. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en el aula de baile flamenco. Didáctica y metodología del repertorio del Baile flamenco.

Tema 24. Didáctica específica de la sesión de análisis y práctica de las obras coreográficas y de repertorio del baile flamenco en los estudios superiores de danza.

Tema 25. Sistema metodológico: metodologías, técnicas y estrategias docentes en la enseñanza del análisis y de la práctica del repertorio del baile flamenco.

Tema 26. Sistemas de evaluación: enfoque de evaluación por competencias en el aula de análisis y prácticas del repertorio de baile flamenco en los estudios superiores de danza.

Tema 27. Funciones de la programación docente. De la teoría a la práctica del repertorio del baile flamenco en la formación reglada de las enseñanzas artísticas en los niveles previos a la enseñanza superior: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

Tema 28. Metodología y didáctica del taller de interpretación en los estudios superiores de danza. Desarrollo técnico y artístico.

Tema 29. La figura del repetidor. Los ensayos. Concepto y sentido de los ensayos. Trabajo previo y comunicación con el coreógrafo. Planificación con los creativos. Etapas de trabajo y objetivos.

Análisis y práctica del repertorio de danza clásica

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores de danza en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo y performativo. Características y estructura del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: Emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Metodología del análisis coreográfico: características, fases y herramientas de análisis. Elementos de la obra coreográfica. Elementos de la representación escénica en danza.

Tema 8. Didáctica del análisis coreográfico y del repertorio de danza clásica en las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 9. Didáctica de la práctica del repertorio de danza clásica en las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 10. Principales escuelas de danza clásica. Tratamiento teórico de las mismas y su aplicación en el análisis y práctica de las obras del repertorio.

Tema 11. La evolución del hecho escénico en relación con el análisis de una obra de danza clásica. Espacios y escenarios.

Tema 12. Análisis musical aplicado al análisis de las obras de la danza clásica. Relación con su estructura coreográfica.

Tema 13. El siglo XVIII en Europa. El ballet de acción y el ballet prerromántico: contexto, estética, estilo y pensamiento. Coreógrafos más relevantes. Principales ballets: conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 14. El Romanticismo. Génesis y desarrollo del ballet romántico: contexto, estética, estilo y pensamiento. Coreógrafos más relevantes. Principales ballets: conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 15. El Tardorromanticismo. Ballets de transición en la decadencia del Romanticismo. El Ballet imperial ruso: contexto, estética, estilo y pensamiento. Coreógrafos más relevantes. Principales ballets: conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 16. La modernidad, las primeras décadas del siglo XX. El concepto de la danza como arte total: Diaghilev y los Ballets rusos. Los herederos de los Ballets rusos. Coreógrafos más relevantes. Principales ballets: conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 17. El Neoclasicismo en Europa: contexto, estética y estilo. Coreógrafos más relevantes. Principales ballets: conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 18. El Neoclasicismo en Estados Unidos: contexto, estética y estilo. Coreógrafos más relevantes. Principales ballets: conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 19. La influencia de la danza contemporánea en la Danza clásica. Revisitación de los ballets de repertorio. Coreógrafos más relevantes. Principales ballets: conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 20. La danza clásica en España. Historia, evolución y tendencias.

Tema 21. Las nuevas tendencias, los nuevos creadores y las nuevas metodologías de creación. Coreógrafos más relevantes. Principales ballets: conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 22. La evolución histórica del concepto de repertorio de danza clásica. Su relación con la formación de un bailarín de danza clásica en la actualidad.

Tema 23. Bases psicopedagógicas en el proceso de la enseñanza-aprendizaje del análisis y práctica del repertorio coreográfico de danza clásica.

Tema 24. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en el aula de danza clásica. Didáctica y metodología del repertorio de danza clásica.

Tema 25. Didáctica específica para la enseñanza del análisis y práctica de las obras coreográficas y de repertorio de la danza clásica en los estudios superiores de danza.

Tema 26. Sistema metodológico: metodologías, técnicas, estrategias docentes en la didáctica del análisis y práctica del repertorio de danza clásica.

Tema 27. Sistema de evaluación: enfoque de evaluación por competencias en el aula de danza clásica para el análisis y práctica del repertorio y de las obras coreográficas.

Tema 28. Funciones de programación docente, de la teoría a la práctica del repertorio de la danza clásica en la formación reglada de las enseñanzas artísticas, en los niveles previos a la enseñanza superior: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

Tema 29. Funciones de un repetidor o profesor de repertorio. Las funciones del asistente de un coreógrafo. La dirección artística de una obra de repertorio o de nueva creación. Fases del trabajo y objetivos.

Tema 30. El ensayo de una obra de repertorio y/o de nueva creación. Su organización: estructura y ritmo.

Tema 31. El montaje y la puesta en escena de una obra coreográfica: aspectos técnicos-artísticos y organizativos.

Tema 32. El taller de interpretación en las enseñanzas artísticas superiores. Desarrollo técnico y artístico del alumno. Ejemplificación a través de fragmentos de coreografías.

Análisis y práctica de repertorio de danza contemporánea

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores de danza en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo y performativo. Características y estructura del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Contexto histórico, antropológico, sociológico y artístico de los principales periodos coreográficos de la danza contemporánea.

Tema 8. Descripción de la semiología, poética y técnica coreográfica de la representación escénica de danza por autores, según el contexto y en las distintas etapas de la danza contemporánea.

Tema 9. Principios de la filosofía de las artes escénicas. Estética y teoría de la danza. Características de las artes escénicas y rasgos distintivos de la danza.

Tema 10. Metodología del análisis coreográfico: modelos, características, fases y herramientas de análisis. Elementos de la obra coreográfica en su vertiente teórica y aplicada a la práctica de la danza.

Tema 11. Principios didácticos del análisis coreográfico y del repertorio en danza contemporánea en su vertiente didáctica y aplicada al aula de danza contemporánea en las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 12. Principios didácticos de la práctica coreográfica y del repertorio de danza contemporánea en su vertiente didáctica y aplicada al aula de danza contemporánea en las enseñanzas artísticas superiores: ejemplificación con secciones de piezas de carácter práctico propio para el estudio de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 13. Principales técnicas de danza moderna. Contexto, características, principales docentes y sus filiaciones. Análisis teórico y práctico adecuado a las enseñanzas artísticas superiores de danza.

Tema 14. Principales técnicas de danza contemporánea. Contexto, características, principales docentes y filiaciones. Análisis teórico y práctico adecuado a las enseñanzas artísticas superiores de danza.

Tema 15. La evolución del hecho escénico a lo largo de la historia. Elementos de la puesta en escena de una obra de danza contemporánea. Espacios y escenarios.

Tema 16. Precursores y teóricos del movimiento. La primera generación de pioneros americanos y europeos. La danza libre de principios del siglo XX: contexto, estética, estilo y pensamiento. Principales creadores. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados

Tema 17. La Modern dance americana: contexto, estética, estilo y pensamiento. Principios y características de sus técnicas. Principales creaciones y coreógrafos. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 18. La danza expresionista o danza moderna alemana: contexto, estética, estilo y pensamiento. Principios y características de sus técnicas. Principales creaciones y coreógrafos. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 19. La danza posmoderna y las nuevas aportaciones a la creación coreográfica: contexto, estética, estilo y pensamiento. Principios y características de sus propuestas creativas. Principales representantes. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 20. La danza teatro en Europa: contexto, estética, estilo y pensamiento. Principios y características de su técnica. Principales creaciones y coreógrafos. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 21. La nueva danza o nouvelle danse. La new wave. La danza belga. Contexto, estética, estilo y pensamiento. Principios y características de sus técnicas. Principales creaciones y coreógrafos. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 22. Influencia de Israel y el movimiento Gaga en las nuevas creaciones coreográficas. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 23. El fenómeno de la fusión de danzas folklóricas y Danza contemporánea. Otros estilos de danza en mestizaje con la danza contemporánea. Principales creadores y obras destacadas.

Tema 24. Nuevas tendencias en la escena actual de la danza contemporánea: Buto, danza inclusiva, danza en entornos multimedia y otras. La interdisciplinaridad de las artes en la puesta en escena de la Danza contemporánea. Tecnologías aplicadas.

Tema 25. El nacimiento de la danza contemporánea en España. La primera generación de creadores. Expansión de la danza contemporánea en España. Principales representantes.

Tema 26. Nuevas tendencias en la escena actual de la danza contemporánea en España. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 27. Bases psicopedagógicas en el proceso de enseñanza-aprendizaje de la sesión de danza contemporánea en el análisis, en la práctica del repertorio y en la función del repetidor.

Tema 28. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en el aula de danza contemporánea en el análisis y en la práctica del repertorio.

Tema 29. La creatividad y la improvisación como estrategias creativas. El cambio de paradigma en la autoría de la Danza contemporánea. El trabajo creativo en colectivo.

Tema 30. Práctica específica de la sesión de análisis y prácticas del repertorio de danza contemporánea en su versión teórico-didáctica y práctica en el marco de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 31. Metodologías, técnicas, estrategias y estilos docentes en la didáctica del repertorio de la sesión de Análisis y práctica del repertorio de la danza contemporánea en su versión teórico-didáctica y práctica en el marco de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 32. Sistema de evaluación: enfoque de evaluación por competencias en el aula de análisis y prácticas del repertorio de danza Contemporánea en su versión teórico-didáctica y aplicada al aula práctica de danza contemporánea en el marco de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 33. Funciones de programación docente, de la teoría a la práctica del repertorio de la danza contemporánea en la formación reglada de las enseñanzas artísticas, en los niveles previos a la enseñanza superior: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

Tema 34. Funciones de repetidor o profesor de repertorio. Las funciones del asistente de un coreógrafo. La dirección artística de una obra de repertorio o una nueva creación. Fases del trabajo y objetivos.

Tema 35. El ensayo de una obra de repertorio y/o de una creación. Su organización: estructura y ritmo.

Tema 36. El montaje y la puesta en escena de una obra coreográfica: aspectos técnicos-artísticos y organizativos.

Tema 37. El taller de interpretación en las enseñanzas artísticas superiores. Desarrollo técnico y artístico del alumno. Ejemplificación a través de fragmentos de coreografías.

Análisis y práctica de repertorio de danza española

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores de danza en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo y performativo. Características y estructura del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: Emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Metodología del análisis coreográfico: características, fases y herramientas de análisis. Elementos de la obra coreográfica. Elementos de la representación escénica en danza.

Tema 8. Didáctica del análisis coreográfico y del repertorio en danza española en las enseñanzas artísticas superiores

Tema 9. Didáctica de la práctica del repertorio en la danza española en las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 10. La evolución del hecho escénico a lo largo de la historia. Espacios y escenarios para la danza.

Tema 11. Análisis musical aplicado a las obras de repertorio de la danza española. Relación con su estructura coreográfica.

Tema 12. La danza en la España Ilustrada (1700-1808). El inicio de la tradición de la escuela bolera. El siglo XIX: escuela bolera y ballet clásico. Etapas de la escuela bolera: Intérpretes más relevantes.

Tema 13. El repertorio de la dinastía Pericet y su legado. Análisis coreográfico del repertorio de la escuela bolera. Análisis histórico, estilístico, contextual, y su ejecución interpretativa. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 14. La influencia de los Ballets rusos de Diaghilev en la concepción escénica de la danza española. Estudio y análisis de las versiones danzadas de «El Amor Brujo» y de «El Sombrero de Tres Picos» de Manuel de Falla y su repercusión histórica. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 15. La danza española en la Edad de Plata (1900-1936). Primer periodo: evolución de la danza escénica española: zarzuela, revista y género frívolo. La recepción de los Ballets rusos de Diaghilev. La danza estilizada y la génesis del ballet español: Antonia Mercé la Argentina, Encarnación López «La Argentinita» y Vicente Escudero y sus respectivas compañías. Otros intérpretes: Pastora Imperio, Laura Santelmo y Tórtola Valencia. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 16. La danza española. Segundo periodo: las décadas de 1940, 1950 y 1960. Evolución de la danza escénica española: Pilar López. Contextualización, rasgos estilísticos, principales obras. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 17. La danza española. Segundo periodo: las décadas de 1940, 1950, 1960 y 1970. Evolución de la danza escénica española: Mariemma. Contextualización, rasgos estilísticos, principales obras. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 18. La danza española. Segundo periodo: las décadas de 1940, 1950, 1960 y 1970. Evolución de la danza escénica española: Antonio Ruiz Soler. Contextualización, rasgos estilísticos, principales obras. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 19. La danza española. Tercer periodo: décadas de 1970, 1980 y 1990: Antonio Gades. Contextualización, rasgos estilísticos, principales obras. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 20. La danza española. Tercer periodo: décadas de 1970, 1980 y 1990: José Granero, Alberto Lorca. Contextualización, rasgos estilísticos, principales obras. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 21. Creación del Ballet Nacional de España. Principales compañías privadas. Nuevas tendencias de la danza española y nuevas generaciones de intérpretes hasta la actualidad. Difusión internacional. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 22. Análisis coreográfico del repertorio del folclore escénico. Análisis estilístico, contextual y su ejecución interpretativa. Conocimientos prácticos y teóricos aplicados.

Tema 23. Bases psicopedagógicas en el proceso de la enseñanza-aprendizaje del análisis y práctica del repertorio coreográfico.

Tema 24. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en el aula de danza. Didáctica y metodología del repertorio de danza española.

Tema 25. Didáctica específica para la enseñanza del análisis y práctica de las obras coreográficas y de repertorio de danza española en los estudios superiores de danza.

Tema 26. Sistema metodológico: metodologías, técnicas, estrategias y estilos docentes en la didáctica del repertorio de danza española tanto en el análisis teórico como en los conocimientos prácticos del mismo.

Tema 27. Sistema de evaluación: enfoque de la evaluación por competencias en el aula de análisis y práctica del repertorio.

Tema 28. Las funciones de la programación docente: de la teoría a la práctica del repertorio de la danza española en la formación reglada de niveles previos a la enseñanza superior: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

Tema 29. El taller de interpretación en las enseñanzas artísticas superiores. Desarrollo técnico y artístico del alumno. Ejemplificación a través de fragmentos de coreografías.

Tema 30. El montaje y la puesta en escena de una obra coreográfica: aspectos técnicos-artísticos y organizativos.

Tema 31. La figura del repetidor. El ensayo de una obra de repertorio y/o nueva creación. Su organización: estructura y ritmo. Etapas de trabajo y objetivos.

Baile flamenco

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores de danza en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características y estructura del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. El flamenco: historia y evolución en la etapa primitiva; desde finales del siglo XVIII hasta primera mitad del XIX. Principales maestros e intérpretes.

Tema 8. El flamenco: historia y evolución en la etapa de los cafés cantantes. Principales maestros e intérpretes.

Tema 9. El flamenco: historia y evolución en la etapa de la ópera flamenca. Principales maestros e intérpretes.

Tema 10. El flamenco: historia y evolución en la etapa llamada del renacimiento; años 1950 a 1975. Principales maestros e intérpretes.

Tema 11. El flamenco: historia y evolución en la época contemporánea; años 1975 hasta la actualidad. Principales maestros e intérpretes.

Tema 12. Clasificación de los palos flamencos. Estudio de su métrica (acentos, matices y compás). Estructuras coreográficas posibles dentro del enfoque tradicional.

Tema 13. El cante flamenco. Principales estilos para baile. Estructura, cuadratura y rítmica de la letra.

Tema 14. Fundamentos de la fisiología del ejercicio en la clase de baile flamenco. Ritmo y estructura de la clase para la secuenciación y desarrollo óptimo centrado en las capacidades físicas y prevención de lesiones.

Tema 15. Importancia de la base académica como herramienta para el desarrollo de necesidades técnicas en las diferentes formas del baile flamenco.

Tema 16. Conceptos fundamentales de las técnicas corporales más utilizadas en la danza. Su aplicación en la formación y mantenimiento del bailarín.

Tema 17. Las castañuelas o palillos en el baile flamenco. Diferentes elementos utilizados en la interpretación del flamenco (bata de cola, sombrero, capa y otros).

Tema 18. Estudio de los elementos técnicos del baile flamenco aplicados a las estructuras coreográficas de los diferentes palos.

Tema 19. Códigos de comunicación entre el cante, el baile y la guitarra en la docencia del baile flamenco: relación e interacción entre el cante, la guitarra y el baile.

Tema 20. Principales elementos del giro: estudio y tratamiento en las diferentes vueltas flamencas en sus diversos niveles educativos. El uso del espacio y el desplazamiento en la didáctica del baile flamenco.

Tema 21. Estilo de las principales escuelas del baile flamenco y su repercusión formal y técnica.

Tema 22. Herramientas de improvisación, creación y composición para el desarrollo de las capacidades técnicas, artísticas e interpretativas del alumno de baile flamenco como pedagogo en la enseñanza superior.

Tema 23. Herramientas de improvisación, creación y composición para el desarrollo de las capacidades técnicas, artísticas e interpretativas del alumno de baile flamenco como intérprete/coreógrafo en la enseñanza superior.

Tema 24. Desarrollo de la personalidad del intérprete y búsqueda de un lenguaje propio en los estudios superiores de danza. Desarrollo de la creatividad.

Tema 25. Modelo colaborativo entre el docente de música y el de danza. La importancia del ritmo en el baile flamenco. Acompañamiento musical en el aula.

Tema 26. La investigación, improvisación, codificación y composición en la sesión de técnicas de baile flamenco y su didáctica.

Tema 27. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en el aula de técnicas de danza y didáctica y metodología del baile flamenco. Dinámica de grupos.

Tema 28. Bases psicopedagógicas en el proceso de la enseñanza-aprendizaje de técnicas de danza y didáctica y metodología del baile flamenco.

Tema 29. Metodología y didáctica del baile flamenco en las técnicas de danza en los estudios superiores.

Tema 30. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza del baile flamenco en el nivel elemental.

Tema 31. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza del baile flamenco en el nivel medio.

Tema 32. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza del baile flamenco en el nivel avanzado.

Tema 33. Didáctica específica de la asignatura metodología y didáctica del baile flamenco en los estudios superiores de danza.

Tema 34. Didáctica del baile flamenco como formación metadisciplinar hacia otros estilos de danza.

Tema 35. Influencias de los diferentes coreógrafos del baile flamenco en la evolución de los métodos pedagógicos para la formación de bailarines, de coreógrafos y de pedagogos.

Tema 36. El cambio de paradigma del flamenco hoy en día. Mestizaje en el flamenco. Internacionalización del flamenco.

Tema 37. Sistema de evaluación: enfoque de evaluación por competencias en el aula de técnicas del baile flamenco.

Tema 38. Las funciones de la programación docente: de la teoría a la práctica del baile flamenco en la formación reglada de niveles previos a la enseñanza superior: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

Ciencias de la salud aplicadas a la danza

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Análisis funcional del dehors en danza. Biomecánica del dehors. Alineación del miembro inferior. Patomecánica de las lesiones de cadera.

Tema 8. Análisis funcional de los movimientos de plié, relevé y tendu en danza. Patomecánica de rodilla y pie.

Tema 9. Análisis funcional del salto. Biomecánica del salto.

Tema 10. Análisis funcional del porté. Biomecánica del porté. Patomecánica de las lesiones en columna y hombros.

Tema 11. Análisis funcional del movimiento con diferente calzado en danza. Biomecánica y patomecánica del trabajo en puntas y otros en la danza.

Tema 12. Sistema neuromuscular. Respuestas y adaptaciones al ejercicio físico propio de la práctica de la danza.

Tema 13. Nutrición. Respuestas y adaptaciones al ejercicio físico propio de la práctica de la danza.

Tema 14. Función cardiorrespiratoria y ejercicio. Respuestas y adaptaciones al ejercicio físico propio de la práctica de la danza.

Tema 15. Condición física. Dinámica de la carga de entrenamiento. Cualidades físicas básicas y sus formas específicas de trabajo en la práctica de danza. Principios fundamentales del entrenamiento para la práctica de la danza.

Tema 16. Desarrollo de una sesión tipo en el aula de danza. Calentamiento, parte principal y regreso a la distensión.

Tema 17. Fuerza. Concepto, clasificación y factores determinantes propios para la práctica de la danza. Metodología del entrenamiento. Control y valoración.

Tema 18. Resistencia y Velocidad. Concepto, clasificación y factores determinantes propios para la práctica de la danza. Metodología del entrenamiento. Control y valoración.

Tema 19. Flexibilidad. Concepto, clasificación y factores determinantes propios para la práctica dancística. Metodología del entrenamiento. Control y valoración.

Tema 20. Equilibrio. Concepto, clasificación y factores determinantes propios para la práctica dancística. Metodología del entrenamiento. Control y valoración.

Tema 21. Respiración. Concepto y tipos de respiración. Evaluación y facilitación de patrones respiratorios defectuosos en danza. Metodología del entrenamiento. Control y mejora de la respiración.

Tema 22. Acondicionamiento físico y salud. Control postural. Respiración. Relajación. Programas de actividad física para población específica. Coordinación de las técnicas descritas con el movimiento en danza.

Tema 23. Control postural y correcta alineación del bailarín. Coordinación motora. Visualización y dirección de movimiento en danza.

Tema 24. Aplicaciones y conceptos fundamentales de técnicas corporales más utilizadas en danza.

Tema 25. Conceptos fundamentales y aplicaciones a la danza del método Pilates.

Tema 26. Conceptos fundamentales y aplicaciones a la danza de los métodos Franklin, Gyrokinesis y Gyrotonic.

Tema 27. Conceptos fundamentales y aplicaciones a la danza de los métodos Feldenkrais y Alexander.

Tema 28. Etiopatogenia de las lesiones en danza. Factores intrínsecos y extrínsecos relacionados con la danza.

Tema 29. Periodos diferenciales de crecimiento, maduración y desarrollo humano. Crecimiento, maduración, desarrollo de los principales sistemas del organismo en relación con la evolución artística y formativa.

Tema 30. Modelos explicativos del desarrollo motor humano. La motricidad en los diferentes periodos de desarrollo. Evolución de las capacidades motrices y perceptivas motrices. La influencia de la danza en el desarrollo motor.

Tema 31. Aspectos fisiológicos del ejercicio físico en la edad infantil. Peligros potenciales de la actividad física propia de la danza durante etapas de crecimiento, maduración, desarrollo. Patologías ligadas al crecimiento más frecuentes en danza.

Tema 32. Análisis funcional del movimiento en la danza.

Tema 33. Cinesiología o quinesiología aplicada a la danza. Conceptos básicos de anatomía y biomecánica funcional del aparato locomotor. Sistemas osteoarticular y muscular (sistemas neuromusculares).

Tema 34. Anatomía y biomecánica funcional del aparato locomotor (cinesiología aplicada a la danza). Extremidad superior. Sistemas osteoarticular y muscular (sistemas neuromusculares).

Tema 35. Anatomía y biomecánica funcional del aparato locomotor (cinesiología aplicada a la danza). Extremidad Inferior. Sistemas osteoarticular y muscular (sistemas neuromusculares).

Tema 36. Anatomía y biomecánica funcional del aparato locomotor (cinesiología aplicada a la danza). Tronco. Sistemas osteoarticular y muscular (sistemas neuromusculares).

Tema 37. Prevención de lesiones en danza. Medidas generales y específicas de prevención de lesiones en danza.

Composición coreográfica

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores de danza en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo y performativo. Características y estructura del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. La obra coreográfica. Sus elementos. Interrelación con otras artes.

Tema 8. La creación coreográfica: teorías de la composición. El proceso creativo y la autoría.

Tema 9. La improvisación como herramienta de creación.

Tema 10. Historia y panorama de la improvisación.

Tema 11. Propuestas de improvisación que se adecuen para contribuir a la composición coreográfica.

Tema 12. Propuestas de trabajo para la preparación de la obra que se funda y se plantea para ser representada a través de a la improvisación.

Tema 13. Planificación y organización del proceso creativo. Del estudio a la escena: fases e intervinientes. El equipo artístico y técnico.

Tema 14. La composición y los elementos escénicos: el espacio sonoro, visual y cinestésico o quinestésico.

Tema 15. Música, sonido y silencio. La relación de la música con la danza en la composición coreográfica.

Tema 16. Técnicas de la danza anteriores al siglo XX.

Tema 17. Las técnicas de la danza a partir del siglo XX.

Tema 18. Semiología, signo y símbolo en la composición coreográfica.

Tema 19. Uso del texto o del lenguaje hablado y su aplicación a la composición coreográfica.

Tema 20. Teorías básicas o fundamentales de la composición.

Tema 21. Teorías básicas o fundamentales de la improvisación.

Tema 22. Grandes coreógrafos de la historia de la danza y sus aportaciones a la creación coreográfica.

Tema 23. La coreografía, su uso fuera de las técnicas de danza.

Tema 24. Improvisación en danza, cómo practicarla y cómo mejorar su calidad.

Tema 25. La innovación en la danza actual. Cambios de paradigma en la danza del siglo XXI: innovaciones y cuestionamientos a la danza moderna y posmoderna.

Tema 26. Aplicación de las tecnologías a la composición coreográfica: videodanza, mapping, circuitos cerrados, iluminación por proyectores, detectores de movimiento y otros.

Tema 27. La composición en espacios insólitos; la composición más allá del espacio escénico tradicional.

Tema 28. El cuerpo como poética. El cuerpo como herramienta de conocimiento. Las vías de la investigación corporal.

Tema 29. Poética del movimiento. Movimiento y gesto. La cotidianidad y la danza.

Tema 30. El espacio en la composición. Lectura del espacio. Diseños espaciales.

Tema 31. La presencia y el cuerpo. Crisis de la danza en movimiento.

Tema 32. Sistema de evaluación: enfoque de la evaluación por competencias en el aula de Composición coreográfica.

Tema 33. Las funciones de la programación docente. De la teoría a la práctica: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

Danza clásica

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Del Renacimiento al Tardorromanticismo. Evolución del ballet.

Tema 8. El siglo XX. De los Ballets rusos de Diaghilev al nacimiento del Neoclásico. Desarrollo y evolución de la danza clásica en Europa y Estados Unidos.

Tema 9. Fundamentos de la fisiología del ejercicio en la clase de danza clásica. Ritmo y estructura de la clase para la secuenciación y desarrollo óptimo centrado en las capacidades físicas y prevención de lesiones.

Tema 10. Conceptos fundamentales de las técnicas corporales más utilizadas en la danza. Su aplicación en la formación del bailarín.

Tema 11. Cuerpo, espacio, tiempo, coordinación y respiración, su relación en las diferentes calidades del movimiento de la danza clásica. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 12. Metodología y didáctica del Adagio en la danza clásica. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 13. Metodología y didáctica del giro en la danza clásica. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 14. Metodología y didáctica del salto en la danza clásica. Estudio y análisis de los entrepasos. Estudio y tratamiento didáctico del pequeño y mediano Allegro.

Tema 15. Metodología y didáctica de los grandes saltos en la danza clásica. Estudio y tratamiento didáctico del gran Allegro.

Tema 16. Metodología y didáctica de la técnica de puntas en la danza clásica. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 17. Metodología y didáctica específica de varones. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 18. Metodología y didáctica específica de paso a dos. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 19. La música y la danza. Modelo colaborativo entre el docente de música y el docente de danza. El acompañamiento musical en el aula de danza clásica.

Tema 20. Herramientas de improvisación, creación y composición para el desarrollo de las capacidades, técnicas, artísticas e interpretativas del alumno de danza clásica como intérprete / coreógrafo en los estudios superiores.

Tema 21. Herramientas de improvisación, creación y composición para el desarrollo de las capacidades artísticas, técnicas e interpretativas del alumno de danza clásica como pedagogo en la enseñanza superior.

Tema 22. Principales escuelas de la danza clásica lo largo de la historia y su repercusión formal, técnica, estilística y artística. Principales figuras.

Tema 23. La danza clásica, desarrollo, evolución y transformación. La formación del bailarín actual. Aspectos técnicos y artísticos.

Tema 24. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en el aula de técnicas de danza y de didáctica y de metodología de la danza. Dinámica de grupos.

Tema 25. Bases psicopedagógicas en el proceso de la enseñanza-aprendizaje de la sesión de técnicas de danza y de didáctica y metodología de la danza clásica.

Tema 26. Metodología y didáctica de las técnicas de danza clásica en los estudios superiores.

Tema 27. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza de la danza clásica en el nivel elemental.

Tema 28. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza de la danza clásica en el nivel medio.

Tema 29. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza de la danza clásica en el nivel avanzado.

Tema 30. Didáctica específica de la asignatura metodología y didáctica de la danza clásica en los estudios superiores de danza.

Tema 31. Sistema metodológico: metodologías, técnicas, estrategias y estilos docentes en la didáctica de la danza clásica.

Tema 32. Didáctica de la danza clásica como formación metadisciplinar hacia la danza contemporánea, hacia la danza Española y hacia otras danzas.

Tema 33. Sistema de evaluación: enfoque de la evaluación por competencias en el aula de danza clásica.

Tema 34. Las funciones de la programación docente. De la teoría a la práctica de la danza clásica en la formación reglada de niveles previos a la enseñanza superior: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

Danza contemporánea

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Nacimiento y desarrollo de la danza moderna americana y europea hasta mediados del siglo XX.

Tema 8. Evolución y expansión de la danza moderna a la danza contemporánea desde mitad del siglo XX hasta la actualidad.

Tema 9. Fundamentos de la fisiología del ejercicio en la clase de danza contemporánea. Ritmo y estructura de la clase para la secuenciación y desarrollo óptimo centrado en las capacidades físicas y prevención de lesiones.

Tema 10. Conceptos fundamentales de las técnicas corporales más utilizadas en la danza contemporánea. Su aplicación en la formación del bailarín.

Tema 11. Elementos de consciencia, propiocepción y poética en el cuerpo. Espacio, tiempo y cualidades del movimiento (respiración, coordinación…) de la danza contemporánea y su repercusión técnica y artística.

Tema 12. Elementos, competencias, objetivos, contenidos y principios de la técnica de suelo de la danza contemporánea y su didáctica específica.

Tema 13. Elementos, competencias, objetivos, contenidos y principios de la técnica de la danza contemporánea en la vertical y su didáctica específica.

Tema 14. Metodología y didáctica del desplazamiento en el espacio y su utilización en la danza contemporánea. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 15. Metodología y didáctica del giro en la danza contemporánea. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 16. Metodología y didáctica del salto en la danza contemporánea. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 17. Metodología y didáctica del trabajo de dúo en la danza contemporánea. Estudio y tratamiento didáctico.

Tema 18. Elementos, competencias, objetivos, contenidos y principios de la técnica contact- improvisation, su metodología y su didáctica.

Tema 19. Principales técnicas de la danza moderna, posmoderna y contemporánea en Europa, América y otros países, con influencias en la sesión de técnicas de la danza contemporánea y su repercusión en su didáctica.

Tema 20. Las nuevas técnicas de la danza contemporánea, su repercusión e influencia en la formación técnico-corporal y su didáctica.

Tema 21. La danza contemporánea y su relación con los lenguajes sonoros. Modelo colaborativo del músico y el intérprete, coreógrafo o pedagogo de la danza contemporánea. El acompañamiento musical en el aula.

Tema 22. Herramientas de improvisación, creación y composición para el desarrollo de las capacidades, técnicas, artísticas e interpretativas del alumno de danza contemporánea como intérprete/coreógrafo en los estudios superiores.

Tema 23. Herramientas de improvisación, creación y composición para el desarrollo de las capacidades artísticas, técnicas e interpretativas del alumno de danza contemporánea como docente en los estudios superiores.

Tema 24. Desarrollo de la personalidad del intérprete y búsqueda de un lenguaje propio en los estudios superiores de danza. Desarrollo de la creatividad.

Tema 25. La investigación, improvisación, codificación y composición en la sesión de técnicas de danza contemporánea y su didáctica.

Tema 26. La investigación, improvisación, codificación y composición en la sesión de metodología de la danza contemporánea y su didáctica.

Tema 27. Elementos, competencias, objetivos, contenidos y principios de la performance y su didáctica.

Tema 28. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza de la Danza contemporánea en el nivel elemental.

Tema 29. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza de la danza contemporánea en el nivel medio.

Tema 30. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza de la danza contemporánea en el nivel avanzado.

Tema 31. Didáctica específica de la asignatura metodología y didáctica de la danza contemporánea en los estudios superiores de danza.

Tema 32. Didáctica de la danza contemporánea como formación metadisciplinar hacia la danza clásica, hacia la danza española y hacia otras danzas. Influencia de la base académica en el desarrollo de la danza contemporánea.

Tema 33. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en el aula de técnicas de danza y de didáctica y de metodología de la danza contemporánea. Dinámica de grupos.

Tema 34. Bases psicopedagógicas en el proceso de la enseñanza-aprendizaje de la sesión de técnicas de danza y de didáctica y metodología de la danza contemporánea.

Tema 35. Sistema de evaluación: enfoque de la evaluación por competencias en el aula de danza contemporánea.

Tema 36. Las funciones de la programación docente. De la teoría a la práctica de la danza contemporánea en la formación reglada de niveles previos a la enseñanza superior: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

Danza educativa

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características del trabajo de investigación

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. La danza en el sistema educativo de régimen general. Revisión histórica de su situación desde la Ley Orgánica de Ordenación General del sistema educativo (LOGSE). Tratamiento de la danza en el currículum de ámbito formal. Proyectos educativos en las enseñanzas de régimen general.

Tema 8. Danza educativa y creativa en el ámbito no formal e informal, reglado y no reglado: escuelas de música y danza, proyectos educativos en centros culturales públicos y privados.

Tema 9. Danza educativa y creativa. Antecedentes históricos. Finalidad principal y conceptos fundamentales. Criterios de calidad de los principales organismos (NACEA, UNESCO).

Tema 10. Conceptos básicos de las teorías de Rudolf Laban en el ámbito de la danza educativa y creativa. Aplicaciones didácticas.

Tema 11. Técnicas y bases psicopedagógicas para el proceso de enseñanza-aprendizaje en el aula de danza educativa y creativa. Dinámicas de grupo.

Tema 12. La importancia del juego y la exploración como herramientas para la creación artística. La creatividad y sus características esenciales.

Tema 13. La improvisación y la composición de movimiento como elemento fundamental en la didáctica de la danza educativa y creativa.

Tema 14. La danza educativa y creativa como educación artística y estética. El desarrollo de la sensibilización creadora a través del arte.

Tema 15. La danza en conexión con otras artes en el aula de danza educativa y creativa. Didácticas interdisciplinares en la educación artística y estética.

Tema 16. La importancia de la integración de la música en la enseñanza de la danza educativa y creativa. La interrelación con los parámetros musicales, la escucha activa y la práctica musical.

Tema 17. La función de la danza educativa en la enseñanza de música y movimiento dentro del ámbito de las escuelas municipales de música y danza.

Tema 18. Danza comunitaria. Evolución del concepto. La danza como herramienta para la inclusión social y la coeducación. Escuela integradora. Escuela inclusiva.

Tema 19. Metodologías, técnicas y estrategias para la atención a diferentes colectivos y contextos culturales y artísticos en el aula de danza educativa y creativa.

Tema 20. Didáctica específica de las danzas de tradición histórica y etnológica como herramienta de integración en el aula de danza educativa y creativa en la educación formal, no formal e informal.

Tema 21. Enfoque sociológico, antropológico y artístico de las diferentes culturas y sus manifestaciones expresivas, en el ámbito educativo. La educación multicultural. La danza educativa y creativa como instrumento de trabajo para el fomento de diversidad e interacción grupal.

Tema 22. Didáctica, técnicas y estrategias de expresión corporal a través de la danza. Expresión corporal. Creatividad. Movimiento creativo.

Tema 23. El desarrollo de competencias múltiples a través de la danza educativa y creativa. Inteligencia emocional, empatía, asertividad y habilidades sociales.

Tema 24. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en contextos educativos, comunitarios y sociales.

Tema 25. Didáctica específica en el proceso de enseñanza-aprendizaje de la sesión de danza educativa y creativa. Metodologías, técnicas, herramientas, estrategias en los estudios superiores de danza.

Tema 26. Perfil docente para la didáctica de la danza educativa y creativa. Cualidades personales y actitudinales. Formación pedagógica, didáctica y científica. La comunicación positiva. Habilidades para la cooperación docente con otros profesionales.

Tema 27. Procedimientos para la evaluación con diferentes perfiles de destinatarios. Enfoque de evaluación por competencias en el aula de danza educativa.

Tema 28. La programación en las sesiones de danza educativa y creativa: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos. La planificación del trabajo docente.

Danza española

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores de danza en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características y estructura del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula de danza.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. La danza española: historia y evolución de sus diferentes estilos hasta finales del siglo XIX.

Tema 8. La danza española: historia y evolución de sus diferentes estilos desde el siglo XX hasta la actualidad.

Tema 9. Fundamentos de la fisiología del ejercicio en la clase de danza española. Ritmo y estructura de la clase para la secuenciación y desarrollo óptimo centrado en las capacidades físicas y prevención de lesiones.

Tema 10. Importancia de la base académica como herramienta para el desarrollo de necesidades técnicas en las diferentes formas de la danza española y su aplicación en los estudios superiores de danza.

Tema 11. Conceptos fundamentales de las técnicas corporales más utilizadas en la danza. Su aplicación en la formación y mantenimiento del bailarín.

Tema 12. Las castañuelas: estudio, metodología e interpretación en la danza española. Las castañuelas en el folklore. Las castañuelas en la música culta. Sistemas de notación.

Tema 13. El zapateado: estudio, metodología e interpretación en la danza española. Diferencias entre su tratamiento en el flamenco y en la danza estilizada. Sistemas de notación.

Tema 14. Didáctica del análisis del movimiento en el estudio de las diferentes formas de la danza española. Su influencia en la formación del bailarín.

Tema 15. Estudio, análisis y didáctica de las peculiaridades en el tratamiento de los escorzos: la cabeza, el torso y los brazos en la danza española.

Tema 16. Herramientas de improvisación, creación y composición para el desarrollo de las capacidades técnicas, artísticas e interpretativas del alumno de danza española como pedagogo en la enseñanza superior.

Tema 17. Herramientas de improvisación, creación y composición para el desarrollo de las capacidades técnicas, artísticas e interpretativas del alumno de danza española como intérprete/coreógrafo en la enseñanza superior.

Tema 18. Desarrollo de la personalidad del intérprete y búsqueda de un lenguaje propio en los estudios superiores de danza. Desarrollo de la creatividad.

Tema 19. Importancia de la danza española en la formación del individuo. La danza tradicional y la repercusión de su ausencia en la sociedad actual. Su incorporación en las enseñanzas de régimen general.

Tema 20. Modelo colaborativo entre el docente de música y el de danza. Aspectos fundamentales de la música en la danza española. Acompañamiento musical en el aula.

Tema 21. La investigación, improvisación, codificación y composición en la sesión de Técnicas de danza española y su didáctica.

Tema 22. Didáctica de la improvisación y composición en los estudios superiores de danza para la formación del bailarín de danza española.

Tema 23. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en el aula de técnicas de danza y de didáctica y metodología de la danza española. Dinámica de grupos.

Tema 24. Bases psicopedagógicas en el proceso de la enseñanza-aprendizaje de técnicas de danza y didáctica y metodología de la danza española.

Tema 25. Metodología y didáctica de la escuela bolera en las técnicas de danza en los estudios superiores.

Tema 26. Metodología y didáctica del folklore en las técnicas de danza en los estudios superiores.

Tema 27. Metodología y didáctica de la danza estilizada en las técnicas de danza en los estudios superiores.

Tema 28. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza de la danza española en el nivel elemental.

Tema 29. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza de la danza española en el nivel medio.

Tema 30. Didáctica específica en los estudios superiores de danza de la metodología para la enseñanza de la danza española en el nivel avanzado.

Tema 31. Didáctica específica de la asignatura metodología y didáctica de la danza española en los estudios superiores de danza.

Tema 32. Didáctica de la danza española como formación metadisciplinar hacia otros estilos de danza.

Tema 33. Diferentes líneas metodológicas en la enseñanza de la danza española a través de su historia: técnicas, estrategias y estilos docentes.

Tema 34. Influencias de los diferentes coreógrafos de la danza española en la evolución de los métodos pedagógicos para la formación de bailarines, coreógrafos y pedagogos.

Tema 35. Sistema de evaluación: enfoque de evaluación por competencias en el aula de técnicas de la danza española.

Tema 36. Las funciones de la programación docente: de la teoría a la práctica de la danza española en la formación reglada de niveles previos a la enseñanza superior: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

Escenificación aplicada a la danza

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. La acción dramática: el conflicto. Definición de acción dramática. Formas de acción. Tipología de conflictos. Protagonista-antagonista. Estrategias y motivaciones del personaje.

Tema 8. Espacio dramático. Tipologías de espacios escénicos. El espacio posdramático y su estética.

Tema 9. Tiempo dramático aristotélico. Modalidades y recursos temporales. División temporal de las obras. El uso del tiempo en la escenificación posdramática.

Tema 10. Composición del personaje I: el ser en acción. Los modelos comportamentales y la idea de personaje. Personalidad y conflicto. La personalidad del personaje. Rasgos y roles.

Tema 11. Composición del personaje II: diferentes estructuras de personajes. Personaje máscara, religioso y alegórico, arquetipo, dramático, culto o popular, naturalista o romántico.

Tema 12. La escenificación del cuerpo en la danza posdramática. Cuerpo estético versus cuerpo real. Miradas sobre el cuerpo.

Tema 13. Danza, teatro y performance. Nuevos modelos de representación híbridos. Dramaturgias de la complejidad: dramaturgia de acción, dramaturgia demostrativa, dramaturgia de la imagen.

Tema 14. Concepto y significación de la iluminación escénica. El trabajo del coreógrafo con el iluminador. Los recursos técnicos y su traducción en la escenificación. Propuestas de iluminación en función del espacio escénico escogido.

Tema 15. La realidad virtual y la realidad aumentada, recursos de escenificación a través de las nuevas tecnologías: la escenografía aumentada.

Tema 16. Los ensayos. Concepto y sentido de los ensayos. Trabajo previo del coreógrafo: sentido. Tema, propósito, referencia. Planificación con los creativos. Etapas de trabajo y objetivos.

Tema 17. Antropología del origen del espectáculo. Génesis y definición de la antropología teatral y de la danza. Del rito al mito. Pervivencia del mito en la escenificación actual.

Tema 18. Origen de la dramaturgia: La poética aristotélica. La escenificación en el mundo griego: espacio escénico, didaskalo y espacio público. La tragedia y la danza.

Tema 19. Nacimiento y evolución de la Comedia Antigua, Media y Nueva en Grecia. La danza en la comedia griega. Recursos escénicos y escenográficos en la representación del periodo.

Tema 20. La escenificación en Roma. Nuevos géneros escénicos: la comedia romana, mimos, tetimimos y pantomimos. La danza y el nuevo concepto de espectáculo.

Tema 21. Recursos y puesta en escena durante el periodo medieval. El templo como espacio de representación y la calle como espacio escénico. Técnicas específicas de la escenificación de la Danza de la Muerte y las Danzas del Corpus. Pervivencia de las técnicas escénicas medievales en las fiestas populares y en las representaciones de calle.

Tema 22. Las técnicas escénicas del jardín y el palacio renacentista. Puestas en escena de la danza del periodo del Renacimiento. La representación en los teatros isabelinos, el corral de comedias y la sala de juego de pelota.

Tema 23. El nacimiento del teatro de caja italiana y los grandes espectáculos de ballet. Recursos escénicos de los grandes teatros. La escena dúctil y la escena versátil. El nacimiento de la ópera y danza de corte.

Tema 24. La escenificación en el Barroco. El auto sacramental, tipología de representación. Representación del teatro popular y sus géneros. La representación en la corte. La danza en el espectáculo barroco.

Tema 25. Los profesionales de la danza. Influencias de la Comedia del Arte. Moliere y la Comédie-Ballet. La Ópera-Ballet. La escenificación de los grandes Ballets de Versalles.

Tema 26. El nuevo concepto de la dramaturgia en el siglo XVIII, la renovación escénica de Noverre y su danza de acción. Lessing y la dramaturgia de Hamburgo. Nuevos retos del dramaturgista en la escenificación.

Tema 27. La renovación escénica de los Ballets rusos de Diaghilev. Le tableau vivant.

Tema 28. Wagner, Appia y Dalcroze: principios de la nueva escenificación del siglo XX. Concepto de obra de arte total. El cuerpo, el ritmo en la puesta en escena. Adolphe Appia y el espacio tridimensional.

Tema 29. Gordon Graig y su renovación escénica, la escenografía y la iluminación en la creación escenográfica. Gordon Graig e Isadora Duncan como renovadores escénicos. La escenografía simbolista.

Tema 30. Renovadores de la escenificación I. Danza americana, antecedentes: Loie Fuller, Ruth St. Denis, Ted Shawn. La primera generación (1920-1939), de Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman a Hanya Holm.

Tema 31. Renovadores de la escenificación II. La segunda generación (1940-59), de Pearl Lang, Sophie Maslow, Jane Dudley, José Limón, Alwin Nikolais, Merce Cunningham, Erick Hawkins a Paul Taylor. La época del Judson (década de 1960) De David Gordon, Yvonne Rainer, Trisha Brown, a, Lucinda Childs.

Tema 32. Meyerhold y las vanguardias escénicas. La estilización teatral. La biomecánica. El Constructivismo Ruso y Meyerhold.

Tema 33. La danza y la nueva iluminación eléctrica. El cuerpo en movimiento y el escenario kinético. La Bauhaus y Oskar Schlemmer.

Tema 34. Poética brechtiana frente a la aristotélica. El efecto Verfremdung. Técnicas de puesta en escena empleadas por Bertolt Brecht en el teatro épico.

Tema 35. La teatralización en el arte coreográfico. La danza alemana en el siglo XX. Rudolph Laban, Mary Wigman, Kurt Jooss, Harald Kreutzberg. La danza expresiva en el contexto del expresionismo. La danza Teatro: Pina Bausch y Gerhard Bohner.

Tema 36. El coreógrafo director de escena. Concepto contemporáneo del director escénico. La formación del coreógrafo en la dirección escénica.

Historia de la danza

Tema 1. Las Enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Epistemología de la historia de la danza.

Tema 8. La danza en la Antigüedad, el mundo clásico y la Edad Media.

Tema 9. El nacimiento del ballet. La danza en el Renacimiento. Génesis del Ballet de Cour. La danza en España.

Tema 10. Del Ballet de Cour a la Ópera-Ballet y otros géneros en el Barroco. El paso hacia el profesionalismo. La danza en España.

Tema 11. La danza en el siglo XVIII. De la Ópera-Ballet al Ballet de acción. Noverre y otros reformadores. La danza en España.

Tema 12. El ballet romántico, génesis y desarrollo. Principales obras y figuras del ballet romántico. La danza en España.

Tema 13. El tardorromanticismo. El triunfo del ballet académico. El ballet imperial ruso. Principales obras y figuras.

Tema 14. Orígenes, características y etapas del flamenco.

Tema 15. Los inicios del siglo XX, primeras décadas. Diaghilev y los Ballets rusos (coreógrafos, compositores y escenógrafos). Otras compañías del momento. Principales obras y figuras.

Tema 16. La danza en España en la Edad de Plata.

Tema 17. Evolución de la danza académica hasta mediados del siglo XX. El ballet neoclásico y su desarrollo en los diferentes países. Principales obras y figuras.

Tema 18. Evolución de la danza académica desde mediados del siglo XX en Europa.

Tema 19. Evolución de la danza académica desde mediados del siglo XX en Estados Unidos. Principales obras y figuras.

Tema 20. Evolución de la danza académica en España desde mediados del siglo XX: Principales obras y figuras.

Tema 21. Los fundamentos de la danza moderna. Precursores y teóricos del movimiento. La primera generación de pioneros americanos y europeos. La danza libre de principios del siglo XX.

Tema 22. La danza moderna americana. La generación histórica de fundadores de la Modern Dance.

Tema 23. La danza moderna europea de las primeras décadas del siglo XX. La danza de expresión y la danza expresionista alemana. La danza experimental de la Bauhaus.

Tema 24. La danza en Estados Unidos y Japón tras la Segunda Guerra Mundial.

Tema 25. La danza contemporánea en Europa tras la Segunda Guerra Mundial.

Tema 26. La danza contemporánea en España tras la Segunda Guerra Mundial.

Tema 27. La danza española desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días.

Tema 28. El flamenco desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días.

Tema 29. Danza y artes plásticas.

Tema 30. Danza y artes visuales.

Tema 31. Danza y literatura.

Tema 32. Danza y música.

Tema 33. Danza y pensamiento.

Psicopedagogía y gestión educativa

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores de danza en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de la enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características y estructura del trabajo de investigación.

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) aplicadas a la formación y desarrollo curricular en el aula.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Antecedentes históricos de las principales teorías y autores que sustentan la pedagogía, psicología y psicopedagogía: Aplicaciones al ámbito de la psicopedagogía de la danza y su contexto de intervención.

Tema 8. Principales aportaciones, teorías, modelos y autores de la didáctica del arte en áreas epistemológicas, estéticas, antropológicas, sociológicas, artísticas, pedagógicas y psicológicas.

Tema 9. Principios didácticos en el proceso de enseñanza-aprendizaje de la danza: conductismo, cognitivismo, constructivismo, aprendizaje significativo, la pedagogía activa y la nueva escuela (nuevas metodologías participativas).

Tema 10. El proceso de aprendizaje en el aula de danza: habilidades cognitivas y metacognitivas, procesamiento de la información, aprendizaje por observación, aprendizajes superiores, atención y memoria. Canales de comunicación en el aula de danza: verbal, visual y cinestético-táctil. Incorporación de nuevas metodologías de aprendizaje.

Tema 11. Implicaciones evolutivas en la enseñanza-aprendizaje de los/as alumnos/as de enseñanzas elementales de danza y/o contextos de educación no formal e informal: implicaciones del desarrollo social, motor y afectivo.

Tema 12. Implicaciones evolutivas en la enseñanza-aprendizaje de los/as alumnos/as de enseñanzas profesionales de danza y/o contextos de educación no formal e informal: implicaciones del desarrollo social, motor y afectivo.

Tema 13. Implicaciones en el desarrollo artístico y orientación laboral en las enseñanzas superiores de danza y/o contextos de educación no formal e informal. La acción tutorial en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Madurez vocacional y proyecto de vida. Funciones del tutor.

Tema 14. Fundamentación psicológica y pedagógica del currículo de danza en sus distintos niveles evolutivos de la formación: diseño curricular. Desarrollo curricular. Fundamentos psicológicos, pedagógicos, antropológicos, sociológicos y artísticos del currículo.

Tema 15. La personalización del proceso enseñanza-aprendizaje. El enfoque didáctico para la individualización, socialización y globalización en el aula de danza. La diversificación curricular: adaptaciones curriculares y metodológicas en contenidos y evaluación. Objetivos y criterios de adaptación del currículo.

Tema 16. Atención didáctica en el aula de danza y en sus diferentes contextos a personas con discapacidad intelectual, déficits sensoriales, alteraciones de la comunicación, alteraciones comportamentales y asociales, déficits motores.

Tema 17. La evaluación psicopedagógica: sus técnicas e instrumentos de evaluación. Evaluación psicopedagógica del alumnado con discapacidad motora. Evaluación de la superdotación y los talentos. Evaluación del alumnado con dificultades de aprendizaje.

Tema 18. Departamento de orientación en danza. Evolución legislativa. Objetivos de la orientación. Fases de la orientación educativa. Ámbitos de intervención en la orientación. Modelos, principios y técnicas de orientación educativa. Funciones, competencias y necesidades del departamento de orientación en danza.

Tema 19. Organización y gestión de centros educativo-artísticos de los diferentes niveles: Rasgos característicos de los centros educativo-artísticos. Estructuras de gobierno y coordinación. Función de las asociaciones de padres y madres. Las funciones del profesorado (equipos docentes). El equipo directivo. El consejo escolar. El claustro. Departamentos. Comisiones de coordinación. Tutorías.

Tema 20. Principales proyectos educativos en sus diferentes niveles de concreción: marco legislativo, proyecto educativo de centro, proyecto curricular de centro, reglamento de régimen interior, programaciones y guías docentes, adaptaciones curriculares y otros elementos.

Tema 21. La innovación en el aula de danza: programas de innovación docente. Diseño y desarrollo de programas de prevención educativa: trastornos de la alimentación, trastorno emocional, trastorno por déficit de atención, la creatividad en el aula de danza.

Tema 22. Psicología de los grupos. Estructura del grupo. Liderazgo y funcionamiento grupal. Resolución de conflictos inter e intragrupos. Dinámicas de grupo en el aula de danza.

Tema 23. Teoría y práctica de la arteterapia. Aplicaciones terapéuticas del movimiento. Técnicas de arteterapia. Arte y salud. Nuevas tendencias.

Tema 24. Gestión de recursos humanos: habilidades sociales y de comunicación, liderazgo, creatividad, motivación, inteligencia emocional, empatía, asertividad.

Tema 25. Bases psicopedagógicas en el proceso de la enseñanza-aprendizaje de las asignaturas propias de la especialidad de psicopedagogía de la danza en las enseñanzas artísticas superiores de danza.

Tema 26. Miedo escénico y técnicas de afrontamiento. Tipos de respiración. Técnicas de relajación. Visualización.

Tema 27. Fundamentos educativos: enfoques, paradigmas, teorías y modelos de intervención en el aula de las asignaturas propias de la especialidad de psicopedagogía de la danza en las enseñanzas artísticas superiores de danza.

Tema 28. Didáctica específica de las asignaturas propias de la especialidad de psicopedagogía de la danza en las enseñanzas artísticas superiores de danza.

Tema 29. Sistema metodológico: metodologías, técnicas, estrategias y estilos docentes en la didáctica de las asignaturas propias de la especialidad de psicopedagogía de la danza en las enseñanzas artísticas superiores de danza.

Tema 30. Sistema de evaluación: Enfoque de evaluación por competencias en las asignaturas propias de la especialidad de psicopedagogía de la danza en las enseñanzas artísticas superiores de danza.

Tecnologías aplicadas a la danza

Tema 1. Las enseñanzas artísticas en el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Ordenación de las enseñanzas artísticas superiores en España y su desarrollo en las Comunidades Autónomas. Principales organismos que regulan la calidad de las enseñanzas artísticas superiores.

Tema 2. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las Enseñanzas Artísticas Superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés. Específica de la Comunidad Autónoma.

Tema 3. Metodología de la investigación aplicada a la danza. Paradigmas cuantitativo, cualitativo, performativo y educativo. Características del trabajo de investigación

Tema 4. Desarrollo profesional docente: emprendimiento y formación permanente. Teorías y modelos de comunicación didáctica en el contexto del EEES.

Tema 5. Modelos colaborativos entre los centros superiores de danza y los diferentes ámbitos, contextos y niveles educativos y/o profesionales. Innovación docente, interdisciplinaridad y comunidades de aprendizaje.

Tema 6. La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.

Tema 7. Historia de la imagen en movimiento. Del cine al video experimental. La relación histórica entre las artes escénicas y la formación de un lenguaje audiovisual propio.

Tema 8. El lenguaje audiovisual. Análisis del texto audiovisual, sus componentes, su articulación.

Tema 9. Historia del video. La democratización del audiovisual en la producción artística.

Tema 10. Figuras claves del siglo XX en el desarrollo de la relación entre la tecnología y el cuerpo en las artes escénicas y performativas.

Tema 11. El cuerpo como tecnología. Visiones del cuerpo desde la cibernética, la robótica y el posthumanismo.

Tema 12. Análisis crítico del uso de las tecnologías: hacia una teoría crítica de la producción artística en la sociedad de la información.

Tema 13. Recursos tecnológicos para la puesta en escena. Transformación del espacio escénico con el uso de la tecnología. Dispositivos de iluminación, sonido e imagen. El vídeo como escenografía, video-mapping, escenografía generativa.

Tema 14. Escena aumentada. Nuevos medios de captura de datos y su aplicación en la danza. Programas informáticos y dispositivos para la captura y gestión de datos en las artes escénicas. Interactividad, control reactivo de dispositivos.

Tema 15. Programas informáticos y otras tecnologías relacionadas con la creación y la composición coreográfica y escénica.

Tema 16. El registro audiovisual documental como parte del proceso de investigación de la danza. Registro, captura, edición y exportación del video digital, y su aplicación en la danza. El video como herramienta de documentación y archivo.

Tema 17. Internet como medio de información, comunicación y aprendizaje. Redes sociales, internet 2.0, plataformas de intercambio de herramientas creativas copyleft, grupos de interés, medios de comunicación especializados, herramientas de gestión y producción de la información, creación de comunidades creativas e interacciones a nivel global.

Tema 18. El video-danza como género audiovisual. La realización de narraciones de video-danza: aspectos técnicos, artísticos y de producción.

Tema 19. La música electrónica: música auto-generativa, interacción sonido-movimiento. Tecnologías aplicadas a la creación sonora en artes escénicas.

Tema 20. El uso creativo de las tecnologías domésticas. Dispositivos móviles. Análisis de los usos creativos del low-tech.

Tema 21. La formación permanente del profesorado en tecnologías de la información y la comunicación. Nuevos escenarios.

Tema 22. La competencia digital de los estudiantes como elemento clave para el desarrollo en la sociedad de la información.

Tema 23. Fundamentos pedagógicos: integración curricular de las tecnologías de la información y la comunicación en la educación superior. Modelos de integración curricular.

Tema 24. Metodologías y estrategias didácticas con tecnologías de la información y la comunicación en educación superior.

Tema 25. La organización de las tecnologías de la información y la comunicación en los centros: modelos organizativos.

Tema 26. Imagen, texto y sonido en el aula: fundamentos técnico-didácticos.

Tema 27. Sistema de evaluación: Enfoque de la evaluación por competencias en el aula de Tecnologías aplicadas a la Danza.

Tema 28. Las funciones de la programación docente. De la teoría a la práctica en la Enseñanza superior: progresión, secuenciación, requerimientos didácticos y metodológicos.

C. Temarios de las especialidades docentes vinculadas a las enseñanzas superiores de Música y de Danza:

Producción y gestión de música y artes escénicas

Tema 1. Música, danza, artes y cultura. Música y artes escénicas en el contexto general de las artes y del pensamiento estético. Defensa, protección y difusión del patrimonio artístico y musical. Patrimonio musical y artístico y educación, medios de comunicación y administraciones públicas.

Tema 2. La política cultural. Definición y origen del término. Políticas culturales en España: evolución y niveles de gobierno. Características y división de competencias. Política cultural como estrategia para el desarrollo local.

Tema 3. Marco legislativo y administrativo de la cultura en la Unión Europea y España. Administración de la cultura pública: modelos competenciales. Cultura, Constitución y tratados internacionales: el derecho de acceso a la cultura.

Tema 4. Desafíos de las empresas culturales en España y Europa. Desarrollo local y regional hacia un marco global con una economía creativa aplicada a la música y las artes escénicas.

Tema 5. El sector de la cultura en general, y de la música y las artes escénicas en particular, en otras zonas no europeas. Desafíos de las empresas culturales en estas zonas y proyectos en ellas de relevancia en los ámbitos musical y de las artes escénicas.

Tema 6. Desarrollo de un proyecto cultural I: idea, fases, diseño, ejecución y evolución de resultados. Comunicación del proyecto.

Tema 7. Desarrollo de un proyecto cultural II: la creación de un centro de enseñanza de música o de danza. Tipología y normativa aplicable. Planificación e investigación previa: el análisis del entorno.

Tema 8. Desarrollo de un proyecto cultural III: la empresa privada y tercer sector. Organización de los recursos. El desarrollo de un plan de empresa.

Tema 9. La Ley de Propiedad Intelectual en España. Aplicación. Entidades de gestión de derecho: marco legal, estructura y funcionamiento.

Tema 10. La economía de la cultura y de las artes: origen, evolución y estado actual. Metodología: medición de los impactos económicos y sociales en la cultura.

Tema 11. Gestión económica y laboral. Introducción a la contabilidad. Gestión financiera y presupuestaria. El presupuesto. Análisis de la viabilidad y rentabilidad de los proyectos. Normativa aplicable a impuestos, cotización y contratación.

Tema 12. Recursos económicos: recursos propios, subvenciones, ayudas públicas, créditos, patrocinios privados y crowdfunding. Captación de inversores.

Tema 13. Los recursos humanos en el proyecto artístico. Herramientas y habilidades para la gestión de los recursos.

Tema 14. La dirección y gestión estratégica de la imagen en el sector cultural: análisis estratégico, opciones, decisiones y control estratégico. Imagen pública y estrategias de diferenciación para la promoción. Sistemas de gestión de la calidad como factor estratégico en el sector de la música y las artes escénicas.

Tema 15. La identidad corporativa; las facetas de la identidad de las organizaciones. Establecer un cuadro de relaciones entre identidad, cultura y personalidad corporativa. Responsabilidad social corporativa.

Tema 16. El marketing aplicado a la música y las artes escénicas. Desarrollo de audiencias. Reconocimiento del público objetivo y potencial de cada proyecto. Estudios de audiencias y participación a través de las redes sociales. El mapa de empatía.

Tema 17. Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la producción digital musical y artística. Importancia de la utilización del software y de la selección de los recursos de Internet en este sector.

Tema 18. Creación, producción y distribución de un proyecto de artes escénicas. Visión general de todas las áreas necesarias para obtener los conocimientos necesarios en el contexto propio del proyecto, ya sea de música como de artes escénicas.

Tema 19. Pautas, orden y cronología del diseño del área artística en una producción de música o de artes escénicas. Dirección artística, musical, coreografía, escenografía, vestuario, iluminación, sonido, utilería e interpretación.

Tema 20. Pautas, orden y cronología del diseño del área técnica y de producción en el ámbito de la música y de las artes escénicas. Medios y recursos materiales necesarios para satisfacer los requisitos artísticos (calendarios, ensayos…).

Tema 21. Pautas, orden y cronología del diseño del área de gestión y marketing en el ámbito de las artes escénicas. Presupuesto, fiscalidad, ayudas públicas, calendarios económicos, contrataciones, plan de explotación/distribución.

Tema 22. Planes de internacionalización de artistas, empresas y organizaciones de las artes en vivo. Diagrama general de las rutas de internacionalización para los artistas. Confección de la hoja de ruta: selección de productos y mercados potenciales, estrategias de comunicación, distribución y financiación.

Tema 23. Los centros culturales y los barrios. Efecto urbano que producen los centros culturales a través de las complicidades emocionales que se generan en ellos. Concepto de salud urbana como herramienta de regeneración. Modelos de intervención en este campo, incluidos el intercambio y la comunicación cultural con otros agentes no locales.

Tema 24. Proyecto base de gestión para un contenedor cultural. Descripción de un proyecto. Realización del análisis externo; definición del territorio de demanda, análisis del land y del interland, análisis de la oferta interna en el ámbito sociocultural. Realización del análisis Interno; diagnóstico de la infraestructura, el modelo funcional de la organización, el proyecto artístico de la organización, su comunicación y marca.

Tema 25. Música, danza y artes escénicas. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo. El desarrollo de competencias generales, específicas y transversales, y su aplicación en la formación integral del alumno.

Tema 26. El trabajo autónomo y grupal del alumno en el nivel superior y su capacidad para encontrar soluciones propias a las dificultades que plantea la materia de producción y gestión. Estrategias adecuadas. El trabajo en grupo: aplicación del Puzzle de Aronson para el desarrollo y elaboración de un proyecto europeo. Dinámicas de grupo.

Tema 27. El Proyecto Educativo de Centro y la programación didáctica en las enseñanzas artísticas superiores. La Guía docente: elaboración, datos descriptivos, finalidad, objetivos y competencias, contenidos, metodología y recursos, orientación, evaluación y otras informaciones de interés.

Tema 28. Estrategias pedagógicas y didácticas en la enseñanza de producción y gestión.

Tema 29. Metodologías y técnicas de investigación aplicadas a la producción y gestión de música y Artes escénicas. El trabajo de investigación: características, estructura y criterios de elaboración. Planteamientos de investigación según el objeto a investigar, fuentes, trabajo de campo, análisis de resultados, conclusiones y otras informaciones de interés.

Tema 30. El Proceso de Bolonia y el Espacio Europeo de Educación Superior (EEES). Características del EEES: estudios superiores y de posgrado; el Crédito Europeo de transferencia y Acumulación (European Credit Transfer and Accumulation System, ECTS), el Suplemento al Título y el Aseguramiento de la Calidad. Características pedagógicas: la formación basada en competencias, el aprendizaje autónomo y a lo largo de la vida. La adaptación y desarrollo de las enseñanzas artísticas superiores en el EEES. Normas de aplicación.

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